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메리 카사트

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메리 카사트
신상정보
출생
미국 펜실베이니아주 앨러게니
사망 1926년 6월 14일(1926-06-14)(82세)
프랑스 파리 인근
직업 화가, 판화가, 그래픽 예술가, 사진가, 에칭화가
스승 장레옹 제롬, Charles Joshua Chaplin, 토마 쿠튀르, Paul-Constant Soyer
사조 인상주의
수상 레지옹 도뇌르 슈발리에 (1910)
전미 여성 명예의 전당 (1973)
주요 작품
영향
서명

메리 카사트(영어: Mary Stevenson Cassatt 메리 스티븐슨 커샛[*], 영어 발음: /kəˈsæt/, 1844년 5월 22일 ~ 1926년 6월 14일)는 미국의 화가이자 판화 제작자이다. 그녀는 펜실베이니아주 앨러게니에서 태어났지만, 성인기의 대부분을 프랑스에서 보냈으며, 그곳에서 그녀는 에드가 드가를 만나 친분을 쌓게 되어 이후 인상주의 화가들과 함께 전시회를 가졌다. 메리 카사트의 작품들은 대다수가 여성들의 사회적인 삶과 개인적인 일상생활을 담고 있으며, 어머니와 자식들, 특히나 모녀를 주제로 한 작품들이 많다.

귀스타브 제프루아에 따르면, 그녀는 마리 브라크몽, 베르트 모리소와 함께 인상주의의 "세 명의 위대한 여성 화가"(les trois grandes dames) 중 한 명이었다.[1] 1879년 디에고 마르텔리는 그녀를 드가와 비교하며, 두 화가 모두 가장 현대적인 의미에서 움직임, 빛, 구성을 표현하고자 했다고 평했다.[2] 그녀는 특히 해브마이어 가문과의 친분을 통해 미국 수집가들에게 인상주의를 소개하는 데 중요한 역할을 했다.[3]

생애

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유년 시절

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메리 카사트는 현재의 피츠버그인 펜실베니아의 알레게니 시티에서 태어났으며, 매우 유복한 환경 속에서 유년 시절을 보냈다. 그녀의 아버지 로버트 심슨 카사트는 증권 중개인이자 토지 투기업자였다. 가문의 본래 성은 코사르(Cossart)였으며, 1662년 니우암스테르담으로 건너온 프랑스 위그노 자크 코사르의 후손이었다.[4][5] 어머니 캐서린 켈소 존스턴은 은행가 가문 출신이었다. 교육을 잘 받고 독서량이 풍부했던 캐서린 카사트는 딸에게 깊은 영향을 주었다.[6] 이와 관련하여 카사트의 평생 친구였던 루이진 해브마이어는 자신의 회고록에 다음과 같이 적었다. "메리 카사트의 어머니를 알 기회가 있었던 사람이라면 누구나 메리의 능력이 어머니로부터 물려받았다는 것을 즉시 알 수 있었을 것이다."[7] 화가 로버트 헨라이의 먼 친척이었던[8] 카사트는 일곱 자녀 중 한 명이었으며, 그중 두 명은 영아기에 사망했다. 오빠인 알렉산더 카사트는 나중에 펜실베이니아 철도회사의 사장이 되었다. 가족은 동쪽으로 이주하여 먼저 펜실베이니아주 랭커스터로, 그다음에는 필라델피아 근교로 옮겨갔다. 메리는 그곳에서 6세의 나이로 학교 생활을 시작했다.[9]

메리 카사트는 여행을 교육의 필수적인 요소라고 여기는 환경 속에서 자라났다. 그녀는 유럽에서 5년 이상을 지내면서 런던과 파리, 베를린과 같은 여러 수도들을 방문했다. 유럽에서 지내는 동안 프랑스어와 독일어를 배웠고 처음으로 미술과 음악 수업을 받았다.[10] 카사트는 1855년 만국 박람회에서 처음으로 프랑스 화가 앵그르, 외젠 들라크루아, 코로 그리고 쿠르베의 작품들을 접하게 되었다. 또한 그 전시회에는 나중에 그녀의 동료이자 멘토가 된 에드가 드가와 카미유 피사로의 작품도 있었다.[11]

메리 카사트의 집안은 화가가 되겠다는 그녀의 결심에 상당히 반대했으나, 그녀는 15살이 되던 해에 필라델피아에 있는 펜실베이니아 미술아카데미에서 그림을 공부하기 시작했다.[12] 그녀의 부모들은 카사트가 페미니스트적인 사상과 몇몇 남학생들의 보헤미안적인 생활에 노출되지 않을까 매우 걱정했다. 학원의 20%는 여학생이었는데 대다수는 사교계에서 유용하게 사용될 기술로서 그림을 배웠으며, 메리 카사트처럼 전문적으로 화가가 되기 위해 그림을 공부하는 여학생은 극히 드물었다.[13] 그녀는 미국에서 남북 전쟁 기간인 1861년에서 1865년까지 그림을 공부를 계속했다. 카사트와 함께 공부했던 사람들 중에는 토마스 에이킨스(Thomas Eakins)도 있었는데, 그는 나중에 아카데미의 학원장 직에서 물러나도록 강요받았다.[9]

교사들의 느린 교육 방식과, 남학생 및 교사들의 거만한 태도에 염증을 느낀 그녀는 옛 위대한 화가들의 그림을 보며 혼자 공부하기로 마음 먹었다. 훗날 카사트는 아카데미에서 "아무것도 가르쳐주지 않았다"라고 회상했다. 그 당시 여학생들은 누드 모델을 사용할 수 없었고, 주로 석고 모형을 이용한 드로잉 교육을 받았다.[14]

