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영국 영화

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스크린 수4,264 (2017년)
 • 인구당10만 명당 7.3명 (2017년)
주요 배급사워너 브라더스 18.2%
파라마운트 16.3%
20세기 폭스 12.1%
제작된 장편 영화 (2017년)
총 편수213 (74.4%)
애니메이션5 (1.8%)
다큐멘터리66 (23.2%)
관객수 (2017년)
총 관객수170,600,000명

영국 영화 산업은 호황과 불황을 반복해 왔다. 1910년대에는 호조였지만, 1920년대에는 미국 영화에 밀려 주춤한다. 1927년에 영국 의회에 의해 제정된 법령 (Cinematograph Films Act 1927)에 의해 영화 산업은 활성화되고 1936년에는 영국 영화 사상 최다인 192개의 작품이 제작되었다. 하지만 갑작스러운 발전으로 인해 2차 세계 대전 동안 다시 불황에 빠진다. 전후가 되어 영화 산업은 회복하고 긴 안정기에 들어간다. 그러나 1970년대 중반에 다시 불황에 빠져 1981년에는 영국 영화 사상 가장 적은 24편의 영화만 제작되었다. 영국의 영화 산업의 역사는 복잡하고 다양한 문화적 요소가 관련하고 있다.

개요

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영국 영화는 19세기부터 세계 영화 산업에 중요한 영향을 끼쳤다.

현존하는 가장 오래 된 영화로 알려진 라운드헤이 가든 씬 (Roundhay Garden Scene) (1888)은 프랑스 발명가 루이 르 프린스(Louis Le Prince)에 의해 영국에서 촬영되었다. 초기 컬러 영화들 역시 영국에서 선구되었다. 영화의 제작 자체는 1936년에 가장 높은 수치를 찍었지만, 영국 영화의 황금기는 데이비드 린, 마이클 파월, 그리고 캐럴 리드 감독이 여러 호평을 받은 작품들을 공개했던 1940년대로 여겨진다.[1]

현재, 여러 영국 배우들이 중요한 성과를 거두었으며, 세계적인 인지도를 지니고 있다. 대표적으로, 앨릭 기니스, 패트릭 스튜어트, 줄리 앤드류스, 마이클 케인, 조앤 콜린스, 숀 코너리, 올리비아 콜먼, 베네딕트 컴버배치, 대니얼 크레이그, 다니엘 데이 루이스, 주디 덴치, 헬렌 미렌, 올리비아 드 하빌랜드, 오드리 헵번, 앤서니 홉킨스, 글리니스 존스, 비비언 리, 이언 매켈런, 피터 오툴, 게리 올드먼, 로런스 올리비에, 존 길구드, 매기 스미스, 조앤 플로라이트, 엠마 톰슨, 레이철 바이스, 케이트 윈슬렛, 그리고 키이라 나이틀리 등이 있다. 또한, 역대 박스 오피스에서 가장 큰 수익을 낸 영화 중 일부가 영국에서 제작되었다. 이 예시로는, 역대 프랜차이즈 영화 순위 5위와 11위를 차지한 해리 포터와 007 시리즈가 있다.[2]

영국 영화의 정체성이 부분적으로 미국 영화와 연관되어 있다는 논쟁은 계속해서 이어져왔다. 실제로, 제작 또는 프로젝트 과정에서 미국 영화와 경쟁 및 협업이 이루어졌던 여러 사례들이 존재한다. 앨프레드 히치콕 또는 크리스토퍼 놀란, 그리고 리들리 스콧과 같은 영국의 감독들은 미국 감독들과의 협업으로 성공을 거두었고, 찰리 채플린과 케리 그랜트와 같은 영국 배우들 또한 마찬가지이다.

영국의 박스 오피스는 2012년, 약 11억 파운드의 수익과, 약 1억 7,250만 명의 관객 수를 기록했다.[3] 영국 영화 연구소는 역대 최고의 영국 영화 100편을 선정하는 여론 조사를 진행했으며, 영국 영화 텔레비전 예술 아카데미가 주최하는 BAFTA 시상식은 영국 아카데미 시상식과 동등하게 간주된다.

역사

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윌리엄 프리즈-그린
영화 ' 이상한 나라의 앨리스 '(1903) 첫 번째 버전의 스크린샷

기원과 무성 영화

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세계 최초의 활동 사진은 1888년, 루이 르 프린스가 영국 리즈 에서 촬영했다.[4][5] 이후 영국의 발명가, 윌리엄 프리즈 그린이 1889년, 런던 하이드 파크 에서 셀룰로이드 필름에 현상된 최초의 활동 사진을 제작했으며,[6] 그는 이듬해인 1890년, 이에 대한 특허를 취득했다. 35mm 카메라를 제작하고 사용한 첫 영국인은 로버트 W. 폴과 버트 에이커스였다.[7] 그들은 이후 1895년 2월, 영국의 첫 영화인 클로벨리 오두막 사건 을 제작하였다.[8] 그러나 이들은 얼마 지나지 않아 카메라 특허를 두고 갈등을 빚게 되었다. 이후 블랙번의 미첼 앤 케니언와 같은 여러 영국 영화 제작사들이 새로운 영화에 대한 수요를 충족하고자 개업했다. 1896년에는, 뤼미에르 형제가 런던에서 처음으로 자신들의 공연을 선보였다. 1898년, 미국인 프로듀서 찰스 어반은 다큐멘터리, 뉴스 영화를 제작하기 위해, 런던에 소재한 워릭 트레이딩 컴퍼니를 확장하기 시작했다.[9]

초기 영국 영화는 일상적인 사건들을 다루었지만, 20세기 초에는 주로 코미디와 멜로드라마를 중심으로 한 서사 단편 작품들이 등장했다. 초기 영화는 대체로 멜로드라마적 구성들이었으며, 관객에게 이미 잘 알려진 스토리 라인, 특히 셰익스피어 희곡과 찰스 디킨스 소설을 각색한 각본에 대한 선호도가 뚜렷하게 나타났다.

1898년, 프랑스의 고몽(Gaumont) 영화사의 자회사인 가우몽-브리티시 픽처 코퍼레이션이 이 설립되었으며, 1915년에 서부 런던에 영국 최초로 영화 제작을 위해 지어진 건물인 라임 그로브 스튜디오를 건설했다. 또한, 1899년에는 세실 헵워스가 런던의 남부, 램버스에 헵워스 스튜디오를 설립하였고,[10][11] 제임스 뱀포스는 요크셔에서, 윌리엄 해거는 웨일스에서 영화를 제작하기 시작했다.

1901년 월터 R. 부스가 감독한 스쿠루지, 또는 말리의 유령 (Scrooge, or, Marley's Ghost) 은 찰스 디킨스의 소설 '크리스마스 캐롤'을 각색한 최초의 작품이다.[12] 또한 부스(Booth)의 예술가의 손 (The Hand of the Artist) (1906)은 영국 최초의 애니메이션 영화로 기록된다.[13][14]

1902년, 윌 바커에 의해 일링 스튜디오가 설립되었다. 이 스튜디오는 현재까지 운영하는 영화 스튜디오들 중에서 세계에서 가장 오래된 영화 스튜디오로 알려져 있다.

찰리 채플린,  1918c.

1909년, 찰스 어번은 특허 받은 키네마컬러 공정을 사용하여 초기 컬러 필름을 제작하는 Natural Color Kinematograph Company를 설립했다. 하지만 이후 윌리엄 그린이 회사를 상대로 소송을 걸면서 1914년에 폐업했다.[15]

1903년, Cecil Hepworth와 Percy Stow는 루이스 캐럴의 동화책《이상한 나라의 앨리스》를 영화화한 이상한 나라의 앨리스를 감독했다.[16] 또한 1903년에는 셰필드의 Frank Mottershaw는 영화 A Daring Daylight Robbery 를 제작하여 추격 장르의 시작을 알렸다.

1915년, 영화 배급 회사들을 대표하기 위해 영국/아일랜드 키네마토그래프 임차인 협회(Kinematograph Renters' Society of Great Britain and Ireland)[17]가 설립되었다. 이 협회는 세계에서 가장 오래된 영화 매매 단체로, 영국 영화배급인협회(Society of Film Distributors)[18]로 불리다가, 영국 영화배급업자연합(Film Distributors' Association, FDA)[19][20]로 다시 이름을 변경하였다.

