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사이키델릭 록

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사이키델릭 록(영어: psychedelic rock)은 록 음악의 한 종류이다. 애시드 록, 드러그 록 또는 사이키델릭이라고도 한다. 이름에서 볼 수 있듯이 현란한 조명효과에 마약을 한 상태에서 연주하는 것 같은 환각적인 분위기가 특징이다. 환각 경험을 연상시키는 음향 효과, 실험적인 녹음 기법, 확장된 연주와 즉흥성을 특징으로 하는 록 음악의 한 장르이다.

역사

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1960년대 초반, 록 음악은 포크 록과 블루스 록을 중심으로 발전하고 있었으며, 이와 동시에 스튜디오 기술의 발전과 대중문화 전반에서의 실험적 경향이 맞물리기 시작했다. 이러한 환경 속에서 사이키델릭 문화가 확산되며, 음악 역시 기존의 형식과 청취 경험을 넘어서는 방향으로 변화하게 되었다.

초기에는 포크, 재즈, 블루스 음악가들이 사이키델릭적 요소를 부분적으로 도입했으며, 이후 록 밴드들이 전자 효과와 즉흥 연주를 적극적으로 수용하면서 하나의 장르로 정립되었다.[1]

사이키델릭 록은 LSD (마약) 경험에서 비롯된 비현실적 감각, 시간 인식의 왜곡, 청각적 몰입을 음악적으로 재현하려는 시도에서 출발하였다. 사이키델릭 록이 탄생하는 과정에서는 테이프 역재생, 패닝, 플렌져, 과도한 리버브와 같은 스튜디오 기법이 적극적으로 사용되었으며, 청취자에게 마약의 경험과 같은 비현실적이고 새로운 청각적 경험을 제공하였다.[1]

1960년대 초 사이키델릭 록 음악가들 중 일부는 포크, 재즈, 블루스를 기반으로 활동했으며, 다른 일부는 라가 록이라는 인도 고전 음악의 영향을 명확하게 보여주었다.[1]

1960년대 중반 사이키델릭 록은 영국과 미국에서 서로 다른 양상으로 발전하였다. 영국에서는 초현실적이고 몽환적인 접근이 두드러졌으며, 미국 서부에서는 블루스 기반의 강한 사운드와 즉흥 연주를 강조한 애시드 록이 중심이 되었다. 미국에서는 비틀즈와 버즈 등의 밴드들이 처음 시도했으며 버즈의 Eight Miles High이, 영국에서는 비틀즈의 Rain, I'm Only Sleeping, Tomorrow Never Knows 같은 곡들이 그 시초이다.[2]

미국 서부에서 발전된 사이키델릭 록은 때때로 애시드 록으로 혼용되어 사용되기도 하지만, 더 무거운 소리와, 단단한 사운드, 더 극단적인 장르의 끝을 지칭하기도 한다.[3]

그 후로 그레이트풀 데드, 제퍼슨 에어플레인, 지미 헨드릭스, 크림, 도어즈, 핑크 플로이드 같은 포크 록과 블루스 록 밴드들 사이에서 하나의 장르로 부상하였다. 사랑의 여름[4], 우드스톡 페스티벌과 더불어 1967년과 1968년 사이에 정점에 도달하였다.

전성기를 맞이한 사이키델릭 록은 약물 규제 강화, 주요 거장 아티스트들의 이탈과 사망, 음악적 유행의 변화 등으로 인해 빠르게 쇠퇴하였다. 이후 일부 요소는 프로그레시브 록, 하드 록, 헤비 메탈 등의 장르로 계승되었다.

사이키델릭 록은 사이키델릭 팝과 사이키델릭 소울의 생성에 영향을 주었다. 또한 초기블루스, 포크 음악에 기반한 록 음악으로부터 프로그레시브 록, 글램 록, 하드 록으로의 전환을 가져왔고, 그 결과 헤비 메탈 등의 하위 장르의 발전에 일부 영향을 주었다. 1970년대 후반부터 네오 사이키델리아의 다양한 형태들로 다시 나타났다. 사이키델릭 록은 1970년대 후반 이후에도 다양한 형태로 재해석되었으며, 이 흐름은 얼터너티브 록과 인디 록을 중심으로 확산되었고, 1990년대 이후에도 지속적인 영향을 미치고 있다.[5]

또한 사이키델릭 록의 요소는 사이키델릭 팝, 사이키델릭 소울, 스토너 록, 크라우트 록 등 여러 장르의 형성에 기여하였다.