유럽으로

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메리 카사트는 공부를 끝마치기로 결심했다. (당시 학위를 받지는 못했다) 아버지의 반대를 이겨낸 후, 1866년 그의 어머니와 가족의 친구들을 보호자로 삼아 파리로 이사했다.[15] 에콜 데 보자르는 당시 여성을 학생으로 받아들이지 않았기 때문에, 메리 카사트는 그 학교에서 학생들을 가르치는 화가들에게 개인적으로 교습을 받기로 했다.[16] 그는 장레옹 제롬에게서 수학하게 되었는데, 그는 극사실적인 기법과 이국적인 소재를 주제로 유명했다. 몇 달 뒤 제롬은 토마스 에이킨스 또한 학생으로 받아들였다.[16] 메리 카사트는 루브르 박물관에서 매일 작품을 모작하며 그의 예술적인 감각을 키워나갔다. (그녀는 작품 모작을 할 때 필요했던 '모작 허가증'을 받았다. 당시 "모작가"들을 관리하기 위해 필요했던 증명서로, 모작가들 중 대부분은 수입이 적은 여성들이었다. 그들은 날마다 박물관을 가득 채우며 모작한 작품을 팔았다.) 루브르 박물관은 당시 프랑스 남성들과 미국의 여학생들을 위한 사교장소로도 사용되었는데, 메리 카사트와 같은 여성들은 전위 예술가들이 사교 활동을 하던 카페에 출입하는 것이 금지되어 있었기 때문이다. 이런 식으로 그의 친구이자 동료 화가였던 엘리자베스 제인 가드너(Elizabeth Jane Gardner)는 대표적인 아카데미 예술 화가였던 윌리암 아돌프 부그로를 만나 결혼하였다.[17]

메리 카사트의 《보트 파티》, 1893~94년, 캔버스에 유채, 35½ × 46인치, 내셔널 갤러리 오브 아트

1866년이 끝날 즈음, 메리는 찰스 조슈아 채플린이 가르치던 그림 교실에 합류하였다. 1868년, 그녀는 주로 낭만적이고 도시적인 주제를 다루었던 토마 쿠튀르에게도 배웠다.[18] 야외로 스케치 수업을 나갈 때 학생들은 종종 실물을 보고 그림을 그리는데 소재로는 종종 농부들의 일상생활을 그리곤 했다. 1868년에 그린 그녀의 작품중 "만돌린 연주자"(A Mandoline Player)는 심사위원에 의해 채택되어 처음으로 파리 살롱에 전시되었다. "만돌린 연주자"는 코로와 쿠튀르의 낭만주의 양식을 따르고 있으며,[19] 그녀의 경력 초기 10년 동안 그린 작품 중 오늘날까지 기록이 남아 있는 단 두 점의 그림 중 하나이다.[20]

이 즈음 프랑스의 미술계는 변화기에 들어서고 있었다. 그 중에서도 귀스타브 쿠르베와 에두아르 마네와 같은 급진적인 화가들이 전통적인 미술 양식을 거부하고 있었고, 인상주의 양식이 시작되고 있는 시기였기 때문이다. 메리 카사트의 친구인 엘리자 할데만(Eliza Haldeman)은 "현 시대의 화가들은 전통적인 아카데미 미술을 거부하고 자신만의 새로운 작풍과 방식을 찾으려 하고 있다. 결과적으로 지금은 모든 것이 혼란스러워 보인다" 라고 쓰고 있다.[17] 메리 카사트는 그러나 계속해서 전통적인 방식으로 계속 작업하며 10년 넘게 살롱에 작품을 제출했지만, 점점 좌절감을 느꼈다.

귀국

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36세가 되던 1870년 늦여름, 프로이센-프랑스 전쟁이 발발하자 그녀는 미국으로 돌아가 앨투나 (펜실베이니아주)에서 가족들과 함께 지냈다. 그녀의 아버지는 여전히 메리의 직업을 반대했으며 기본적인 생활비를 대주기는 했으나 미술용품 비용은 지원해주지 않았다.[21] 메리 카사트는 뉴욕 갤러리에 그의 작품 두 개를 전시했다. 이 작품들은 많은 사람들에게 호평을 받았으나 사려는 사람은 아무도 없었다. 카사트는 또한 가족들과 여름을 지내는 동안 미술을 연구할 작품이 많이 부족한 것을 느끼고 실망하기도 했다. 그는 가족들과 떨어져 독립생활을 하기 위해 미술을 포기할 생각까지 하게 되었다. 1871년 7월, 그는 편지에 이렇게 쓰고 있다. "나는 내 개인 화실을 포기했고 아버지의 초상화를 찢어버렸다. 그리고 6주 동안 붓을 한번도 들지 않았으며 유럽으로 돌아갈 때까지 붓을 다시 들 생각조차 없다. 나는 올 가을에 어서 서쪽으로 가서 일자리도 구하고 싶다. 하지만 어디로 가야 할지는 정하지 못했다.""[22]

메리 카사트는 그의 운을 시험하기 위해 시카고에 들렀으나1871년 시카고 대화재로 초기 작품들을 여럿 잃었다.[23] 그 직후 피츠버그의 대주교 마이클 도메네크가 그녀의 작품에 관심을 보였고, 카사트에게 이탈리아의 파르마에 있는 안토니오 다 코레조의 작품들을 모작해줄 것을 의뢰했으며, 여행 경비와 체류비 일부를 충당할 수 있는 충분한 돈을 선불로 주었다. 카사트는 이 일에 대해 매우 들뜬 마음으로 이렇게 적어두었다. "나는 지금 어서 일을 시작하고 싶다. 내 손가락은 간지럽고 눈은 좋은 그림을 보고 싶어 눈물이 날 지경이다."[24] 카사트는 필라델피아의 유명한 예술가 가문 출신인 에밀리 사테인(Emily Sartain)과 함께 유럽으로 다시 돌아갔다.