1920년대 중반까지 영국의 영화 산업은 미국과의 치열한 경쟁에서 내수 시장 규모의 차이로 인해 열세를 보였다. 1914년에는 영국에서 상영된 영화의 25%가 영국 영화였지만 1926년에는 5%로 떨어졌다.[21] 1924년의 경기 침체로 인해 많은 영국 영화 스튜디오가 문을 닫았고, 이로 인해 현지 생산을 촉진하기 위해 1927년 영화법(Cinematograph Films Act 1927)이 통과되었다.[22][23] 이로 인해 영국의 영화관들은 일정 비율의 영국 제작 영화를 상영해야만 했다. 이 법은 기술적으로는 성공이었다. 이를 통해 영국 영화를 소비하는 관객 수가 많아졌지만, 단순히 이 상영 할당량을 충족시키기 위해 제작된, 품질이 낮은 저가 영화, 이른바 "쿼터 퀵키(quota quickies)"가 빠르게 늘어나는 결과를 초래했다. 일부 역사학자들은 이를 두고 영화 산업의 발전을 저해하는 요인이라고 비난했지만, 다른 한 편에서는 이 정책이 마이클 파월과 같은 당시 신인 영국 영화 제작자들에게 기술을 익히도록 하는 기회를 제공했다고 보기도 한다. 이후 1938년 영화법(Cinematograph Films Act 1938)은 영국 내의 영화 산업을 지원하고자 영국에서 제작되고 촬영된 영화만 할당량에 포함하는 것으로 법을 수정하였는데,[24] 이에 캐나다와 호주의 영화 제작이 크게 위축되었다.초기 유성 영화 시대

무성 영화 시대의 스타, 영국의 코미디언 찰리 채플린이 할리우드를 기반으로 활동했다.[25]

초기 유성 영화 시대

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스코틀랜드의 변호사인 존 맥스웰은 1927년, British International Pictures(BIP)를 설립했다. 본사는 엘스트리에 위치한 이전 British National Pictures Studios 건물을 사용했는데, 이는 당시 시설의 원 소유주인 프로듀서 겸 감독인 허버트 윌콕스가 재정적 어려움을 겪고 있었기 때문이었다.[26] 제작사의 초기 작품인 앨프레드 히치콕의 협박 (1929)은 흔히 영국 최초의 유성 영화로 언급된다.[27][28][29]이 작품은 음악과 음향 효과가 동기화된 ‘부분 유성 영화(Part-talkie)’였는데, 같은 해 초, 영국 최초의 전체 유성 영화인 새로운 핀의 단서 (The Clue of the New Pin) 가 개봉했다. 에드거 월리스의 동명의 소설을 원작으로 한 이 작품은, 도널드 캘스로프, 베니타 흄과 프레드 레인스 등이 출연하였고, 브리티시 라이언 필름 (British Lion Film)이 비콘스필드 스튜디오 (Beaconsfield Studios) 에서 제작했다. 존 맥스웰이 이끌던 BIP는 1933년, Associated British Picture Corporation (ABPC)으로 개편된다.[30] 엘스트리의 ABPC 스튜디오는 이후 "죽 공장"이라 불리게 되는데, 이는 "영화의 질보다 양을 우선시 했기 때문"이라고 BFI의 Lou Alexander는 평가했다.[31] 엘스트리는 여섯 개의 영화 스튜디오들이 밀집한 지역이 되면서, 수 년 동안 영국 영화 산업의 중심이 되었다.

알프레드 히치콕은 그의 첫 스릴러 영화인 <하숙인: 런던 안개의 이야기 >(1927)를 통해 이름 있는 감독으로 자리매김했다.

1927년까지 영국 최대 영화관 체인은 영화관 20개 가량의 규모에 불과했지만, 다음 해 고몽-브리티시 픽처 코퍼레이션이 공격적으로 크기를 확장하여 1928년에는 180개, 1929년에는 280개의 영화관을 보유하면서 영국에서 가장 큰 영화관 체인이 되었다.[32] Maxwell은 1927년에 ABC 시네마를 설립했는데, 이는 BIP의 자회사가 되었고 1928년에 첫 영화관을 개관한 오스카 도이치가 설립한 오데온 시네마 와 함께 영국 최대 영화관 체인 중 하나가 되었다. 1937년까지 이 세 체인은 영국 내 모든 영화관 시장의 약 4분의 1을 차지했고, 이에 이들 중 하나와 영화 상영 계약을 성공시키는 것이 영국 내 영화 흥행의 핵심 요소가 되었다.[21]

유성 영화의 등장으로 인해 많은 외국 배우들의 수요가 감소하였고, 영어 표준 발음이 흔히 사용되었다. 그 대표 사례로, 영화 '협박' 에서 체코 여배우 앤디 온드라의 목소리가 영국 여배우 조안 배리의 목소리로 후시 녹음 되어 대체된 것을 들 수 있다.[33]

존 그리어슨의 드리프터스 (Drifters, 1929년)를 시작으로 1933년 초부터 영국 우정국 영화 제작부 (GPO Film Unit) 를 중심으로 사실주의 다큐멘터리 영화 운동 이 등장했다. 그리어슨은 논픽션 영화를 설명하고 알리기 위해 " 다큐멘터리 "라는 용어를 만들었으며, 그는 바실 라이트와 해리 와트가 각본과 감독을 맡은 사실주의 운동의 가장 유명한 초기 작품인 나이트 메일 (Night Mail, 1936년)을 제작했다.[34]

알렉산더 코르다

1930년대, 대규모 예산을 투입한 영국 영화 상당수들은 헝가리 출신의 이민자 알렉산더 코르다가 설립한 런던 필름 (London Films Productions)에서 제작되었다. 임페리얼 스튜디오 (British and Dominions Imperial Studios) 에서 제작된 헨리 8세 (1933)의 성공을 보고 유나이티드 아티스트 와 프루덴셜은 코르다의 신생 스튜디오인 덴햄 스튜디오 (Denham Film Studios) 에 투자했으나, 결국 재정적 손실을 입었다. 전쟁 이전 코르다는 렘브란트 (1936), 사랑에 빠진 스파이 (1937), 초기 테크니컬러 영화 드럼 (1938), 포 페더스 (The Four Feathers, 1939) 등을 제작했다. 이 영화들의 등장은 20세기 폭스의 첫 영국 현지 제작 테크니컬러 장편 영화인 윙스 오브 더 모닝 (Wings of the Morning, 1937)의 제작으로 이어졌다. 일부 작품은 당대 비평가들로부터 제국주의적 색채가 강하다는 평가를 받기도 했지만, 그러나 그가 발굴한 인도 출신 배우, 사부 다스타기르는 국제적 인지도를 얻으며 ‘인도 출신 배우 중 가장 널리 알려진 스타’가 되었고,[35]미국의 흑인 배우, 폴 로브슨 또한또한 미국에서는 역할이 제한적이었지만, 코르다의 제작사에서 처음으로 주요 배역을 맡을 수 있었다.[36]

1933년, 영국 영화 협회(British Film Institute)가 영국 영화계의 대표 기관으로 설립되었다.[37][38] 그들은 1935년에 국립 필름 라이브러리(현 BFI 국립 아카이브)를 설립했고, 에르네스트 린드그렌이 기관의 초대 큐레이터를 맡았다.

제작비 증가와 미국 시장 진출에 대한 과도한 기대는 1936년, 192편의 영화 제작이라는 최고치를 기록한 후,[39] 1937년 심각한 금융 위기를 초래했다. 1925년부터 1936년까지 등록된 영국 제작사 640개 중, 1937년까지 활동을 이어간 회사는 고작 20개 뿐이었다. 게다가 1927년 제정된 영화법이 1938년 갱신되었는데, 이 시네마토그래프 영화법은 품질 테스트(quality test)를 도입해 영국 기업들이 더 영화를 적게 만들더라도 높은 품질을 유지할 수 있도록 하고 저품질의 영화들(quota quickies)은 줄일 수 있도록 장려금을 주었다. 이는 곧 미국의 투자와 수입을 장려했다. 그 결과, 미국 최대 스튜디오 MGM의 영국 자회사 MGM-British가 설립되어 굿바이 미스터 칩스(1939)를 포함, 총 4편의 장편 영화를 제작했다.[40]

1930년대 중반, 앨프레드 히치콕은 고몽-브리티시 픽처 코퍼레이션과 계약을 맺으며 스릴러 장르에서 자신의 스타일을 확립했다. 그는 나는 비밀을 알고 있다 (1934), 39 계단 (1935), 사라진 여인 (1938)으로 활동을 이어갔다. 영국 영화 잡지 Picturegoer는 그를 "Alfred the Great"라 칭했으며, New York Times 특집 기사에서도 “영국에는 마그나 카르타, 타워 브리지, 그리고 세계 최고의 스크린 멜로 드라마 감독 앨프레드 히치콕이 있다”라고 평가했다. 그 후 히치콕은 데이비드 O. 셀즈닉과 7년 계약을 맺고 할리우드로 진출했다.[41]