어원

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더 많은 정보: 사이키델릭 음악

같이보기: 애시드 록

사이키델릭 록은 음악 스타일로서 새로운 전자 음향 효과와 녹음 효과, 확장 솔로, 즉흥 연주를 통합했다. 장르와 관련한 언급된 특징은 다음과 같다.[6]

"사이키델릭"이라는 용어는 1956년 정신과 의사 험프리 오스먼드가 LSD 지수인 올더스 헉슬리에게 보낸 편지에서 만들어졌다. 환각 치료의 맥락에서 환각제에 대한 대체 설명어로 사용되었다.[20][21] 뉴욕에 기반을 둔 포크 그룹 더 홀리 모달 라운더스는 1964년 리드 벨리의 "Hestiation Blues"버전에서 사이키 델릭이라는 용어를 사용했다.[22] 1966년 1월, 텍사스 밴드 서틴스 플로어 엘리베이터스는 명함에 제 3의 눈 이미지가 담긴 "사이키델릭 록"이라는 용어를 사용했다.[23][24]이후 서틴스 플로어 엘리베이터의 앨범에서 사이키델릭이 음악계에서 최초로 사용된 것으로 인정받았다. 그 후 11월, 뉴욕의 더 딥이라는 밴드와, 블루스 마구스라는 밴드가 사이키델릭 무드와 사이키델릭 롤리팝을 발매했다.

샌프란시스코에서 반문화적인 면이 발전하면서 1966년 새로운 약물에 영향을 받은 음악을 설명하기 위해 애시드 록과 사이키델릭 록이라는 용어가 사용되었고, 1967년까지 널리 사용되었다.[25][26] 두 용어는 종종 혼용되어 사용되었지만 애시드 록은 더 무겁고, 더 시끄럽고, 긴 길이의 잼에 의존하며,[27] LSD에 더 집중하고 왜곡을 더 많이 사용한 사이키델릭과 구별이 가능하다.[28]

오리지널 사이키델릭 시대

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1960–65: 전조와 영향

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록 레코드에서 LSD가 처음 언급된 사례로는 1960년 더 갬블러스의 서프 인스트루멘털 곡 "LSD 25"가 꼽힌다.[29][nb 1] 음악 평론가 리체 운터버거는 최초의 사이키델릭 레코드를 특정하려는 시도가 “최초의 로큰롤 레코드를 지목하려는 것만큼이나” 거의 불가능하다고 말한다. 그가 언급한 일부 “다소 무리한 주장”에는 1962년 더 토네이도가 조 믹의 프로듀싱으로 발표한 인스트루멘털 "telstar", 그리고 더 데이브 클락 파이브의 “ 리버브가 많이 걸린” "Anyway You want it"(1964)이 포함된다.[30] 1962년더 벤처스의 싱글 "The 2000 Pound Bee"는 왜곡된 “퍼즈톤(fuzztone)” 기타의 윙윙거리는 소리를 전면에 내세웠고, “강력한 트랜지스터식 디스토션의 가능성” 및 더 나은 리버브·에코 같은 효과를 탐색하려는 흐름은 런던의 비옥한 로큰롤 신에서 본격적으로 전개되기 시작했다.[1] 1964년에는 P.J. Proby의 싱글들에서도 퍼즈톤을 들을 수 있었고,[1] 비틀즈는 "I Feel Fine"에서 피드백을 활용했다.[31] 이 곡은 영국에서 여섯 번째 연속 1위 히트가 되었다.[32]

AllMusic에 따르면, 1960년대 중반 사이키델릭 록의 등장은 미국 시장에 브리티시 인베이전을 일으킨 영국 밴드들과, 음악의 “소리적 가능성”을 넓히려 했던 포크 록 밴드들의 시도에서 비롯되었다.[33] 1969년 저서 The Rock Revolution에서 아널드 쇼는 미국식 사이키델릭 록을 세대적 도피주의의 표현으로 보았는데, 이는 성적 금기, 인종차별, 폭력, 위선, 물질주의 등 성인 사회의 가치에 대한 청년문화의 “항의”가 발전한 양상이라고 설명했다.[34]

1965년 포크 록 운동의 형성에서 미국의 포크 싱어 밥 딜런의 영향은 핵심적이었고, 그의 가사는 1960년대 후반 사이키델릭 송라이터들에게도 중요한 준거가 되었다.[35] 비르투오소 시타르 연주자 라비 샨카는 1956년부터 인도 고전음악을 서구에 소개하는 활동을 시작했으며, 재즈·클래식·포크 음악가들에게 영감을 주었다.[36] 1960년대 중반에 이르러 그의 영향은 젊은 록 음악가 세대로 확장되었고, 이들은 곧 라가 록[37]을 사이키델릭 록 미학의 일부로 받아들이며 당대 문화 모티프들 가운데 하나로 만들었다.[38] 영국 포크 신에서는 블루스, 약물, 재즈, 동양적 영향이 1960년대 초 데이비 그라함의 작업에서 뒤섞였는데, 그는 모달 기타 튜닝을 채택해 인도 라가와 켈트 릴을 전조해 연주했다. 그레이엄은 1960년대 중반 스코틀랜드 포크 기타리스트 버트 제쉬를 비롯해 다양한 스타일과 장르의 선구적 기타리스트들에게 큰 영향을 미쳤다.[39][40][nb 2] 재즈 색소포니스트이자 작곡가 존 콜트레인도 비슷한 영향을 끼쳤는데, My Favourite things(1960)과 A Love Supreme(1965) 같은 앨범에서 들리는 이국적 사운드(후자는 샹카르의 라가에서 영감을 받음)가 즉흥연주나 “잼”을 지향하는 기타리스트 등에게 중요한 소재가 되었다.[41]