다시 유럽으로, 그리고 인상주의

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메리 카사트의 《차》, 1880년, 캔버스에 유채, 25½ × 36¼인치, 보스턴 미술관

1871년 가을 유럽으로 돌아온 지 몇 달 만에 카사트의 전망은 밝아졌다. 그녀의 작품 "카니발 기간에 꽃을 던지는 두 여성"(Two Women Throwing Flowers During Carnival)은 1872년 살롱에서 호평을 받고 판매되기도 했다. 그녀의 작품은 파르마에서 매우 인기를 끌었으며 현지의 예술인들에게서 많은 지지와 격려를 얻기도 했다. "파르마의 모든 이들이 카사트 양과 그의 작품에 대해 이야기했으며 모두가 그에 대해 알고 싶어했다"라는 기록도 있다.[25]

유채, 1871년경, 개인 소장. 커리 부인은 카사트 가문에서 일했다. 메리 카사트가 프로이센-프랑스 전쟁 발발 당시 파리에서 집으로 돌아왔을 때, 그녀는 커리 부인에게 모델이 되어달라고 부탁했고 이 스케치를 그녀에게 주었다. 그 위에 겹쳐진 그림(뒤집혀있는 그림)은 그녀의 아버지 스케치이다.

카사트는 마드리드와 세비야를 여행하며 《레이스 만틸라를 쓴 스페인 무희》(1873, 스미스소니언 미술관)를 포함하여 스페인 주제의 그림들을 그렸다. 1874년, 그녀는 프랑스에 정착하기로 결정했고, 언니 리디아와 함께 아파트에서 함께 지내게 되었다. 카사트는 파리에 작업실을 열었다. 루이자 메이 올컷의 동생인 애비게일 메이 올컷 니리커는 당시 파리에서 미술 공부를 하던 중 카사트를 방문했다.[5] 카사트는 살롱의 정치색과 그곳에 팽배한 관습적인 취향에 대해 계속해서 비판의 목소리를 냈다. 그녀의 발언은 거침없었는데, 사테인의 기록에 따르면 다음과 같았다. "그녀는 너무나도 신랄하고, 모든 현대 미술을 무시하고, 카바넬, 보나 등 우리가 숭배하는 아카데미 예술가들의 작품을 경멸한다."[26]

메리 카사트는 또한 여성 화가들의 작품은 작가가 심사위원들 중에 친구나 보호자가 있지 않는 이상 무시되거나 경멸의 대상이 되는 것을 보아왔다. 그러나 그녀는 심사위원들 중 누구에게도 자신의 여성성을 이용하려 들지 않았다.[27] 그녀의 냉소주의는 1875년 그가 출품했던 두 개의 작품이 심사위원들에 의해 거절당하자 한층 더 커지기 시작했다. 다음 해에 배경을 더욱 어둡게 칠하자 비로소 살롱에 받아들여졌던 것이다. 그녀는 자기 중심적이고 지나치게 거리낌없는 행동을 우려한 사테인과 불화가 생겼으며 결국 헤어졌다. 자기비판과 비통한 감정에서 벗어나기 위해 자신이 즐겨 그리던 풍속화에서 좀 더 유행을 따르는 스타일의 그림을 그리기로 했다. 더 많은 미국 아메리카의 사교계 인사들로부터 초상화 의뢰를 받기 위한 목적도 있었다. 하지만 그 시도는 처음에는 그리 좋은 성과를 거두지는 못하였다.[28]

《소녀의 초상》, 1879, 보르도 미술관

1877년, 파리 살롱에서 그녀의 출제품들을 모두 거절당하자 메리 카사트는 7년만에 처음으로 파리 살롱에 아무런 작품을 전시하지 못했다.[29] 화가로서의 인생에 있어 불운했던 이 시기에 그는 에드가 드가에게 초대되어 인상주의자들과 함께 작품을 전시할 기회를 얻게 되었다. 인상주의는 1874년부터 이미 자신들만의 독립된 전시회를 갖기 시작하여 많은 화제를 불러일으켰다. 그들은 "독립인들" 혹은 "비타협가들"이라고도 불렸으며 공식적인 성명서도 없었고 소재나 주제, 테크닉에 있어 굉장히 다양한 종류의 스타일을 갖고 있었다. 인상주의자들은 스튜디오에서 작업하기보다 야외에 나가서 작업하는 것을 선호했고 강렬한 색상들을 다른 색과 섞지 않고 짧은 붓 터치로 표현하는 것을 좋아했다. 이렇게 탄생된 결과물은 감상하는 사람들의 눈에 있어 매우 "인상적인" 방식이기에 그들은 "인상주의"로 불리게 되었다. 그들은 또한 비평가들의 분노섞인 비평을 받아왔던 상태였다. 카사트 가문의 친구였던 헨리 베이콘은 인상주의자들이 지나치게 급진적이어서 "지금까지 알려지지 않은 눈병을 앓고 있는 것 같다"라고 말하기까지 했다.[30] 인상주의자에게는 이미 여성 회원인 화가 베르트 모리조가 있었으며, 그녀는 카사트의 친구이자 동료가 되었다. 인상주의에 공식적으로 참여한 유일한 미국인이었던 카사트는 이후 그룹의 전시회 중 절반에 참여하게 된다.[31]