2차 세계 대전

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영국이 독일에 선전포고를 한지 이틀 뒤, 1939년 9월 5일자 The Times 보도에 따르면, 조지 버나드 쇼는 극장을 포함한 모든 오락 시설의 폐쇄 명령에 편지로 항의했다. 그는 "전쟁 기간 동안" 어둠과 공포에 굴복해야 한다고 제안한 히틀러의 하수인이 누구냐고 반문하며 정부의 조치를 비판했다. 약 2주 후 지역 영화관이 재개장했으며, 한 달 뒤에는 런던 중심부의 영화관 역시 다시 문을 열었다. 1940년대에는 영화 관객 수가 그 해 약 10억 명에 달한 것으로 추정되었으며, 그리곤 1943년, 1944년, 1945년 동안에는 약 15억 명으로 증가했다.[42]

전쟁 직전 다큐멘터리 영화 제작자로 경력을 시작한 험프리 제닝스가 이 시기에 다른 감독들과 협력하여 여러 작품들을 제작했다. 런던 캔 테이크 잇 (London Can Take It!, 1940년, 해리 와트 공동 제작)은 런던 공습의 실상을 자세히 보여주었고, 리슨 투 브리튼 (1942년, 스튜어트 맥알리스터 공동 제작)은 국내 전선을 조명했다.[43] 1940년에는 영국 정보부 산하의 크라운 필름 유닛이 GPO 필름 유닛의 모든 책임 권한을 맡게 되었고, 폴 로타 감독과 알베르토 카발칸티 감독이 험프리 제닝스와 협력하였다.[44] 이 시기 영국 영화는 이 다큐멘터리 기법을 적극 수용하기 시작했고, 카발칸티는 웬트 더 데이 웰 (Went the Day Well?, 1942) 제작을 위해 일링 스튜디오에 합류했다.[45]

이 시기의 다른 많은 영화들이 전쟁 중인 영국의 대중적 이미지를 형성하는 데 기여했다. 이 영화들 중 가장 잘 알려진 영화로는 토린호의 운명 (1942), 위 다이브 앳 던 (We Dive at Dawn, 1943), 밀리언 라이크 어스 (Millions Like Us, 1943), 선봉에서 (The Way Ahead, 1944) 등이 있다. 또한 이 시기에는 마이클 파월 감독과 헝가리 태생의 작가 겸 프로듀서 에머릭 프레스버거가 'The Archers'라 불리는 제작사를 만들어 직업 군인 캔디씨 이야기 (The Life and Death of Colonel Blimp, 1943), 캔터베리 이야기 (1944) 등의 영화를 함께 제작하기도 했다.

당시 랭크 그룹의 자회사 배급망을 통해 영화를 개봉하던 독립 제작사, 투 시티 필름스는 여러 영화들을 제작했다. 대표적으로는 노엘 카워드와 데이비드 린이 협력한 깁슨 가족 연대기 (This Happy Breed, 1944)와 즐거운 영혼 (Blithe Spirit, 1945), 로렌스 올리비에 감독의 헨리 5세 (1944) 등이 있다.[46] 이 무렵 게인즈버러 픽처스는 멜로드라마 시대극 시리즈인 맨 인 그레이 (The Man in Grey, 1943)와 사악한 여자 (The Wicked Lady, 1945)를 선보였는데, 이는 비평가들에게는 혹평을 받았지만, 대중들에게 큰 인기를 얻었다. 이를 통해 마가렛 락우드, 제임스 메이슨과 같은 배우들이 스타로 발돋움했다.[47]

전후 영화

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1940년대 말, 랭크 오거니제이션이 영국 영화 제작의 주요 세력이 되었다. 이들은 1949년, 여러 영국의 스튜디오들과 가몽 체인을 사들여 오데온 시네마로 편입시켰고, 영국 영화 제작의 지배 세력이 되었다. 이후 랭크 오거니제이션이 심각한 경제 위기를 겪으며 얻은 막대한 손실과 빚으로 인해, 영화 제작이 위축되었다. 실제로, 랭크 오거니제이션은 ABPC(이후 EMI에게 흡수됨)와 함께 수년 동안 독과점을 이어왔다.

데보라 커가 영화 블랙 나르시스 (1947)에서 클로다 수녀 역을 맡았다.
테리 토마스는 1957년부터 1959년까지 피터 셀러스 와 함께 네 편의 영화에 출연했다. 그들의 마지막 영화인 《 아임 올 라이트 잭》 은 1960년 영국 박스오피스에서 최고 흥행작이 되었다.

전쟁 이후 몇 년 간, 영국의 영화 산업은 새로운 정점을 맞이했다. 이 시기의 대표작으로는 데이비드 린의 밀회 (1945)와 찰스 디킨스의 작품을 각색한위대한 유산 (1946), 올리버 트위스트 (1948), 글리니스 존스가 주연을 맡은 켄 아나킨 감독의 미란다 (Miranda, 1948), 캐럴 리드의 스릴러 영화 심야의 탈출 (1947), 제3의 사나이 (1949), 마이클 파월과 에머릭 프레스버거 감독의 천국으로 가는 계단 (1946), 검은 수선화 (1947), 분홍신 (1948)이 있다. 특히 분홍신 은 그해 미국에서 가장 상업적으로 성공한 영국 영화였다. 또한 로렌스 올리비에의 햄릿 (1948)이 비미국 영화로는 최초로 아카데미 작품상을 수상했다. 한편, 일링 스튜디오는 랭크 오거니제이션의 지원을 받아 코미디 영화를 제작하기 시작했다. 위스키 거로어 (1948), 친절한 마음과 화관, 핌리코행 여권 (1949)이 연달아 개봉하여 대중의 사랑을 받았으며, 이들의 옴니버스 공포 영화, 악몽의 밤 (1945) 또한 높은 평가를 받았다.[48]

1932년부터 시행된 수입 관세법에 따라, 1947년 8월 6일 영국 재무부는 모든 수입 영화에 75%의 관세를 부과했다. 이는 당시 재무장관이었던 휴 달튼 의 이름을 따서 달튼 관세(Dalton Duty)로 불리게 되었다. 이 관세는 8월 8일부로 발효되어 모든 수입 영화에 적용되었고, 적용 대상 대부분이 미국 제작물이었다. 1946년 당시 미국 영화 스튜디오들은 영국에서 6,800만 달러를 넘는 수익을 올리며 영국 시장의 주요 공급자 역할을 했는데, 관세가 시행된 다음 날인 8월 9일, 미국영화협회(MPAA)는 추후 공지가 있을 때까지 영국 영화관에 더 이상 영화를 공급하지 않겠다고 선언했다. 이 ‘돌턴 듀티’는 1948년 5월 3일 종료되었고, 이후 미국 스튜디오들은 다시 영국으로 영화를 수출하기 시작했다. 그러나 이와는 별개로, 마셜 플랜은 정책이 미국 영화사들이 자사 영화가 상영된 국가에서 벌어들인 외화를 본국으로 송금하는 것을 금지했다.[49]

1949년 시행된 시네마토그래프 영화 제작(특별 대출)법에 따라, 영국 영화에 자금 조달을 담당하는 기관인 국립영화금융공사(NFFC)가 설립되었다.[50]

1950년, 이디 부담금(Eady Levy)이 발의되었다. 영국 영화 산업을 지원하기 위해 영화 흥행 수입에 부과된 세금으로, 윌프리드 이디 경(Sir Wilfred Eady)의 이름을 따서 명명되었다. 1957년에 시행된 이 제도는 영국 정부가 자국 영화 제작자들에게 직접 자금을 지급할 경우, 관세무역일반협정(GATT) 규정상 보조금으로 간주되어 미국 영화 업계의 반발을 불러일으킬 수 있다는 문제를 피하기 위한 장치이기도 했다. 이디 레비의 간접세 방식은 보조금으로 간주되지 않았기 때문에, 해외의 비판 없이 영국 영화 산업에 추가 자금을 공급할 수 있는 적절한 방안이 되었다.[51]

1951년 국립영화관이 영국제 기간에 마련된 임시 건물에서 처음 문을 열었다. 이후 1957년 10월 16일, BFI가 주최한 첫 번째 런던 영화제 개최와 함께 현재의 위치인 런던 사우스 뱅크로 이전했다.[52]

1950년대에 영국 산업은 국내 관객을 겨냥한 대중 코미디와 제 2차 세계대전 드라마에 집중하기 시작했다. 전쟁 영화는 주로 실화를 바탕으로 제작되었으며, 전쟁 시기 제작되었던 작품들과 비슷하게 명암 대비가 뚜렷하고 어두운 로우 키 (Low-key) 스타일로 제작되었다. 이 영화들은 존 밀스, 잭 호킨스, 케네스 모어와 같은 배우들이 스타가 되는 데 큰 기여를했다. 가장 성공적인 작품으로는 잔인한 바다 (1953), 댐 버스터 (1954), 콜디츠 스토리 (1955), 리치 포 더 스카이 (1956) 등이 있다.