포크/아방가르드 기타리스트 존 페이히는 1960년대 초 여러 곡에서 역테이프(backwards tapes) 같은 특이한 녹음 기법과, 플루트·시타르 등 새로운 편성의 반주를 실험했다.[42] 그의 19분짜리 “The Great San Bernardino Birthday Party”는 “불안한 즉흥연주와 기묘한 기타 튜닝”으로 사이키델리아의 요소들을 예고했다.[42] 마찬가지로 포크 기타리스트 샌디 불의 초기 작업은 “포크, 재즈, 그리고 인도 음악 및 아랍 음악의 영향을 받은 드론(지속음)적 모드”를 포함했다.[43] 그의 1963년 앨범 Fantasias for Guitar and Banjo는 여러 스타일을 탐구하며, “아주 초기의 사이키델릭 레코드 중 하나”로도 정확히 묘사될 수 있다.[44] 1965년, 뉴욕 밴드 더 퍼그스는 LSD를 언급하는 곡 "I Couldn't Get high"를 발표했다.[13]

1965: 형성기 사이키델릭 씬과 사운드

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"스윙잉 런던", 카나비 스트리트,  1966c.

1960년대 영국 언더그라운드의 핵심 인물인 배리마일는 “히피들이 어느 날 갑자기 튀어나온 게 아니라”면서, “1965년이야말로(미국에서) 식별 가능한 청년운동이 등장하기 시작한 첫 해”라고 말한다. 또한 “주요 ‘사이키델릭’ 록 밴드들 가운데 다수가 이 해에 결성되었다”고 덧붙인다.[45] 미국 서해안에서는 언더그라운드 화학자 아우구스투스 오슬리 3세와 켄 키지(그리고 메리 프랭크스터스로 알려진 추종자들)가 케지의 애시드 테스트 및 새롭게 등장한 사이키델릭 댄스홀에서 수천 명이 통제되지 않은 ‘트립’을 경험하도록 만들었다. 영국에서는 마이클 홀링스헤드가 세계 사이키델릭 센를 열었고, 비트 세대의 시인 앨런 긴즈버그, 로렌스 페링티, 조지 코소가 로열 앨버트 홀에서 낭독회를 열었다. 마일스는 “이 낭독회들이 런던 언더그라운드 활동의 촉매가 되었고, 사람들은 주변에 생각이 비슷한 이들이 얼마나 많은지 갑자기 깨닫게 되었다”고 말한다. 그는 또한 “이 해는 Granny takes a Trip과 Hung on you 같은 의상점이 문을 열면서 런던이 색채로 피어나기 시작한 해이기도 했다”고 덧붙인다.[45] 언론 보도 덕분에 LSD 사용은 널리 퍼졌다.[45][nb 3]

음악 평론가 짐 데로가티스는 사이키델릭 록에 관한 저서 Turn on Your Mind에서 비틀즈를 “새 시대의 애시드 사도(Acid Apostles of the New Age)”로 본다.[47] 당초 희극과 노블티 송의 전문가로 알려졌던 프로듀서 조지 마틴은[48] 비틀즈의 요청에 따라 다양한 스튜디오 트릭을 제공했고, 그 결과 비틀즈는 사이키델릭 효과의 발전에서 선도적 역할을 하게 되었다.[49] 그들의 노골적인 사이키델릭 작업을 예고하듯[50] "Ticket to Ride (노래)"(1965년 4월)는 리듬 기타에서 연주된, 인도를 연상시키는 미묘한 ‘약물적 드론’을 도입했다.[51] 음악학자 William Echard는 비틀즈가 1965년까지의 몇 년 동안 곧 사이키델릭 음악의 요소가 될 다양한 기법을 활용했다고 쓰며, 이를 “연관적(cognate)”이고 야드버즈처럼 초기 사이키델리아의 선구자였다는 사실을 반영하는 접근으로 설명한다.[52] Echard는 비틀즈가 장르에 가져온 중요한 요소로 리듬의 독창성과 예측불가능성, “진정한” 조성의 모호함, 인도 음악 요소와 varispeed·테이프 루프·역테이프 같은 스튜디오 기법의 도입, 그리고 아방가르드 수용을 든다.[53]