카사트는 1875년 한 미술상의 쇼윈도에서 드가의 파스텔 화를 보고 깊은 인상을 받았다. "나는 그 창문에 코를 납작하게 대고 서서 그의 예술에서 흡수할 수 있는 모든 것을 흡수하곤 했다."라고 그녀는 나중에 회상했다. "그것은 내 인생을 바꾸어 놓았다. 나는 그때 내가 보고 싶었던 그대로의 예술을 보았다."[32] 그녀는 드가의 초대를 매우 기쁜 마음으로 승낙했으며 1878년으로 계획된 다음 인상파 전시회를 위해 작품 준비를 시작했다. 이 전시회는 만국 박람회 때문에 연기되었다가 1879년 4월 10일에 개최되었다. 그는 인상주의자들 사이에서 편안함과 친근감을 느꼈으며 열광적인 모습으로 인상주의의 일원으로서 합류하게 되었다. 그녀는 "우리는 절망적인 싸움을 이어가고 있으며 우리의 모든 힘이 필요하다"고 말했다.[33] 당시 여자들은 카페에 갈 수 없었기 때문에, 메리 카사트는 인상주의자들이 만나던 카페에는 참여할 수 없었고, 개인적으로나 전시회에서만 만남을 가져야 했다. 메리는 아방가르드 풍을 좋아하는 세련된 파리인들에게 작품을 팔아 상업적인 성공을 거두기를 원했다. 그녀의 스타일은 인상주의의 일원이 된 후 2년간 새로이 찬사를 받았다. 그녀의 스타일은 그 사이 2년 동안 새로운 전기를 맞았다. 이전에는 작업실에만 박혀 있던 화가였으나, 이제는 야외나 극장에 나갈 때 스케치북을 가지고 다니며 눈에 보이는 장면들을 기록하는 습관을 갖게 되었다.[34]

메리 카사트, 《여름날》, 1894년경, 캔버스에 유채, 시카고 테라 미국 미술 재단

1877년, 파리에 있던 카사트에게 아버지와 어머니, 그리고 언니 리디아가 합류했으며, 결국 모두가 트뤼덴가 13번지의 5층에 있는 큰 아파트를 함께 쓰게 되었다. 메리는 자신도 리디아도 결혼하지 않았기 때문에 서로를 소중히 여겼다. 일각에서는 메리가 자기애적 성향을 가지고 있었으며, 어머니의 영향권에서 벗어난 독립적인 인격체로서의 자아를 올바로 인식하지 못했다고 주장했다.[35] 메리는 일찍이 결혼이 자신의 경력과 양립할 수 없다고 결심했다. 언니의 그림에 자주 등장했던 리디아는 병을 자주 앓다가 1882년에 죽게 되었으며, 그로 인해 메리 카사트는 한동안 붓을 들 수 없었다.[36]

카사트의 아버지는 여전히 메리의 화실과 미술용품 비용을 스스로 충당해야 한다고 주장했지만, 작품을 판 돈으로 충당하기에는 아직 많이 부족했다. 생계를 유지하기 위해 "통속적인 그림"을 그려야 할까 봐 두려워한 카사트는, 다음 인상주의 전시회에 내기 위해 많이 공을 들인 작품들을 그리기 시작했다. 1878년에 완성된 그의 가장 숙련된 작품들로는 《화가의 초상》(자화상), 《파란 안락의자의 어린 소녀》, 그리고 "르 피가로를 읽다"(어머니의 초상)가 있다.

메리 카사트, 《부채를 들고 서 있는 여인》, 1878~79, (아몬 카터 미국 미술관)

드가는 메리 카사트에게 많은 영향을 끼쳤다. 두 사람 모두 재료 사용에 있어 매우 실험적이었으며, 《부채를 들고 서 있는 여인》(1878~79, 아몬 카터 미국 미술관)과 같은 많은 작품에서 디스템퍼와 금속성 물감을 시도했다.[37]

메리 카사트는 이후 파스텔을 자주 활용하여 그림을 그렸으며 나중에는 그가 그린 많은 걸작들을 파스텔로 제작했다. 또한 드가는 그에게 에칭의 기법 또한 전수해주었는데, 드가는 이때 이미 이 분야의 거장으로 인정받고 있었다. 둘은 한동안 함께 작업했고, 이후 메리 카사트의 데생 실력은 드가의 지도 하에 크게 향상되었다. 화가로서 자신의 지위를 성찰하는 수단으로 드라이포인트 기법을 신중하게 시험한 예로 1889~90년의 《성찰》(Reflection)이 있는데, 이 작품은 최근에 자화상으로 해석되었다.[38] 드가는 여러 작품에서 카사트를 묘사하여, 그들이 함께 한 루브르 박물관 방문을 기록으로 남겼다. 메리 카사트는 드가에 대해 상당히 끌리는 감정을 갖고 있었던 것으로 보여지나, 당시 함께 진행하던 판화 전문 잡지 창간 프로젝트를 드가가 갑자기 중단시킨 후, 그의 변덕스럽고 감정적인 성격에 너무 많은 것을 기대하지 않게 되었다. 당시 45세였던 세련되고 옷을 잘 입은 드가는 카사트 가문의 반가운 저녁 식사 손님이었으며, 카사트 가족 역시 그의 사교 모임에 초대받았다.[39]

1879년 인상주의의 전시회는 당시 매우 성공적이었다. 그러나 이 전시회에 피에르 오귀스트 르누아르나 알프레드 시슬레, 에두아르 마네, 그리고 폴 세잔 등은 참가하지 않았다. 그들은 파리 살롱에서 다시 한번 인정을 받기 위해 다른 작품활동을 하고 있었다. 전시회를 기획하고 비용을 부담했던 귀스타브 카유보트의 노력으로 인상주의자들은 작품을 팔고 많은 수익을 남겼다. 하지만 비평가들은 여전히 가혹한 비평을 썼다. "르뷔 데 되 몽드"에서는 "드가와 카사트만이 그들 사이에서 차별화되는 작가이다.... 하지만 그들만이 이 허세만 가득 찬 전시회의 창문을 치장한 유치하고 서툰 그림들에서 조금 더 눈길을 끌 뿐이다" 라고 남겼다.[40]