랭크 오거니제이션은 제네비에브 (1953) 등과 같은 코미디 작품을 제작하여 성공을 거두었다. 쌍둥이 형제인 존 불팅과 로이 불팅으로 구성된 각본가·감독·프로듀서 팀은 또한 프라이빗츠 프로그레스 (Private's Progress, 1956)를 시작으로 브라더스 인 로 (Brothers in Law, 1957), 칼턴-브라운 오브 더 F.O. (Carlton-Browne of the F.O., 1958)을 제작했고, 그리고 아임 올 라이트 잭 (I'm All Right Jack, 1959)을 통해 영국의 삶과 제도를 풍자했다. 영국 영화 협회는 스쿨 포 스카운드럴스 (School for Scoundrels, 1960)에서 주연을 맡은 테리-토마스를 “고전적인 영국식 파렴치한을 연기하는 데 있어 뛰어나다"[53][54]고 평했다.

크리스토퍼 리가 영화 드라큘라 (1958)에 출연했다.

1950년대 말로 갈수록 검열이 완화되면서 영화 제작사 해머 필름스는 상업적으로 성공한 공포 영화 시리즈 제작에 착수하게 되었다. 나이절 닐의 BBC SF 드라마 시리즈를 각색한 쿼터매스 익스페리먼트 (The Quatermass Experiment, 1955)과 쿼터매스 2 (Quatermass II, 1957)을 시작으로, 해머는 곧 프랑켄슈타인의 저주 (1957)와 괴인 드라큘라 (1958)를 제작했는데, 이 작품들은 컬러로 제작된 최초의 고딕 공포 영화들이었다. 이후 수많은 속편과 변형 작품이 제작되었으며, 영국 배우 피터 커싱과 크리스토퍼 리가 주로 주연을 맡았다. 한편, 당대 배경의 공포적 요소를 지닌 스릴러 영화 저주받은 카메라 (1960)는 개봉 당시 비평가들로부터 혹평을 받았고, 사실상 감독 마이클 파월의 경력을 마무리 짓게 하는 계기가 되었다.

사회적 사실주의 영화

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자유영화 운동 과 '영국 뉴 웨이브' 운동에서 활약했던 카렐 라이츠 (가운데)

영국의 뉴 웨이브 영화 제작자들은 1959년부터 1963년 사이 상업 장편 영화에서 기존 영화들보다 넓은 범위의 영국 사람들을 다루는 사회적 사실주의 영화(일명 ' 키친 싱크 리얼리즘 ')를 제작하고자 했다. 대표적인 감독으로는 옥스포드 영화 저널 시퀀스(Sequence) 와 다큐멘터리 운동, 프리 시네마 운동에도 참여했던 카렐 라이스, 린지 앤더슨, 토니 리처드슨 등이 있다. 1956년 앤더슨은 프리 시네마 성명서를 통해 "어떤 영화도 너무 개인적일 수 없다. 이미지는 말하고, 소리는 증폭되고 의견을 남긴다. 크기는 중요하지 않다. 완벽함은 목표가 아니다. 태도는 곧 스타일을 의미한다. 스타일이 곧 태도이다.“라고 입장을 표명했다. 이 중에서도 특히 앤더슨은 상업 영화 산업을 거부했다. 영국 포드가 후원한 앤더슨의 다큐멘터리 영화 Every Day Except Christmas (1957) 와 리처드슨의 Momma Don't Allow (1955) 가 대표적이다. 또한 이 집단의 다른 멤버, 존 슐레진저는 BBC의 모니터(Monitor)아트 시리즈 다큐멘터리를 제작했다.

훗날 제임스 본드 시리즈의 공동 프로듀서가 되는 해리 샐츠먼과 함께, 극작가 존 오스본과 토니 리처드슨은 초기 장편 영화를 제작하기 위해 우드폴 필름(Woodfall Films)을 설립했다. 리처드슨은 이 제작사에서 오스본의 동명의 희곡을 각색한, 리처드 버턴 주연의 성난 얼굴로 돌아보라 (1959), 로런스 올리비에 주연의 엔터테이너 (1960)를 연출했는데, 두 작품 모두 오스본이 직접 각본을 썼다. 또한 카렐 라이스의 토요일 밤과 일요일 아침 (1960), 리처드슨 감독의 꿀맛 (1961), 슐레진저 감독의 사랑의 유형 (1962)와 거짓말쟁이 빌리 (1963), 그리고 린지 앤더슨의 욕망의 끝 (1963)와 같은 영화들은 노동자 계급의 삶이나 이전에는 금기시되었던 문제들을 제시하는 새로운 지평을 열었다고 평가받는다.

이 시기의 초창기에 등장한 감독, 바실 디어든과 마이클 렐프는 “사회적 안정과 전후 합의의 정착이라는 과제에 직면한 사회적 문제들을 탐구했다”[55] 고 평가된다. 풀 오브 런던 (Pool of London, 1950)[56]과 사파이어 (Sapphire, 1959)는 인종 간의 긴장과 새롭게 형성 중이던 영국의 다문화 사회를 서사적으로 다루고자 했던 최초의 시도였다.[57] 디어든과 렐프의 희생자 (1961)는 동성애자에 대한 협박을 주제로 한 작품으로, 동성애 성행위의 비범죄화를 주장한 울펜든 보고서의 영향을 받았다.[58] 이 영화는 “동성애를 명시적으로 다룬 최초의 영국 영화”[59]로 평가된다. 그러나 뉴웨이브 영화 제작자들과는 달리, 디어든과 렐프의 작품에 대한 반응은 전반적으로 긍정적이지 않았다.[55]

1960년대

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피터 오툴이 출연한 영화 < 아라비아의 로렌스> (1962)

1960년대에 들어서 미국의 스튜디오들이 다시 영국 영화를 재정적으로 지원하기 시작했는데, 특히 1966년 타임지에 개재된 스윙 런던(Swing London) 이미지가[60]강조된 영화들이 그 대상들이었다. 달링 (Darling, 1965), 낵 앤 하우 투 겟 잇 (The Knack ...and How to Get It, 1965), 알피 (Alfie, 1966), 조지 걸 (Georgy Girl, 1966) 과 같은 영화들이 모두 이 현상을 다룬 작품들이다. 또한욕망 (1966)과 이후 공개된 사랑하는 연인들 (1969)은 영국의 메인스트림 스크린에서는 처음으로, 여성과 남성의 전신 노출 장면을 스크린에 노출했다.

한편, 영화 제작자 해리 샐츠먼과 앨버트 R. 브로콜리는 숀 코너리를 주연을 맡은 제임스 본드 시리즈를 통해 이국적인 장소, 캐주얼한 폭력, 자기지시적 유머, 그리고 성적 요소를 결합한 작품들을 선보였다. 첫 번째 영화 007 살인번호 (1962)는 영국에서 초반에는 미미했지만, 이후 성공을 거두었으며, 두 번째 작품 007 위기일발 (1963)은 전 세계적인 흥행에 성공했다. 세 번째 영화 007 골드핑거 (1964)가 개봉할 무렵 시리즈는 이미 세계적인 현상이 되었고, 이듬해 개봉한 007 썬더볼 작전 (1965)과 함께 본드 시리즈는 상업적 성공의 정점에 도달했다.[61] 본드 시리즈의 성공은 수많은 모방작을 낳으며 스파이 영화 붐을 촉발했다. 본드 시리즈의 공동 프로듀서였던 솔츠먼은 렌 데이그튼의 소설을 원작으로 한 보다 현실적인 스파이 영화 시리즈를 기획해 이에 대응했다. 마이클 케인이 국제 첩보국 (1965)에서 안경을 쓴 스파이 해리 팔머 역을 맡았고, 이후 몇 년간 두 편의 속편이 이어서 제작되었다. 한편, 존 르 카레의 소설을 원작으로 한, 추운 나라에서 온 스파이 (1965)와 침묵의 살인 (1966) 과 같은 보다 어두운 분위기의 첩보 영화들 또한 이 시기에 등장했다.

영화 <닥터 스트레인지러브> (1963)의 작전실은 켄 아담 이 디자인했다.

여러 미국 감독들이 1960년대 런던에서 활발히 활동했는데, 그중 일부는 영국에 영구적으로 정착했다. 미국에서 블랙리스트에 오른 조지프 로지는 1960년대 영국 영화에 중요한 영향을 미쳤는데, 특히 극작가 해럴드 핀터, 주연 배우 더크 보가드와의 협업을 통해 하인 (1963)과 사랑의 상처 (1967)를 제작했다.