프로듀서 테리 멜처가 버즈 (미국의 밴드)의 진 클라크과 데이비드 크로스비와 함께 스튜디오에 있는 모습, 1965

운터버거의 견해에 따르면, 로스앤젤레스 포크 록 신에서 등장한 버즈 (미국의 밴드)와 영국 브리티시 블루스신의 야드버즈가 비틀즈보다 “사이키델릭 경보 사이렌을 울린” 책임이 더 크다.[30] 약물 사용과 사이키델릭 음악의 시도는 버즈가 (비틀즈의 1964년 영화 하드 데이즈 나이트에서 영감을 받고)[54][55] 전기 악기를 도입해 1965년 여름 딜런의 "Mr. Tambourine Man"을 차트 정상급으로 끌어올린 버전으로 발표하면서, 어쿠스틱 포크 기반 음악에서 록으로 빠르게 이동했다.[56][nb 4] 운터버는 야드버즈의 리드 기타리스트 Jeff Beck이 “사이키델릭 기타의 청사진을 놓았다”고 보며, 그들의 “음산한 단조 멜로디, 과잉 활동적인 기악 브레이크(rave-ups), 예측 불가능한 템포 변화, 그레고리오 성가(예: Still I'm Sad)의 사용”이 초기 사이키델릭 록 특유의 “광적인 절충주의”를 규정하는 데 기여했다고 말한다.[30] 야드버즈의 "Heart full of soul"(1965년 6월)은 왜곡된 기타 리프로 시타르의 소리를 모사했으며,[58] 영국 2위, 미국 9위에 올랐다.[59] Echard는 이 곡이 “새로운 신의 에너지”를 담고 있었고, 록에서 기타 영웅 현상이 부상하는 가운데 동양적 사운드의 도래를 알렸다고 설명한다.[60]킹크스는 오픈 튜닝 기타를 사용해[61] "See my Friends"(1965년 7월)에서 탐푸라를 모사함으로써 록에서 인도식 지속 드론의 첫 사례를 제시했으며, 이 곡은 영국 톱10 히트가 되었다.[62][63]

The English rock band Beatles arriving for concerts in Madrid in July 1965
비틀즈, July 1965

비틀즈의 1965년 12월 앨범 Rubber Soul에 수록된 "Norwegian Wood"는 서구 록 밴드 멤버가 시타르를 연주한 음원이 상업적으로 발표된 첫 사례로 기록된다.[64][nb 5] 한편 야드버즈는 1965년 4월 "Heart Full of Soul" 녹음 세션에서 타블라와 함께 시타르를 실험했지만,[69] 결과에 만족하지 못한 기타리스트 제프 벡은 결국 디스토션 (음악)를 걸어 전기 기타로 대체했다.[70][71][72] "Norwegian Wood"는 시타르 및 기타 인도 악기 사용 붐을 촉발했고[73]—인도의 이국성이 사이키델릭 록의 본질 일부가 되면서 라가 록의 성장을 밀어주는 추세가 되었다.[74][nb 6] 음악사가 조지 케이스는 Rubber Soul을 사이키델릭 시대의 “진정한 시작”을 알린 두 장의 비틀즈 앨범 중 첫 번째로 인정한다.[75] 음악 평론가 로버트 크리스트가우 또한 “사이키델리아는 여기서 시작된다”고 썼다.[76] 샌프란시스코 역사가 찰스 페리는 이 앨범이 Haight-Ashbury와 버클리 (캘리포니아주) 및 “그 전체 순환회로(circuit)”의 사운드트랙이었다고 회상했는데, 히피 이전 세대의 청년들은 이 노래들이 약물에서 영감을 받았다고 의심했다고 한다.[77]

The Fillmore, 샌프란시스코 (2010년 촬영)

쇼에 따르면, 사이키델리아는 로스앤젤레스에서 버즈를 통해 소개되었지만 샌프란시스코가 서해안 운동의 수도로 부상했다.[78] 캘리포니아 기반 포크 액트들 다수가 버즈를 따라 포크 록으로 전향하면서, 그들의 사이키델릭 영향까지 함께 가져와 “샌프란시스코 사운드”를 만들어냈다.[79][80][nb 7] 음악사가 Simon Philo는, 일부 논평가들이 1967년까지 영향의 중심이 런던에서 캘리포니아로 옮겨갔다고 말하더라도, 비틀즈와 롤링 스톤스 같은 영국 밴드들이 1960년대 중반 새 미국 음악, 특히 형성기 샌프란시스코 신을 고무하고 “양육”하는 데 큰 역할을 했다고 쓴다.[83] 이곳 음악 신은 1965년 Haight-Ashbury지역에서 패밀리 도그의 쳇 헴스가 организ한 지하실 공연에서 발전했으며,[84] 그해 여름 제퍼슨 에어플레인의 창립자 마티 발과 투자자들이 더 매트릭스 클럽을 열고 에어플레인과 그레이트풀 데드, 스티브 밀러 밴드, Country Joe & The Fish 같은 지역 밴드들을 섭외하면서 확장되었다.[85] 1965년 가을, 헬름스와 San Francisco Mime Troupe의 매니저 빌 그레이엄은 에어플레인, 디거스, 앨런 긴즈버그 등이 참여한 더 큰 규모의 멀티미디어 커뮤니티 이벤트/자선 공연을 조직했다. 1966년 초 그레이엄은 The Fillmore(위의 사진)에서, 헬름스는 Avalon Ballroom에서 예약권을 확보했는데, 이들 장소에서는 상주 리퀴드 라이트 쇼가[86] 사이키델릭 체험의 시각적 효과를 재현했다.[87] 그레이엄은 사이키델릭 록의 성장에서 주요 인물이 되었고, 당대 대부분의 주요 사이키델릭 록 밴드들을 더 필모어로 끌어들였다.[88][nb 8]