메리 카사트는 《박스석의 진주 목걸이를 한 여인》를 포함하여 11개의 작품을 전시했다. 비평가들은 그의 색감이 지나치게 화사하여 초상화가 너무 정확하다고 비평했지만, 클로드 모네의 작품만큼 난도질당하지는 않았다. 당시 모네는 다른 어떤 인상주의 화가들보다 절망적인 상황에 있었다. 이때 메리 카사트는 수익금 일부를 사용해 드가와 모네의 작품을 구입하기도 했다.[41] 그녀는 다음으로 이어진 1880년과 1881년 인상주의 전시회에 계속 참가하였고, 1886년 마지막 인상주의 전시회까지 활동적인 인상주의 화가로 남게 되었다. 1886년 메리 카사트는 미술상이었던 폴 뒤랑뤼엘가 개최한 미국 최초의 인상주의 전시회에 두 개의 작품을 전시했다. 그녀의 친구였던 루이진 엘더는 1883년 해리 해브마이어와 결혼했으며 이후 이 부부는 메리 카사트에게 조언을 받아 인상주의의 작품을 대량 수집하기도 했다. 이 부부의 수집품들의 대부분은 현재 뉴욕 메트로폴리탄 미술관에 전시되어 있다.[42]

메리 카사트는 또한 이 시기에 가족들의 초상화를 여러 점 그렸으며, 이때 그려졌던 작품 중 하나인 《알렉산더 카사트와 그의 아들 로버트 켈소의 초상》(1885년작)은 이 중에서도 걸작이라 평가되고 있다. 메리 카사트의 스타일은 이후 더욱 진보하여, 인상주의에서 벗어나 좀 더 단순하고 간단한 방식의 스타일을 추구하였다. 그녀는 뉴욕 갤러리에도 작품을 전시하기 시작했다. 1886년 이후, 그는 자신이 어떤 미술 사조에도 속하지 않는다고 생각했으며, 좀 더 다양한 테크닉을 실험하기 시작했다.

노년기

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메리 카사트, 《아이의 목욕》, 1893년, 캔버스에 유채, 39 × 26인치, 시카고 미술관[43]

메리 카사트의 명성은 자세하고 감성적이며 예민한 관찰과 극도로 사실적인 묘사를 이용해 모녀관계를 주제로 그려낸 회화 및 판화 연작에 기반을 두고 있다. 이러한 주제로 가장 최초로 그려진 작품은 드라이포인트로 그려진 《가드너를 안고 있는 어머니》이며 "Jan/88"이라 새겨져 있고 뉴욕 공립 도서관에 전시되어 있다.[44] 그러나 현재 밝혀진 바에 따르면로 메리 카사트는 그 이전에도 같은 주제로 그림을 그렸던 것으로 알려졌다. 이러한 작품들 중에서는 그의 친척이나 친구, 고객을 직접 그린 작품들도 많으며, 이후에는 전문적인 모델을 써서 이탈리아의 르네상스시대 풍의 성모자상을 연상시키는 구도를 그리기도 했다. 1900년 이후 그녀는 《해바라기를 든 여인》과 같이 거의 전적으로 어머니와 아이 주제에 집중했다.[45] 그녀의 초상화는 어머니와 아이의 짝을 묘사하는 데 집중했음에도 불구하고 "카사트가 아내와 어머니가 된다는 생각을 거부했다..."는 사실에 놀라울 수 있다.[46]

1890년대는 카사트에게 가장 바쁘고 창의성이 빛나는 시기였다. 그는 이 시기에 매우 성숙하게 되었으며 그의 의견을 전할 때도 예전처럼 직설적이지 않고 외교적이 되었다. 그녀는 또한 젊은 미국의 화가들에게 있어 좋은 롤모델이 되었으며 그녀의 조언을 얻기 위해 많은 이들이 모여들었다. 그 중에는 루시 A. 베이콘(Lucy A. Bacon)도 있었는데 메리 카사트는 그녀를 카미유 피사로에게 소개시켜주기도 하였다. 인상주의 모임은 해산되었으나. 메리 카사트는 르누아르, 모네, 그리고 피사로와 같은 인상주의 멤버들과 여전히 연락을 주고 받았다.[47]

메리 카사트, 《연못 앞의 어머니와 아이》, 1898년경. 레드 페이퍼 위 드라이포인트 및 애쿼틴트, 브루클린 미술관

1891년 그는 드라이포인트 기법에 색을 이용하여 굉장히 개성이 강한 아쿠아틴트 프린트 작품을 전시했는데, 이 중에는 파리에서 전시회를 가졌던 일본 화가들의 작품에 영향을 받은 《목욕하는 여인》(Woman Bathing)과 《머리 손질》(The Coiffure)와 같은 작품이 있다. (자포니즘 참조) 메리 카사트는 일본 우키요에의 단순 간결함과 명확함, 그리고 색면을 이용하는 기법에 매료되었다. 메리 카사트는 자신만의 해석을 통해 원색의 파스텔 색조로 (검은색은 제외했다 : 인상주의자들에게 있어 검은색은 "금지된" 색이었다) 그림을 그렸다. 카사트 작품에 대한 두 권의 전작 도록을 저술한 아델린 D. 브리스킨은 이러한 채색 판화에 대해 "이제 그의 가장 개성적인 작품으로… 그래픽 아트에 있어 새로운 역사를 쓰기 시작했으며… 기술적으로 채색 판화로서 지금까지 그 어떤 작품도 이를 능가하지 못했다" 고 말했다.[48]