자발적 망명자였던 리처드 레스터와 스탠리 큐브릭 역시 영국에서 활발히 활동했다. 레스터는 비틀즈 영화 하드 데이즈 나이트 (1964)와 낵 앤 하우 투 겟 잇 (1965)으로 큰 성공을 거두었으며, 큐브릭은 닥터 스트레인지러브 (1963)와 2001: 스페이스 오디세이 (1968)로 흥행과 비평 양면에서 성과를 거두었다. 큐브릭은 1960년대 초 허트퍼드셔에 정착해 이후 생애의 대부분을 영국에서 보냈지만, 이 두 작품은 여전히 강한 미국적 색채를 유지했다. 이 시기 다른 유럽 출신 감독들의 주요 작품으로는 반항 (1965)과 욕망 (1966)이 있는데, 이는 각각 폴란드 출신 감독 로만 폴란스키와 이탈리아 감독 미켈란젤로 안토니오니의 첫 영어 영화였다.

아라비아의 로렌스 (1962), 톰 존스의 화려한 모험 (1963), 사계절의 사나이 (1966)와 같은 다양한 역사 영화들은 미국 스튜디오의 투자로 큰 혜택을 받았다. 베킷 (1964), 하르툼 공방전 (1966), 차지 오브 더 라이트 브리게이드 (1968)과 같은 대규모 작품들이 지속적으로 제작되었으며, 사랑의 상처 (1967)를 비롯한 소규모 영화들 또한 비평적으로 큰 성공을 거두었다. 이 10년 동안 아카데미 작품상을 수상한 영화 가운데 네 편이 영국 작품이었으며, 그중 찰스 디킨스의 소설 《올리버 트위스트》를 원작으로 한 뮤지컬 영화 올리버 (1968)는 총 6개의 아카데미상을 수상했다.

1970년대

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다시 미국 스튜디오들이 영국의 제작사들을 향한 지원을 줄이거나, 완전히 자금을 회수하는 경우가 많아졌다. 빌리 와일더의 셜록 홈즈의 미공개 파일 (1970) 와 같이, 미국의 지원을 받은 영화가 여전히 제작되긴 했지만, 이 시기는 특히 영국 영화의 자금 조달이 어려워졌던 시기로 여겨진다.

검열이 완화되면서 논란의 여지가 있는 여러 영화들이 등장했다. 대표작으로는 니콜라스 로그와 도널드 카멜의 행동 (Performance, 1970), 켄 러셀의 악령들 (1971), Sam Peckinpah의 Straw Dogs (1971), 샘 페킨파의 어둠의 표적 (1971), 그리고 디스토피아적 미래의 영국을 배경으로 말콤 맥다월이 폭력적인 갱단의 리더로 출연한 스탠리 큐브릭의 시계태엽 오렌지 (1971)가 있다.

1970년대 초반의 다른 주요 영화로는 칸 영화제에서 황금종려상을 수상한 에드워드 시대 배경의 드라마 사랑의 메신저 (1971), 니콜라스 로그의 베네치아를 배경으로 한 초자연 스릴러 쳐다보지 마라 (1973), 마이클 케인이 주연한 마이크 호지스의 갱스터 드라마 겟 카터 (1971) 등이 있다. 엘프레드 히치콕은 프렌지 (1972) 촬영을 위해 영국으로 돌아왔으며, 리처드 애튼버러의 젊은 날의 처칠 (1972)과 머나먼 다리 (1977) 등도 상업적으로 일정한 성과를 거두었다. 해머 필름 프로덕션, 아미쿠스, 티곤 등이 제작한 영국 공포 영화 전성기는 해머가 노출과 잔혹함을 가미하여 장르를 새롭게 하려는 시도에도 불구하고 막을 내리게 되었다. 위커맨 (1973)과 같이 영국 공포 영화의 범위를 확장하려는 시도도 있었지만, 이러한 작품들은 흥행 면에서 큰 영향을 미치지 못했다. 1976년 위커맨 을 제작한 영국 라이언 필름은 1969년 ABPC를 인수한 EMI의 영화 부문에 흡수되었으며, 랭크와 EMI를 중심으로 한 영국 영화 배급 시장의 양강 구도는 계속 유지되었다.

1970년대 초 정부는 국립영화금융공사(NFFC)에 대한 자금 지원을 축소했고, 이에 따라 NFFC는 은행을 포함한 컨소시엄 형태로 운영되기 시작했다. 그 결과 영화의 질이나 새로운 인재 발굴보다는 상업성을 중시하는 경향이 강해졌으며, 업 폼페이 (Up Pompeii, 1971)와 같은 텔레비전 프로그램을 원작으로 한 영화들이 자금을 지원받게 되었다.[62]

해머를 포함한 일부 영국 프로듀서들은 텔레비전에서 영감을 얻기 시작했고, 인기 시트콤을 영화화한 온 더 버스 (On the Buses, 1971)와 스텝토 앤 손 (Steptoe and Son, 1972)은 영국 국내 관객들 사이에서 큰 성공을 거두었다. 특히 전자는 같은 해 개봉한 본드 시리즈 007 다이아몬드는 영원히 (1971) 보다 더 높은 영국 내 흥행 수익을 기록했다. 1973년에는 영국의 유명 배우 로저 무어가 007 죽느냐 사느냐 에서 새로운 제임스 본드 역으로 캐스팅되었고, 영화는 상업적으로 성공을 거두며 무어는 이후 12년간 이 역할을 이어갔다.

1977년부터 1979년 사이에는 스타워즈 (1977)가 엘스트리 스튜디오에서, 슈퍼맨 (1978)이 파인우드 스튜디오에서, 에이리언 (1979)이 셰퍼턴 스튜디오에서 촬영되는 등 일부 미국 영화들이 다시 영국의 주요 스튜디오로 돌아왔다. 이 시기에 큰 인기를 끌었던 애거사 크리스티의 동명의 소설을 원작으로 한 오리엔트 특급 살인 (1974)과 나일 강의 죽음 (1978)이 성공적으로 영화화되었다. 한편 1970년대 후반, 루 그레이드의 회사 ITC가 영화 제작에 진출했으나, 소수의 성공작을 제외하고 재정적으로는 지속되기 어려운 실패가 잇따랐다.

1980년대

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1980년에는 전년 대비 50% 감소한 31편의 영국 영화만 제작되었으며,[63] 1914년 이후 최저 수치를 기록했다. 1981년에는 24편으로 생산량이 더욱 감소했다.[63] 영화 산업은 1984년에는 5,400만 명으로 사상 최저치를 기록한 영화 관람객 감소와 더불어, 1957년 제정되었던 세금 감면 혜택인 '이디 부담금'이 폐지되면서 이로 인해 영국 영화 업계는 큰 타격을 입었다. 이러한 요인들은 업계에 큰 변화를 가져왔으며, 영국 영화는 비디오와 텔레비전, 그리고 Channel 4와 같은 2차 시장에 더 의존하게 되었고, 이 2차 시장은 영국 영화의 수익성을 위한 중요한 자금 조달원이 되었다.[64]

이 부담금이 폐지되면서 1985년 밀턴킨즈의 엔터테인먼트 단지, 더 포인트에 AMC 시어터스가 10개 스크린으로 구성된 영화관을 개관하면서 영국에 멀티플렉스 영화관이 도입되었고, 영국의 스크린 수는 이후 10년 동안 약 500개 가까이 증가하여 1980년대 말에는 연간 관객 수가 거의 1억 명까지 증가했다.[65][66]

조지 해리슨이 부분적으로 소유하고 있던 핸드메이드 필름은 EMI의 버나드 델폰트(루 그레이드의 동생)가 철수한 후 몬티 파이튼의 라이프 오브 브라이언 의 제작을 맡기 위해 처음 결성되었다. 후원자들이 신중한 태도를 보이자, 핸드메이드 필름은 루 그레이드의 자회사에서 제작한 갱스터 드라마 영화 롱 굿 프라이데이 (1980)'또한 구매하여, 배급상영했다. 파이튼의 팀원들은 테리 길리엄의 판타지 영화 4차원의 난장이 E.T (1981)와 브라질 (1985), 블랙 코미디 회색빛 우정 (1987), 존 클리즈의 히트작, 완다라는 이름의 물고기 (1988) 등 10년 동안 다른 코미디 작품에도 참여했다. 배우 마이클 페일린은 앨런 베넷의 첫 영화 각본 데뷔작인 프라이빗 펑션 (A Private Function, 1984)에 출연했다.[67]

골드크레스트의 프로듀서 데이비드 퍼트넘은 "20세기 마지막 분기에 영국 영화계가 가진 거물에 가장 가까운 존재"[68][69] 퍼트넘의 지휘 아래, 국제적으로 배급되는 인기 영화를 만드는 영국 감독들이 등장하며 세대를 장식했다. 휴 허드슨, 리들리 스콧, 앨런 파커, 아드리안 라인 등 퍼트넘의 지원을 받은 몇몇 재능 있는 사람들은 광고 촬영으로 경력을 시작했고, 퍼트넘 자신도 광고 업계에서 경력을 쌓기 시작했다. 허드슨의 불의 전차 (1981)가 1982년 아카데미 시상식에서 최우수 작품상을 포함해 4개 부문을 수상했을 때, 작가 콜린 웰랜드는 소감에서 "영국인이 온다!"[70]라고 선언했다.[71] 이후 또 다른 골드크레스트 필름 영화인 간디 (1982)가 최우수 작품상을 수상했다.