저자 케빈 에네니에 따르면, 그레이트풀 데드는 1965년 12월 4일 산호세 (캘리포니아주)에서 열린 두 번째 애시드 테스(소설가 켄 키지와 메리 프랭크스터스가 주최)에서 관객 앞에서 애시드 록을 “발명했다”. 그들의 무대 퍼포먼스는 LSD의 “초현실적 파편화” 또는 “순간을 선명하게 분리해 포착하는 효과”를 재현하기 위해 스트로브 조을 활용했다.[87] 애시드 테스트 실험은 뒤이어 전체 사이키델리 하위 문화의 출범을 촉발했다.[89]

1966: 성장과 초기 대중화

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사이키델리아. 어렵다는 건 알지만, 아일랜드 결혼식에서 주먹질하듯 클럽 안 곳곳에 흩어져 있을 테니 이 단어를 꼭 기억하세요. 이미 뉴욕과 로스앤젤레스에서 "엄마"라는 가사와 경쟁하고 있습니다 ...

—Melody Maker, October 1966[90]

에차드는 1966년에 “최근 록 실험들이 내포했던 사이키델릭 함의”가 “완전히 명시적이 되었고 훨씬 더 널리 유통되었다”고 쓰며, 그해 말까지 “사이키델릭 주제성의 핵심 요소 대부분이 최소한 한 번은 시도되었다”고 말한다.[91] DeRogatis는 사이키델릭(또는 애시드) 록의 시작을 “1966년으로 보는 편이 가장 적절하다”고 말한다.[92] 음악 저널리스트 피테 프라운과 Harvey P. Newquist는 사이키델릭 록의 “정점의 해”를 1966년부터 1969년까지로 본다.[93] 1966년에는 사이키델릭 공동체의 성장과 맞물려 록 음악에 대한 언론 보도가 크게 변화했고, 음악은 새로운 예술 형식으로 재평가되기 시작했다.[94]

2~3월에는[95] 훗날 최초의 사이키델릭 히트로 인정받게 될 두 싱글—야드버즈의 "Shapes of things"와 버즈의 "Eight miles High"—이 발표되었다.[96][nb 9] "Shapes of Things"는 영국 3위, 미국 11위를 기록했고,[99] 야드버즈의 기타 이펙트, 동양적 스케일, 변화무쌍한 리듬 탐구를 이어갔다.[100][nb 10] 벡은 기타 파트를 오버더빙해 솔로에서 여러 테이크를 층층이 쌓았고,[102] 여기에는 퍼즈톤과 배음 피드백이 광범위하게 활용되었다.[103] Unterberger가 “의식의 흐름(stream-of-consciousness)”이라고 묘사한 이 곡의 가사는[104] 환경주의 혹은 반전 메시지로 해석되기도 했다.[105] 야드버즈는 한 곡에 대해 “psychedelic”이라는 용어가 적용된 최초의 영국 밴드가 되었다.[96] "Eight Miles High"에서는 로저 맥귄의 12현 리켄베커 기가[106] 프리 재즈와 인도 라가를 각각 사이키델릭하게 해석하며, 콜트레인과 샹카르의 영향을 반영했다.[107] 이 곡의 가사는 약물 사용을 가리킨다는 해석이 널리 퍼졌지만, 버즈는 당시 이를 부인했다.[30][nb 11] "Eight Miles High"는 미국 14위[109]를 기록했고 영국에서는 톱30에 올랐다.[110] 1966년 4월, 영국 밴드 Thr Pretty Things는 "Come See me"를 발매했고, B사이드 "£. s. d."는 파운드-실링-펜의 약어를 약물 LSD에 대한 이중적 의미로 사용해 BBC에서 약물 언급을 이유로 금지되었다.[111][112] 1966년 6월, 프랭크 자파의 the Mothers of Invention은 앨범 Freak Out!을 발표했는데, 원래 트랙 "Hel[, I'm a Rock (Third Movement: It Can't Happen Here)"에서 “psychedelic”이라는 단어를 사용했으나 이후 레이블 버브 레코드에 의해 검열되었다.[113][114]