또한 1891년에 시카고의 사교계 명사 버사 파머는 카사트에게 1893년 만국 박람회의 여성관을 위해 "현대 여성"에 관한 12피트 × 58피트 크기의 벽화를 그려달라고 요청했다. 카사트는 프랑스에서 어머니와 함께 살면서 2년에 걸쳐 이 프로젝트를 완료했다. 벽화는 삼면화로 디자인되었다. 중앙 주제의 제목은 "지식이나 과학의 열매를 따는 젊은 여성들"이었다. 왼쪽 패널은 "명성을 쫓는 젊은 소녀들"이었고 오른쪽 패널은 "예술, 음악, 무용"이었다. 벽화는 남성과의 관계에서 벗어나 스스로 성취를 이룬 여성 공동체를 보여준다. 파머는 카사트를 미국의 보배로 여겼으며, 여성의 지위에 대한 세계적 관심을 집중시킬 박람회에서 벽화를 그릴 사람으로 그녀보다 더 적합한 사람은 없다고 생각했다.[49] 만국 박람회 이후 벽화는 버사 파머의 소유가 되어 1911년까지 남아 있었으나, 1918년 파머가 사망한 후 사라졌다.[50] 카사트는 벽화의 주제와 유사한 주제로 여러 점의 습작과 그림을 그렸기 때문에, 그러한 아이디어와 이미지의 발전 과정을 확인할 수 있다. 카사트는 박람회에 다른 그림들도 전시했다.[51]

새로운 세기가 도래하자 메리 카사트는 미술 수집가들에게 조언자로 활동하기도 했으며 미국의 미술 박물관에 그들의 수집품들을 기증하도록 많은 노력을 하기도 했다.예술에 대한 공헌을 인정받아 프랑스는 1904년에 그녀에게 레지옹 도뇌르 훈장을 수여하기도 했다. 미술 수집가들에게 좋은 조언자로서 도움을 준 메리 카사트였으나, 그녀의 예술에 대한 인정은 미국에서 더디게 이루어졌다. 미국의 그의 가족에게 돌아갔을 때에도 그는 그의 유명한 오빠인 알렉산더 카사트의 빛에 가려져 가족들 사이에서조차 그리 인정받지 못했다.[52]

메리 카사트의 오빠였던 알렉산더 카사트는 펜실베이니아 철도회사에서 1899년부터 1906년 사망할 때까지 회장직을 맡았다. 메리 카사트는 오빠의 죽음으로 많이 흔들렸으나 1910년까지 여전히 생산적인 활동을 계속했다.[53] 1900년대부터 그려진 그의 작품 속에서는 감상적인 기질이 확실하게 드러난다. 그녀의 작품들은 대중과 비평가들에게 동시에 호평을 받았으나, 메리 카사트는 더 이상 새로운 지평을 열지 못했으며, 한때 자극과 비평을 해주었던 인상주의 동료들도 죽어가고 있었다. 카사트는 후기인상주의, 야수파, 입체주의와 같은 미술계의 새로운 발전에 적대적이었다.[54] 1913년의 아모리 쇼에 그녀의 작품 두 점이 출품되었는데, 두 작품 모두 어머니와 아이의 이미지였다.[55]

1910년 이집트로 여행을 가게 된 메리 카사트는 고대의 이집트 미술 작품에서 깊은 인상을 받게 되었다. 그러나 이후 창조성의 가장 큰 위기가 뒤따랐으며, 이 여행은 그를 육체적으로 매우 지치게 만들었을 뿐만 아니라 "예술 그 자체의 힘에 의해 짓눌렸다"고 말했다. "나는 이에 맞서 싸우려고 했으나 이미 나는 정복당해버렸다. 이 예술은 과거가 우리에게 남겨준 가장 위대한 예술일 것이다. 나의 나약한 손은 이 과거의 예술이 내게 준 영향을 그림으로 옮길 만한 힘이 없다"고 했다.[56] 메리 카사트는 1911년 당뇨와 류머티즘, 그리고 신경통, 그리고 백내장의 진단을 받게 되었지만, 그는 작품 활동을 계속했다. 그러나 1914년 거의 실명 상태가 되자 작품 활동이 불가능하게 되었다. 1925년에 그녀는 루이스 우드루프, 차일드 하삼, 로버트 헨라이와 함께 신시내티 미술관에서 열린 제32회 연례 미국 미술 전시에 소개되었다.[57]

카사트는 1926년 6월 14일 파리 인근의 샤토 드 보프레인에서 사망했으며 프랑스 르메닐테리뷔스에 있는 가족 묘지에 안장되었다.

페미니즘 관점과 "신여성"

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메리 카사트의 《"피가로"를 읽음》 (1878), 펜실베이니아주 해버퍼드, 에릭 드 스포엘베르흐 부인 소장

카사트와 그녀의 동료들은 1840년대에 일어난 페미니즘의 물결의 한가운데 있었다. 그 결과 여성들은 오벌린이나 미시간 대학교와 같은 새로이 남녀공학이 된 대학에서 교육을 받을 수 있게 되었다. 마찬가지로 배서 칼리지, 스미스 칼리지, 웰즐리 칼리지와 같은 여자 대학들이 이 시기에 문을 열었다. 카사트는 여성 평등을 적극적으로 옹호했으며, 1860년대에는 친구들과 함께 여행 장학금의 남녀 평등을 위해 캠페인을 벌였고, 1910년대에는 투표권을 위해 활동했다.[58]