이러한 흐름은 데이비드 린의 마지막 영화, 인도로 가는 길 (1984)와 같은 당시 영국 영화로서는 비교적 큰 예산이 투입되는 시대극 제작 붐을 촉발했다. 한편 머천트 아이보리 사에서 제작한 E.M. 포스터 원작의 영화들, 전망 좋은 방 (1986)과 같은 저예산 영화들도 제작되었다. 그러나 미국 시장을 겨냥한 '대규모' 제작 시도는 실패로 끝났고, 골드크레스트 필름은 혁명 (1985)과 철부지들의 꿈 (1986)가 흥행과 비평 모두에서 실패하면서 골드크레스트는 독립성을 잃었다. 또 다른 골드크레스트 필름의 영화인 롤랑 조페의 미션 (1986)은 1986년 황금종려상을 수상했지만, 이 역시 수익을 내지 못했다. 조페의 킬링필드 (1984)는 비평적으로나 재정적으로 모두 성공적이었다. 이 영화들은 조페의 첫 더블 피쳐(한 편 가격에 두 편의 영화를 상영하는 것) 영화였으며 퍼트넘이 제작한 영화 중 하나였다.

상업 부문을 벗어난 새로운 영연방 국가의 영화 제작자들이 1970년대에 많이 등장하기 시작했다. 호러스 오베의 Pressure (1975)는 영국 영화 협회의 자금 지원을 받았으며, A Private Enterprise (1974) 역시 영국 영화 연구소의 지원을 받았다. 이 영화들은 각각 최초의 흑인 영국 영화와 아시아계 영국 영화였다. 그러나 1980년대에는 프랑코 로소의 Babylon (1980), 메넬릭 샤바즈의 Burning an Illusion (1981), 포치렁의 병병 (1986)과 같은 영국 내의 중국인 커뮤니티를 다룬 최초의 영화 등이 등장하면서 새로운 물결이 일었다. 이 상당수의 영화들은 "소수자 시청자"층을 위한 콘텐츠를 제공하고자 하는 신생 채널, 채널 4의 지원을 받았다. 이러한 흐름 속에서 첫 상업적 성공을 거둔 작품은 나의 아름다운 세탁소 (1985) 였다. 각본가 하니프 쿠레이시는 이 작품을 통해 인종 및 동성애 문제를 다루면서 영화 대본 분야에서 이름을 알리기 시작했다. 나의 아름다운 세탁소 에서 주연을 맡은 다니엘 데이 루이스를 비롯해 게리 올드먼, 콜린 퍼스, 팀 로스, 루퍼트 에버렛 등 할리우드에서 스타가 된 젊은 영국 배우들은 브릿 팩(Brit Pack)이라 불렸다.

채널 4가 영화 제작에 참여하면서, 텔레비전 분야에서 활동하던 인재들이 장편 영화계로 진출하게 되었는데, 스티븐 프리어스 와 마이크 뉴웰 이 대표적이다. 미국에서 활동하던 존 부어먼은 영국으로 돌아와 희망과 영광 (1987)을 만들었다. 채널 4는 또한 영국영화협회(BFI) 제작위원회의 주요 후원사가 되어 영국에서 가장 비평가들의 찬사를 받는 세 명의 감독, 데릭 저먼(대영 제국의 몰락, 1987), 테렌스 데이비스(먼 목소리, 조용한 삶, 1988), 피터 그리너웨이. (영국식 정원 살인 사건, 1982년. 요리사, 도둑, 그의 아내 그리고 그녀의 정부, 1989년)를 지원했다. 스티븐 울리의 회사, 팰리스 픽처스도 닐 조던의 늑대의 혈족 (1984)과 모나리자 (1986) 등 일부 흥행작을 제작했지만, 연이은 흥행 실패로 결국 문을 닫았다. 그 시기의 다른 영국 영화로는빌 포사이스의 그레고리의 여자 (1981)와 시골 영웅 (1983), 루이스 길버트 의 리타 길들이기 (1983), 피터 예이츠의 멋진 드레서 (1983년), 케네스 브래나의 감독 데뷔작인 헨리 5세 (1989년) 등이 있다.

1990년대

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1997년 칸 영화제에 참석 한 휴 그랜트

1980년대와 달리, 1990년대에는 영국 영화의 제작 지원이 급격히 증가했다. 1989년에는 1억 4,000만 파운드에 불과했던 연간 투자액이 1996년에는 7억 4,100만 파운드까지 치솟았다. 그럼에도 불구하고 BBC와 채널 4와 같은 텔레비전 방송사의 재정 지원에 의존했기 때문에 영화 제작 예산은 여전히 부족한 경우가 많았고, 국내 제작은 매우 파편화 되었다. 때문에 영국의 영화 산업은 대부분 할리우드의 해외 투자에 의존했다. 비평가 닐 왓슨에 따르면, 새로운 국립 복권 에서 세 개의 프랜차이즈(필름 컨소시엄, 파테 픽처스, DNA)에 배분된 9천만 파운드가 이러한 격차를 메울 것으로 기대되었지만, 영국 영화 제작 산업의 기업 및 지분 금융은 여전히 부족하며, 이 분야에서 활동하는 대부분의 제작사가 여전히 절망적으로 자본이 부족한 상황이라고 평가했다.

이러한 문제들은 주로 폴리그램 필름드 엔터테인먼트(PolyGram Filmed Entertainment) 라는 영화 스튜디오에 의해 해결되었는데, 스튜디오의 영국 자회사 워킹 타이틀 필름스가 리처드 커티스 각본의 코미디 영화 네 번의 결혼식과 한 번의 장례식 (1994)을 개봉하면서 완화되었다. 이 영화는 전 세계적으로 2억 4,500만 달러 이상의 수익을 올렸으며,[72] 휴 그랜트에게 세계적인 명성을 안겨주었고,[73] 영국 영화에 대한 새로운 관심과 투자를 이끌어냈으며, 슬라이딩 도어즈 (1998)와 노팅힐(1999)을 포함한 영국을 배경으로 한 로맨틱 코미디의 패턴을 형성했다. 워킹 타이틀의 다른 영화로는 빈(1997), 엘리자베스 (1998), 코렐리의 만돌린 (2001) 등이 있다. PFE는 결국 1999년에 매각되어 유니버설 픽처스와 합병되었는데, 이로써 “자국 시장에서 할리우드와 경쟁할 수 있는 영국 기반 회사를 구축하겠다는” 희망과 기대는 결국 좌절되고 말았다.

세제 혜택 덕분에 미국 제작사들은 1990년대 내내 영국 영화 제작에 점점 더 많이 투자할 수 있었고, 그렇게 제작된 영화들로는 뱀파이어와의 인터뷰 (1994), 미션 임파서블 (1996), 라이언 일병 구하기 (1998), 스타워즈: 에피소드 I – 보이지 않는 위험 (1999), 미이라 (1999) 등이 있다. 또한 배급사 미라맥스는 닐 조던 감독의 호평을 받은 스릴러 영화 크라잉 게임 (1992)도 배급했는데, 이 영화는 영국에서는 개봉 당시 큰 주목을 받지 못했지만 미국에서는 상당한 성공을 거두었다. 배급사는 이어서 BBC 시대극 4월의 유혹 (1992)과 도브 (1997)를 개봉하며 준수한 성공을 거두었다.

법적 이유로 인한 6년간의 공백을 깨고 제임스 본드 영화 시리즈가 17번째 본드 영화인 007 골든아이을 공개하며 제작을 재개했다. 주로 촬영해왔던 파인우드 스튜디오의 예약이 꽉 차면서 허트퍼드셔의 리브스덴에 있는 이전 롤스로이스 항공 엔진 공장에 새로운 스튜디오가 만들어졌다.[74]

2000년대

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해리 포터 영화 시리즈 8편 모두를 제작한 데이비드 헤이먼

21세기의 첫 10년은 영국 영화 산업에 비교적 성공적인 해였다. 많은 영국 영화들이 BBC Films, Film 4, 영국 영화 위원회의 자금 지원 덕분에 넓은 국제 관객층을 확보했으며, 워킹 타이틀과 같은 일부 독립 제작사들은 주요 미국 스튜디오와 자금 조달 및 배급 계약을 체결했다. 워킹 타이틀은 휴 그랜트와 콜린 퍼스 주연의 로맨틱 코미디 영화 브리짓 존스의 일기 (2001)로 전 세계적으로 2억 5,400만 달러의 수익을 올렸고, 속편 브리짓 존스: 열정과 애정 또한 2억 2,800만 달러의 수익을 올렸다. 또한 리처드 커티스 감독의 데뷔작, 러브 액츄얼리 (2003)가 2억 3,900만 달러의 수익을 거두었다. 이 중 가장 성공한 작품은 총 6억 1,000만 달러의 수익을 올린 필리다 로이드 감독의 맘마미아! (2008)이다.