도노반의 1966년 7월 싱글 "Sunshine Superman (노래)"은 미국 빌보드 차트 정상에 오른 초기 사이키델릭 팝/록 싱글 가운데 하나가 되었다.올더스 헉슬리의 지각의 문에서 영감을 받았고, 가사에서 LSD를 언급함으로써 사이키델리아를 주류로 끌어올리는 데 기여했다.[115][116] 사이키델리아가 팝 주류로 부상하는 데 기여한 또 다른 요인으로는 비치 보이스의 Pet Sounds(1966년 5월)[117]와 비틀즈의 Revolver (비틀즈의 음반)(1966년 8월) 발매가 있다.[118] Pet Sounds는 정교한 실험, 감정적 갈망과 자기 의심에 기반한 사이키델릭 가사, 치밀한 음향 효과, 그리고 전통적·비전통적 악기에서 만들어낸 새로운 소리 등, 이후 사이키델리아에 흡수될 요소들을 다수 포함했다.[119][120][121] 수록곡 "I Just Wasn't Made for This Times"에는 록 레코드에서 테레민 소리가 최초로 사용되었다.[122] 학자 Philip Auslander는 사이키델릭 음악이 보통 비치 보이스와 연결되지는 않더라도, Pet Sounds의 “기이한 방향”과 실험이 “모든 것을 지도 위에 올려놓았다”고 말한다. 즉, “기본적으로 그게 문을 열어준 셈인데—밴드가 결성되거나 음악을 만들기 시작하도록 한 건 아니더라도—적어도 제퍼슨 에어플레인 같은 이들이 눈에 띄는 존재가 되게끔 했다”고 설명한다.[123] 이후 비치 보이스의 1966년 10월 싱글 "Good Vibrations"도 사이키델릭 가사와 사운드를 통합한 초기 팝 곡 가운데 하나였다.[124] 이 싱글의 성공은 테레민에 대한 예상치 못한 관심의 부활을 촉발했고, 아날로그 신시사이저에 대한 인식도 높였다.[125] 사이키델리아가 두드러지면서, 비치 보이스식 하모니는 이후의 사이키델릭 팝에 깊이 새겨졌다.[118]

드로가티스는 Revolver을 Pet Sounds와 함께 “최초의 사이키델릭 록 걸작” 가운데 하나로 본다.[126] Revolver 세션 중 녹음된 비틀즈의 1966년 5월 B사이드 "Rain"은 역재생 사운드를 포함한 최초의 팝 음원으로 평가된다.[127] 이 곡은 피치시프트같은 추가적인 스튜디오 트릭과 함께, 비서구 음악 형식에 대한 밴드의 관심을 반영하는 드로닝 멜로디를 포함하며[128] ‘깨달은’ 사이키델릭 세계관과 사회적 순응 사이의 분열을 전달하는 가사를 담고 있다.[127][129] 필로는 "Rain"을 “영국 사이키델릭 록의 탄생”으로 보며, Revolver을 당시 대중음악에서 “인도 악기, 음악 형식, 심지어 종교 철학”이 가장 지속적으로 배치된 작품이라고 묘사한다.[128] 저자 스티브 터너는 비틀즈가 Revolver에서 특히 "Tomorrow Never Knows"를 통해 LSD에서 영감 받은 세계관을 성공적으로 전달함으로써 “사이키델릭 록(또는 애시드 록)의 문을 열었다”고 인정한다.[130] 저자 숀 레비는 이를 “진정한 약물 앨범”으로 묘사하며, “약물적 암시가 조금 섞인 팝 레코드” 수준이 아니었다고 말한다.[131] 음악학자 러셀 레이싱과 짐 르블랑은 비틀즈가 “사이키델릭 음악의 중요한 하위 장르, 즉 ‘메시아적 선언’의 장르를 위한 무대를 마련했다”고 평가한다.[132][nb 12]

개러지 사이키델리아

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서틴스 플로어 엘리베이터스는 1960년대 텍사스 사이키델릭 신을 대표하는 밴드로 자주 언급된다.

에차드는 1966년의 핵심 사이키델릭 음원으로 서틴스 플로어 엘리베이터스와 러브브의 초기 레코드를, "Shapes of Things", "Eight Miles High", "Rain", 그리고 Revolver과 함께 강조한다.[91] 오스틴(텍사스) 출신인 서틴스 플로어 엘리베이터스는 1965년 말 LSD의 의식을 전파한다는 목표로 결성되었고, 제3의 눈 이미지를 담은 명함을 제작했으며, 1966년 1월 “Psychedelic rock”이라는 용어의 가장 이른 사용 사례 가운데 하나를 남겼다. 같은 달 그들은 데뷔 싱글 "You're Gonna Miss Me"를 발매했고, 이 곡은 Billboard Hot 100에서 55위에 올랐다.[135][nb 13][13] 이후 밴드는 그해 10월 데뷔 앨범 The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators를 발매했다.[137][138] 이 앨범은 제목에 “사이키델릭”이라는 형용사를 포함한 최초의 록 앨범이었다.[139][140] 롤링 스톤은 13th Floor Elevators를 “사이키델릭 개러지 록의 가장 중요한 초기 선구자”로 평가하기도 한다.[141]

1981년 에세이 “Protopunk: The Garage Bands”에서 음악 평론가 레스터 뱅스는 1960년대 중반 개러지 록 밴드들이 초기 사이키델릭 씬의 영향을 끌어들였다고 언급했다. 그는 “프로토펑크의 다음 단계는 1966년 사이키델리아의 부상과 포크 록의 쇠퇴와 맞물렸다. 개러지 밴드들은 이제 황금기에 들어섰다. 퍼즈톤과 전기 12현 기타 같은 기술적 발전이 가장 미숙한 음악가들에게도 경이로운 소리적 가능성을 안겨줬기 때문이다. 게다가 이들이 산을(=LSD) 발견하던 바로 그 무렵, ‘즉석 라가’도 알게 되었다. 신비한 동방의 소리를 흉내 내려면 프렛보드에서 스케일을 오르내리기만 하면 됐던 것이다”라고 썼다.[142]

1967–69: 전개

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정점기

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The Mantra-Rock poster showing an Indian swami sitting cross-legged in the top half with circular patterns around and with information about the concert in the bottom half
1967년 1월 샌프란시스코 Avalon Ballroom에서 열린 Mantra-Rock Dance 행사 포스터. 헤드라인에는 the Grateful Dead, Big Brother and the Holding Company, Moby Grape 등이 포함되었다.