메리 카사트는 19세기의 "신여성"을 여성의 관점에서 묘사했다. 성공적이고 고도로 훈련된 미혼의 여성 예술가로서, 카사트는 엘런 데이 헤일, 엘리자베스 코핀, 엘리자베스 누스, 세실리아 보와 함께 "신여성"의 전형을 보여주었다.[59] 그녀는 여성이 지식 있고 사회적으로 활동적이어야 한다고 믿었던 지적이고 활동적인 어머니 캐서린 카사트의 영향을 받아, '새로운' 여성의 이미지를 재창조하는 심오한 시작을 열었다. 캐서린은 《'피가로'를 읽음》 (1878)에 묘사되어 있다.[60]

"신여성"으로서 독립성을 유지하고 결혼하지 않기로 선택한 카사트는, 당시 미술계의 엄격하고 제도화된 여성 혐오에 대한 반발로도 볼 수 있는데, 당시 여성 예술가의 결혼은 진지한 예술적 경력과 양립할 수 없는 것으로 여겨졌기 때문이었다.[61]

카사트가 자신의 작품에서 여성의 권리에 대해 명시적으로 드러내지는 않았으나, 여성에 대한 그녀의 예술적 묘사는 일관되게 품위 있고 깊고 의미 있는 내면 세계를 암시한다.[58] 그녀의 작품 중 상당수는 아이를 돌보는 어머니를 묘사하며, 그녀는 따뜻함과 주의를 기울여 그들을 그렸다.[62] 거리 풍경과 풍경화를 주로 그렸던 당시의 다른 인상주의자들과 달리, 카사트는 여성의 일상생활과 가정과 관련된 가사 노동을 주로 묘사하였다.[63] 인상주의 작품들이 전형적으로 여성을 수동적인 감상 대상으로 묘사했던 반면, 카사트는 여성을 자신의 환경에 적극적으로 참여하는 능동적인 관찰자로 묘사했다는 점이 당시로서는 이례적이었다. 카사트의 작품은 당시 남성 예술가는 사회적으로 접근할 수 없었던, 여성들의 사적이고 친밀한 공간에서 그들과 교류하며 제작되었다.[61] 하지만 카사트가 남녀 예술가에게 허용된 관찰 대상 사이의 단절을 간과한 것은 아니며, 자신의 작품에서 성관계의 복잡성을 묘사하는 것을 특히 즐겼다. 《박스석에서》(1878)는 이에 대한 좋은 예로, 오페라를 관람하는 젊은 여성을 멀리서 바라보는 남성을 묘사하고 있다. 그림 관람객 역시 이러한 관음증적 대상화에 동참하게 되면서 당시 사회적 역학 관계를 드러낸다.[64]

카사트는 더 소박한 여성적 환경을 묘사하며, 여성의 장면, 노동, 우정, 그리고 사생활을 고급 예술로 승화시켰다.[65] 카사트는 종종 이러한 점 때문에 비판을 받았고, 너무 여성적이라는 이유로 무시되기도 했다.[63] 카사트는 "여성 예술가"로 정형화되는 것에 거부했다. 그녀는 여성의 선거권을 지지했고, 1915년에는 헌신적이고 활동적인 페미니스트였던 루이진 해브마이어가 조직한 투표권 운동 지원 전시회에 18점의 작품을 출품했다.[66] 이는 여성 선거권 반대론자였으며 필라델피아 사교계와 함께 전시회를 보이콧했던 올케 유지니 카터 카사트와 갈등을 일으켰다. 이에 카사트는 원래 자신의 상속인들을 위해 남겨두었던 작품들을 팔아치워버렸다. 특히 유지니의 딸 엘런 메리의 탄생에서 영감을 받은 것으로 생각되는 《보트 파티》는 워싱턴 D.C.의 내셔널 갤러리에 팔렸다.[67][68]

드가와의 관계

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에드가 드가, 《카드 놀이를 하며 앉아 있는 메리 카사트》,  1880~1884c., 캔버스에 유채, 74 × 60 cm, 내셔널 포트레이트 갤러리. 카사트는 나중에 이 그림을 싫어하게 되었으며 1912년 또는 1913년에 자신의 딜러 폴 뒤랑뤼엘에게 "내가 이 그림의 모델이었다는 사실을 아무도 모르길 바란다"라고 썼다.

카사트와 드가는 오랜 기간 협력 관계를 유지했다. 두 화가는 작업실이 가까웠는데(카사트는 라발가 19번지, 드가는 프로쇼가 4번지),[69] 걸어서 5분도 안 되는 거리였고, 드가는 카사트의 작업실을 들러 조언을 해주고 모델을 구하는 것을 도와주곤 했다.[34]

그들은 공통점이 많았다. 예술과 문학 취향이 비슷했고, 부유한 배경 출신이었으며, 이탈리아에서 회화를 공부했고, 둘 다 독립적이며 결혼하지 않았다. 현재로서는 편지가 남아 있지 않아 그들 사이의 친밀도를 가늠할 수 없으나, 보수적인 사회적 배경과 강한 도덕적 원칙을 고려할 때 연인 관계였을 가능성은 낮다. 빈센트 반 고흐의 편지에 따르면 드가는 성적으로 매우 잘 절제했음을 알 수 있다.[70] 드가는 카사트에게 파스텔과 판화를 알려주었고 카사트는 이를 빠르게 마스터했으며, 카사트는 드가가 미국에서 명성을 쌓고 그림을 판매하는데 도움을 주었다.[71]

두 사람 모두 자신을 인물 화가로 여겼다. 미술사학자 조지 섀클퍼드에 따르면 그들이 미술 비평가 루이 에드몽 뒤랑티의 소책자 "새로운 회화"에서 호소한 인물화의 활성화 주장에 영향을 받았다고 제안한다. "화병처럼 취급되는 정형화된 인체와 작별하자. 우리에게 필요한 것은 옷을 입은, 사회적 환경 속에 있는, 집 안이나 거리 한가운데에 있는 특징적인 현대인이다."[72][73]