또한 새로운 영화 프랜차이즈, 해리 포터 시리즈가 2001년, 해리 포터와 마법사의 돌을 시작으로 주요 시리즈로 급부상했다. 데이비드 헤이먼의 회사인 헤이데이 필름스는 총 7편의 속편을 제작했으며, 마지막 작품의 제목은 해리 포터와 죽음의 성물로, 2010년에 파트 1, 2011년에 파트 2로 나뉘어 공개되었다. 모두 영국의 워너 브라더스 리브즈든 스튜디오에서 촬영되었고, 전 세계 박스오피스에서 14조 이상의 수익을 거두었다.[75][76]

애니메이션 월리스와 그로밋, 동물원 인터뷰 시리즈를 제작한 아드먼 애니메이션의 닉 파크는, 2000년에 첫 장편 영화인 치킨 런을 제작했다. 피터 로드 감독과 공동 제작한 이 영화는 전 세계적으로 큰 성공을 거두었으며, 그 해 가장 성공적인 영국 영화 중 하나로 기록되었다. 파크 감독의 후속작인 월리스 앤 그로밋: 거대 토끼의 저주 또한 전 세계적인 성공을 거두었다. 미국 박스오피스에서 5,600만 달러, 영국에서 3,200만 파운드의 수익을 올렸고, 또한 2005년 아카데미 최우수 장편 애니메이션상을 수상했다.

제 68회 베니스 국제 영화제에 참석한 키이라 나이틀리

그러나 이 시기 동안 최고의 국제 영화제에서 수상을 이룬 영국 감독들과 영화들은 대개 영국 국내 자금으로 제작된 장편 영화들에 한해서만 이루어졌다. 2003년 마이클 윈터보텀 감독은 베를린 영화제에서 인 디스 월드 로 황금곰상을 수상했다. 2004년 마이크 리 감독은 1950년대 런던에서 낙태 시술자로 이중생활을 하는 주부의 이야기를 그린 베라 드레이크 로 베니스 영화제에서 황금사자상을 수상했다. 2006년, 스티븐 프리어스는 다이애나 비의 죽음을 둘러싼 사건들을 바탕으로 더 퀸 을 감독했으며, 이 영화는 베니스 영화제와 아카데미 시상식에서 여우주연상을 수상하고 BAFTA에서 최우수 영화상을 수상했다. 같은 해 켄 로치 감독은 아일랜드 독립 투쟁을 다룬 보리밭을 흔드는 바람 으로 칸 영화제에서 황금종려상을 수상했다. 이안 맥큐언의 소설 '속죄'를 각색한 조 라이트의 작품은 7개의 아카데미상 후보에 올랐으며, 골든 글로브와 BAFTA에서 최우수 영화상을 수상했다. 영화 슬럼독 밀리어네어는 대부분 인도인 배우들이 출연하고, 영화 전체가 뭄바이에서 촬영되었지만, 영국 감독(대니 보일), 프로듀서(크리스천 콜슨), 각본가(사이먼 보포이), 배우(데브 파텔) 모두 영국인이었고, 필름4와 셀라도르를 통해 영국의 자본을 조달 받아 제작되었다. 이 영화는 전 세계적으로 비평가들의 찬사를 받았으며, 감독상과 최우수 영화상을 포함한 4개의 골든 글로브,[77] 7개의 BAFTA,[78] 8개의 아카데미상을 수상했다. 조지 6세의 언어 장애 극복 과정을 그린 영화 킹스 스피치 는 톰 후퍼 감독이 연출했으며 거의 모든 장면이 런던에서 촬영되었다. 이 영화는 2011년에는 아카데미상 4개 부문(최우수영화상, 감독상, 남우주연상, 각본상)을 수상했다.[79]

21세기 초, 아시아계 영국 영화가 우리는 파키스탄인 (1999)를 시작으로, 슈팅 라이크 베컴 (2002)을 통해 박스오피스에서 두각을 나타냈다. 이 시기의 주목할 만한 다른 영국 아시아계 영화로는 다정한 입맞춤 (2004), 미스치프 나이트 (2006), 야스민 (2004), 네 얼간이 (2010) 등이 있다. 일각에서는 이러한 변화가 흑인 배우 로비 지와 나오미 해리스가 각각 언더월드 와 28일 후 에서 주연을 맡는 등 배우 캐스팅에 있어 유연한 분위기를 조성하는 데에 영향을 주었다라고 보았다.

2005년에는 새로운 영화제, '영국 도시 영화제'가 시의적절하게 등장했다. 이 영화제가 등장한 이유는 영국 관객에게 미치는 도시 영화와 흑인 영화의 영향력을 인정하고, 수도권의 영화관에서는 흔히 볼 수 없었던 장르의 영화들을 소개하기 위함이었다.[80] 그 후 2006년에는 웨스트 런던의 거리에서 자라는 청소년들을 묘사한 영화 키덜트후드 (2006)가 제한적으로 개봉했다. 이 영화는 배우 노엘 클라크가 각본과 감독을 맡았고, 이후 속편, 어덜트후드 (2008)를 공개하며 성공을 이어갔다. 키덜트후드와 어덜트후드의 성공은 2000년대와 2010년대, 영국의 흑인 배우들이 중심 출연진으로 등장하는 블렛 보이 (2004), 라이프 앤 리릭스(2006), 더 인텐트(2016), 속편 더 인텐트 2 (2018), 블루 스토리, 고! 록스! (2019) 등과 같은 영화들의 개봉을 이끌었다.

1960년대와 마찬가지로 이 기간 동안 해외 출신 인재 감독의 영국 영화가 많이 등장했다. 미국의 우디 앨런 감독은 매치 포인트 (2005) 이후 런던에서 세 편의 영화를 촬영했다. 멕시코 감독 알폰소 쿠아론은 해리 포터와 아즈카반의 죄수 (2004), 칠드런 오브 맨 (2006)을 연출했고, 뉴질랜드 영화감독 제인 캠피언은 19세기 런던을 배경으로 한 영화 빛나는 별이여 (2009)을, 덴마크 감독 니콜라스 빈딩 레픈은 영국 범죄자 마이클 고든 피터슨을 소재로 한 전기 영화인 장기수 브론슨의 고백 (2008)을 연출했다. 스페인 감독 후안 카를로스 프레스나디요는 영국 공포 영화 28일 후 의 속편인 28주 후 (2007)를 감독했으며, 두 편의 존 르 카레 각색 작품 또한 외국인 감독이 연출했다. 브라질의 페르난두 메이렐리스의 콘스탄트 가드너 (2005)를, 스웨덴 토마스 알프레드손의 팅커 테일러 솔저 스파이 (2011)를 맡았다. 이 시기에는 영국 배우 다니엘 크레이그가 007 카지노 로얄 (2006)을 통해 새로운 제임스 본드로 등장하기도 했다.

2007년 2월, 영국은 런던에 있는 오데온 해트필드(Odeon Hatfield) 와 오데온 서리 키(Odeon Surrey Quays) 를 통해 유럽 최초의 DCI 기준을 만족하는 총 18개의 디지털 스크린을 갖춘 디지털 멀티플렉스 영화관의 본거지가 되었다.[81]

2010년대

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21세기 초 가장 성공한 여러 영화들의 감독, 크리스토퍼 놀란 .[82]

2010년 7월 26일, 2000년대 영국 영화 진흥의 주요 기관이었던 영국 영화 위원회의 폐지가 발표되었고, 폐지된 기관의 많은 부서들이 영국 영화 협회(British Film Institute)에 의해 인수되었다. 이에 제임스 맥어보이, 에밀리 브런트, 피트 포슬스웨이트, 데이미언 루이스, 티머시 스폴, 다니엘 바버, 그리고 이언 홈 등의 많은 배우와 전문가들은 위원회 폐지에 반대하는 캠페인을 벌였다. 또한, 영화 히어 애프터 (2010)를 런던에서 촬영했던 미국 배우 겸 감독 클린트 이스트우드는 2010년 8월 영국 재무장관 조지 오스본에게 서한을 보내 위원회 폐지 결정에 항의했다. 이스트우드는 오스본에게 위원회의 폐쇄가 외국 제작사들이 영국과의 협업을 감소 시킬 수 있다고 경고했다.[83] 이후 본격적으로 정부의 결정에 반대하는 온라인 캠페인이 시작되었고, 위원회 지지자들이 청원서를 작성했다.