1967년, 사이키델릭 록은 지역 공동체를 넘어 더 넓은 청중에게 다가가며 언론의 광범위한 주목을 받았다.[94] 1967~1968년 사이, 사이키델릭 록은(영국식의 보다 기발한 변종이든, 미국 서해안의 더 거친 애시드 록이든) 록 음악의 지배적 사운드가 되었다.[143] 음악사가 데이비드 시모넬리는 이 장르의 상업적 정점이 “아주 짧은 1년”에 불과했다고 말하며, 샌프란시스코와 런던이 두 개의 핵심 문화 중심지로 인식되었다고 쓴다.[96] 미국식에 비해 영국식 사이키델릭 음악은 실험 면에서 더 예술적(arty) 성향이 강했고, 팝의 곡 구조 안에 머무르는 경향이 있었다.[144] 음악 저널리스트 마크 렌더가스트는, 영국 사이키델릭 음악의 기발한 특징이 미국에서는 주로 개러지 밴드 계열의 사이키델리아에서 발견된다고 말한다. 그는 버즈, 러브, 도어스의 작업을 제외하면 미국 사이키델리아는 세 갈래로 나뉜다고 본다. 첫째는 샌프란시스코 밴드들이 앨범 중심으로 전개한 “애시드 잼”, 둘째는 비치 보이스와 버펄로 스프링필드 같은 그룹이 대표하는 팝 사이키델리아, 셋째는 비틀즈·야드버즈의 선례를 따른 t일렉트릭 프룬스, The Nezz, The Chocolate Watchband, The seeds 등 “정신이 헝클어진(wigged-out)” 음악이다.[145][nb 14]

도어스의 데뷔 앨범 도어스 (음반)(1967년 1월)는 동시대의 많은 사이키델릭 앨범보다 더 어두운 사운드와 주제를 담은 것으로 알려져 있으며,[148] 이는 이후 고딕 록 운동에도 큰 영향을 주었다.[149] No. 1 싱글 "Light My Fire"의 힘을 받아 이 앨범은 큰 성공을 거두며 빌보드 차트 2위까지 올랐다.[150]



한국의 사이키델릭 록

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한국의 사이키델릭 록의 시작은 신중현이 처음 시도했다.[151] 신중현은 1968년 덩키스라는 밴드를 결성하고 미8군에서 사이키델릭을 연주했다.한국의 사이키델릭 록은 미8군 클럽 문화와 군사정권 하의 검열 환경 속에서 독자적으로 변형되었으며, 포크적 정서와 강한 퍼즈톤 기타 사운드가 결합된 양상을 보였다.

신중현을 뒤이어 산울림이 그들의 데뷔 앨범 《산울림 새노래 모음》과 여러 앨범에서 몽환적인 보컬과 퍼즈톤으로 사이키델릭을 연주했다.[152][153] 이후 산울림은 데뷔 앨범과 초기 작품을 통해 몽환적인 보컬, 반복적인 리프, 실험적인 사운드를 결합한 독자적인 사이키델릭 록 스타일을 확립하였다. 한국의 사이키델릭 록은 군사정권 하의 검열과 제한된 공연 환경 속에서 서구와는 다른 방식으로 변형·발전하였으며, 포크적 정서와 강한 기타 톤이 결합된 양상을 보인다.

이러한 흐름은 이후 여러 인디 음악가와 밴드들에게 영향을 미치며 현대 한국 록 음악에서도 부분적으로 계승되고 있다.