이에 반대되는 움직임으로는, 마이클 위너와 줄리언 펠로스를 비롯한 몇몇 전문가들은 정부의 결정을 지지했다. 다른 여러 기관들도 폐지에 긍정적인 반응을 보였다.

2010년 11월, 워너 브라더스는 워너 브라더스 스튜디오 리브즈든을 완전히 인수하여 1940년대 이후 영국에 영구적인 거점을 둔 최초의 할리우드 스튜디오가 되었으며, 이 부지에 1억 파운드를 투자할 계획을 발표했다.[84]

2011년 3월 31일 영국 영화 위원회가 폐지되었을 때, 가디언 지는 "영국 영화 위원회의 연간 예산 총액은 300만 파운드였으며, 폐막 및 구조조정 비용은 그 4배에 가까운 것으로 추정된다"라고 보도했다.[85] 영국 영화 위원회의 마지막 영화 중 하나인 킹스 스피치 (2010)는 제작 비용이 1,500만 달러에 달했으며, 여러 아카데미상을 수상한 것 외에도 2억 3,500만 달러의 수익을 올린 것으로 추정된다. 영국 영화 위원회는 순이익의 34%를 차지하기 위해 160만 달러를 투자했으며, 이 지분은 영국 영화 협회에 전달될 예정이다.[86]

2012년 6월, 워너 브라더스가 재개발된 리브스덴 스튜디오를 개장했다.[87] 최근 몇 년 동안 상업적으로 가장 성공한 영국 감독은 폴 그린그래스, 마이크 뉴웰, 크리스토퍼 놀란, 리들리 스콧, 데이비드 예이츠가 있다.

영화 산업은 여전히 영국 경제에 있어 중요한 수입원이다. 2011년 1월 20일 영국 영화 위원회 보도 자료에 따르면 2010년 한 해 동안 영국 영화 제작에만 11억 1,500만 파운드가 지출되었고, 2013년 영국의 영화 산업은 73억 파운드의 매출을 올렸다.[88] 2014년 조사에 따르면, 영국 영화가 할리우드 영화보다 전반적으로 더 높은 평가를 받았다고 한다. 이는 저예산이었던 영국 영화 제작 환경을 고려할 때, 의미 있는 수치로 볼 수 있다.

2020년대

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2022년 11월, 대니 보일 감독은 최근 몇 년간 영국 영화 산업에 대해 부정적인 견해를 표명하며 "솔직히 말해서 우리가 훌륭한 영화 제작자인지 확신할 수 없다. 우리나라의 두 가지 예술 형식은 중산층을 위한 연극 과 팝 음악이다."라고 평했다.

BFI가 발표한 수치에 따르면 2022년 영화 및 하이-엔드 텔레비젼 프로그램 제작에 62억 7,000만 파운드가 지출되었으며, 영국 내수 영화 지출은 1억 7,360만 파운드에 달한다. 영국의 총 지출은 사상 최고치를 기록했지만, 영국의 독립 영화 제작 지출은 2021년 이후 31% 감소했다.[89]

영국 영화 산업은 2023년 SAG-AFTRA 파업에 큰 영향을 받았으며, 설문조사에 참여한 영화 근로자의 80%가 자신의 일자리가 이 파업의 영향을 받았다라고 답했다.[90][91]

예술 영화

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런던 IMAX 영화관

영국 예술 영화들에 대한 자금 지원은 1952년 초부터 시작되었지만, 발전에 가장 주요한 역할을 했던 건 1964년 영국 영화 협회(British Film Institute)가 제작 위원회를 설립하고 1971년부터 공공 자금을 대폭 증액하면서, 1970년대와 80년대의 영국 예술 영화 발전에 주도적인 역할을 했다. 대표적인 작품으로는 빌 더글라스의 'My Childhood 3부작' (1972)과 테렌스 데이비스의 'Childhood 3부작' (1978)의 첫 작품, 아이들 (Children, 1976)부터 피터 그리너웨이의 초기 영화 (놀라운 상업적 성공을 거둔 영국식 정원 살인 사건 (1982) 포함)와 데릭 저먼의 뉴 퀴어 시네마가 있다. BFI의 새로운 계획에 따라 제작된 최초의 장편 장편 영화는 케빈 브라운로우와 앤드류 몰로의 윈스탠리 (Winstanley, 1975)였으며, 그 외에도 Moon Over the Alley (1975), Requiem for a Village (1975), Central Bazaar (1973), Pressure (1975), 그리고 A Private Enterprise (1974) 등이 있다. 마지막 두 작품은 각각 최초의 영국 흑인과 아시아인 장편 영화이다.

데릭 저먼 감독의 희년 (1978)의 개봉은 영국 예술 영화의 전성기를 알리는 신호탄이었다. 이후 1980년대 샐리 포터, 켄 맥뮬렌과 같은 영화 제작자와 스튜어트 리처즈와 같은 프로듀서들이 칸 영화제와 아카데미 시상식에서 성공을 거두면서 전성기는 계속되었다. 연극이나 텔레비전 분야에서 경력을 쌓았던 이전 세대의 영국 영화 제작자들과는 달리, 대부분의 예술 영화 감독들은 예술 학교 출신이었다. 이들 중 많은 이들의 초기 작품들이 런던 영화 제작자 협동 조합의 지원을 받았으며, 그들의 작품들은 <Screen Education> 저널에서 상세하게 분석 되었다. 특히, 피터 그리너웨이는 컴퓨터 그래픽 이미지와 실제 촬영 영상을 혼합하여 사용해 선구자 역할을 했으며, 극장 개봉을 위해 고화질 비디오로만 영화를 촬영한 최초의 감독 중 한 명이었다.

채널 4의 산하 프로그램, 'Film on Four' 가 출범하면서 예술 영화는 더 넓은 관객 층에게 알려지게 되었다. 그러나 채널이 1990년대 초 채널의 제작 정책이 급격한 변화를 겪었고, 그리너웨이와 다른 많은 제작자들은 자금을 지원해줄 다른 유럽의 제작사를 모색할 수밖에 없는 상황에 놓이게 되었다.

영화 특수 효과

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뷰 시네마, 레스터 스퀘어

1970년대와 1980년대, 영국 제작사들은 슈퍼맨 (1978), 에이리언 (1979), 그리고 배트맨 (1989)과 같은 영화에서 뛰어난 특수 효과로 명성을 쌓았다. 이러한 명성은 영화 2001: 스페이스 오디세이 (1968)에 참여한 핵심 인력들이 이후 게리 앤더슨 감독과 함께 여러 시리즈와 장편 영화들을 작업하게 되면서 더욱 공고해진다. 또한 브리스틀 소재의 아드먼 애니메이션 스튜디오 덕분에, 영국은 현재까지도 스톱 모션 애니메이션 분야에서 세계적인 선두 주자로 인정받고 있다.

영국의 특수 효과 기술자와 제작 디자이너들은 4차원의 난장이 E.T (1981)과 브라질 (1985) 등의 작품을 통해, 미국 보다 훨씬 저렴한 비용으로 시각 효과를 창출하는 것으로 유명해졌다. 이러한 명성은 1990년대부터 21세기까지 제임스 본드 시리즈, 글래디에이터 (2000), 해리 포터 프랜차이즈 등의 영화를 통해 계속되고 있다.

런던에 본사를 둔 시각 효과 회사, 프레임스토어는 시각 효과 감독 팀 웨버와 함께 기술적, 예술적으로 가장 도전적인 프로젝트인 다크 나이트 (2008)와 그래비티 (2013)를 작업했다. 특히, 그래비티 의 새특수 효과 기술은 완성하는 데만 3년이 걸렸다.[92][93]

영화제

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영국은 여러 국내외 영화들을 기념하는 영화제의 본거지이다. 주요 연례 행사로는 영국의 가장 큰 공공 영화제인 BFI 런던 영화제와, Glasgow Film Festival를 포함, 세계 최고의 다큐멘터리 영화제 중 하나인 Sheffield DocFest가 있다.[94]

이러한 페스티벌은 독립 영화, 다큐멘터리, 해외 영화 제작자를 위한 플랫폼을 제공할 뿐만 아니라, 동시에 영국의 신예 감독들을 소개한다. 최근에는 맨체스터, 브라이턴, 브리스틀과 같은 도시에서도 공포, 성소수자, 단편 영화에 초점을 맞춘 전문 영화제들이 두각을 보이고 있다.

영국의 흑인 영화

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영국의 흑인 영화는 최근 몇 년 사이에 크게 성장했는데, 영국의 문화적, 사회적, 인종적 문제를 다룬 스티브 매퀸 (Small Axe, 2020), 디온느 에드워즈 (Pretty Red Dress, 2022), and 앤드류 오누보루 (Blue Story, 2019) 와 같은 감독들에 의해 발전되었다.[95]

각주

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