사이키델릭 록 음악가

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대한민국의 사이키델릭 록 음악가

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각주

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  1. ↑ 이들의 키보디스트 Bruce Johnston는 1965년에 the Beach Boys에 합류했다. 그는 훗날 “[LSD는] 난 한 번도 생각해본 적도 없고 해본 적도 없는 것”이라고 회상했다.[29]
  2. ↑ Stewart Home에 따르면 그레이엄은 “상업적 성공은 크지 않았지만 영향력 있는 핵심 초기 인물”이었다. 그는 “포크, 블루스, 재즈, 동양 음계를 섞어 베이스와 드럼을 동반한 솔로 앨범으로 제시했으며, 이는 60년대 후반 포크 록 운동의 전조이자 결국 그 일부가 되었다. … 영국 반문화에서 강한 약물 사용의 확산에 미친 영향을 과소평가하기 어렵다”고 말했다.[40]
  3. ↑ 영국에서 언더그라운드 문화가 성장할 수 있었던 배경에는, 사이키델릭 및 프로그레시브 음악을 반문화 라이프스타일(장발, 과감한 셔츠, 군복 스타일 등)과 함께 다루던 대안 주간지 IT(International Times)와 Oz의 등장이 있었다. 이 라이프스타일은 Mr Fish, Granny Takes a Trip 같은 매장과 Carnaby Street(Soho), King's Road(첼시) 부티크에서 팔던 화려한 셔츠, 그리고 오래된 군복 등을 포함했다.[46]
  4. ↑ 가사에서 화자는 “당신의 마법처럼 소용돌이치는 배에 나를 태워 여행을 떠나게 해줘(Take me on a trip upon your magic swirling ship)”라고 요청한다.[57] 이것이 약물에 대한 언급인지 여부는 명확하지 않았지만, 이 구절은 그해 버즈의 히트로 록 음악 안에 자리 잡게 되었다.[57]
  5. ↑ 벡의 영향은 라비 샹카르의 음반이었고,[65] 킨크스의 레이 데이비스는 봄베이를 여행하던 중 인도 어부들의 새벽 챈팅을 듣고 영감을 받았다.[63][66] 버즈 또한 1965년 말 무렵 라가 사운드를 탐구하고 있었는데, 그들의 “선호 음악”은 콜트레인과 샹카르의 음반이었다.[66] 그해 여름, 그들은 로스앤젤레스에서의 단체 애시드 트립 중 George Harrison과 John Lennon에게 샹카르 음악과 그 초월적 성격에 대한 열정을 공유했다.[67] 시타르와 그에 수반된 영적 철학은 해리슨에게 평생의 추구가 되었으며, 해리슨과 샹카르는 “인도 음악과 문화를 주류 의식으로 끌어올리는” 역할을 했다.[68]
  6. ↑ 그 이전에도 인도 악기는 밴드의 영화 Help! 사운드트랙을 위한 Ken Thorne의 관현악 스코어에 포함된 바 있다.[64]
  7. ↑ 이 신의 특히 두드러진 산물로는 Grateful Dead(애시드 테스트의 사실상 하우스 밴드가 됨),[81] Country Joe and the Fish, 더 그레이트 소사이어티, Big Brother and the Holding Company, 더 샤를라탄스, Moby Grape, Quicksilver Messenger Service, Jefferson Airplane 등이 있다.[82]
  8. ↑ 장소가 협소하자 그는 Winterland로, 이후 Fillmore West(샌프란시스코)와 Fillmore East(뉴욕)로 확장했으며, 미국과 영국의 주요 록 아티스트들이 이곳 무대에 올랐다.[88]
  9. ↑ The Irish Times의 Brian Boyd는 버즈의 Fifth Dimension(1966년 7월)을 최초의 사이키델릭 앨범으로 꼽는다.[97] Unterberger는 이를 “주요 초기 포크 록 밴드가 포크 록-사이키델리아로 본격적으로 ‘돌파’한” 최초의 앨범으로 본다.[98]
  10. ↑ 비틀즈 역사 연구자 Ian MacDonald는 Revolver의 "Taxman"에서 Paul McCartney의 기타 솔로가 “해리슨이 기타로 보여준 어떤 인도풍 스타일을 훨씬 넘어선다”고 평하며, 그 “유력한 영감”으로 야드버즈의 “경이로운” ‘Shapes of Things’에서 제프 벡이 보여준 획기적 솔로를 지목한다.[101]
  11. ↑ 이처럼 직접적인 뉘앙스 때문에 라디오 방송이 제한되는 일이 있었고, 딜런이 “[Everybody must get stoned!]”라는 후렴을 반복하는 "Rainy Day Women ♯12 & 35"(1966년 4월)을 발표했을 때도 비슷한 반응이 나타났다.[108]
  12. ↑ Big Brother and the Holding Company의 Sam Andrew는 이 앨범이 샌프란시스코 음악가들에게 큰 공명을 일으켰다고 회상했는데, 비틀즈가 반문화에 대해 “확실히 ‘합류했다’”고 느꼈기 때문이었다.[133] 1995년 다큐멘터리 시리즈 Rock & Roll에서 그레이트풀 데드의 Phil Lesh는 Revolver을 들으며 비틀즈가 “사이키델릭 아방가르드”를 받아들였다고 생각했다고 회상한다.[134]
  13. ↑ 이 용어는 1966년 2월 10일자 Austin American-Statesman에 실린 “Unique Elevators Shine with 'Psychedelic Rock'",라는 기사에서 사용되었다.[136]
  14. ↑ 쇼는 1969년에 뉴욕의 Tompkins Square Park를 동부 해안 “히피덤의 중심지”라고 불렀다.[146] 그는 the Blues Magoos를 주요 사이키델릭 액트로 지목하며 “서해안 밴드들보다 데시벨 면에서 더 과감하다”고 썼다.[147]
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