메리 카사트, 《자화상》, 1880년경, 종이 위에 흑연 위 구아슈 및 수채, 32.7 cm × 24.6 cm, 내셔널 포트레이트 갤러리. NPG.76.33[74]
《파란 안락의자의 어린 소녀》, 1878

1877년 카사트의 부모와 언니 리디아가 파리로 이사와 카사트와 함께 살게 된 이후, 드가, 카사트, 리디아가 루브르 박물관에서 함께 예술 작품을 연구하는 모습이 자주 목격되었다. 드가는 기술적 혁신으로 주목할 만한 두 점의 판화를 제작했는데, 리디아가 가이드북을 읽는 동안 루브르에서 작품을 바라보는 카사트를 묘사하고 있다. 이 작품들은 드가가 카미유 피사로 등과 함께 기획했던 잡지에 실릴 예정이었으나, 잡지는 출간되지 못했다. 카사트는 드가의 모델로 자주 활동했으며, 특히 모자를 써보는 모습을 그린 모자 연작에서 모델로 등장했다.

1884년경 드가는 카사트의 유채 초상화인 《카드 놀이를 하며 앉아 있는 메리 카사트》를 그렸다.[a] 카사트의 《자화상》(1880년경)은 동일한 모자와 드레스를 입은 모습을 보여주며, 미술사학자 그리젤다 폴록는 그들의 만남 초기에 함께 그렸을 것이라고 추측했다.[76]

카사트와 드가는 카사트가 판화 기법을 배우고 있던 1879~80년 가을과 겨울에 가장 긴밀하게 협력했다. 드가는 작은 인쇄기를 소유하고 있었고, 카사트는 낮에 그의 작업실에서 인쇄기 등을 사용하여 작업했으며 저녁에는 다음 날을 위한 식각판 연습을 했다. 그러나 1880년 4월, 드가는 두 사람이 공동 작업하던 판화 잡지에서 갑자기 손을 떼었고, 그의 지원이 끊기자 프로젝트는 무산되었다. 드가의 갑작스러운 철수는 카사트에게 큰 실망감을 안겨주었다. 그녀는 잡지에 싣기 위해 판화 《오페라 박스석에서》를 50 점이나 대량으로 제작하고 있었기 때문이다. 카사트는 이후에도 드가와 가깝게 지냈지만, 다시는 판화 잡지 때처럼 그와 긴밀하게 협헙하지 않았다. 매슈스는 그녀가 이 시기에 극장 장면을 그리는 것을 중단했다고 언급한다.[77]

드가는 카사트와 마찬가지로 자신의 견해에 솔직했다.[77] 그들은 드레퓌스 사건을 두고 충돌했다. (그녀는 경력 초기에 군법 회의에 회부된 드레퓌스 중위의 친척인 예술 수집가 모이즈 드레퓌스의 초상화를 그린 바 있었다.) [b][79][80] 카사트는 나중에 1915년 루이진 해브마이어가 기획한 그녀와 드가 공동 전시회가 여성의 선거권을 돕기 위해 열린 아이러니에 만족을 표했으며, 드가의 여성 혐오적 발언을 애정 어리에 대할 수도 있었고 그것에 상처받기도 했다. (그녀의 《과일을 따는 두 여인》을 처음 보았을 때 그는 "어떤 여성이 저렇게 그릴 권리는 없다"고 논평했다.)[81] 1890년대 이후로 그들의 관계는 일반적인 인상주의 화가들과의 관계와 마찬가지로 분명히 상업적으로 변했으나, [80][82] 그럼에도 불구하고 카사트와 드가는 드가가 1917년 사망할 때까지 서로를 계속 방문했다.[83]

2014년 내셔널 갤러리 오브 아트에서는 드가/카사트 전시회를 통해 두 사람의 오랜 우정을 조명했다.[84][85]

유산

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  • 메리 카사트는 비버 홀 그룹의 회원이었던 많은 캐나다 여성 예술가들에게 영감을 주었다.
  • 리버티선인 SS 메리 카사트호는 제2차 세계 대전 당시인 1943년 5월 16일에 진수되었다.[86]
  • 1985년 젊은 줄리아드 현악 음악가 4명이 화가를 기려 전원 여성으로 구성된 카사트 콰르텟을 결성했다.[87] 2009년 이 수상 경력의 그룹은 작곡가 댄 웰처의 현악 사중주 1~3번을 녹음했으며, 앨범의 3번 사중주는 메리 카사트의 작품에서 영감을 받아 작곡되었다.[88]
  • 1966년 카사트의 그림 《보트 파티》가 미국 우표로 발행되었다. 나중에 그녀는 미국 우정공단에 의해 23센트의 위대한 미국인 시리즈 우표로 헌정되었다.[89]
  • 1973년 카사트는 전미 여성 명예의 전당에 헌액되었다.[90]
  • 2003년 그녀의 그림 네 점인 《어린 어머니》(1888), 《해변에서 노는 아이들》(1884), 《발코니에서》(1878/79), 《밀짚모자를 쓴 아이》( 1886c.)가 미국 보물 우표 시리즈의 세 번째 발행물로 재현되었다.[91]
  • 2009년 5월 22일, 그녀의 생일을 기념하여 구글 두들로 헌정되었다.[92]
  • 카사트의 그림은 400만 달러에 육박하는 가격에 팔렸며, 1996년 뉴욕 크리스티스에서 《박스석에서》는 기록적인 가격인 4,072,500달러에 판매되었다.[93]
  • 파리 12구의 공공 정원이 그녀를 기려 '자르댕 메리 카사트'(Jardin Mary Cassatt)라고 명명되었다.[94]

갤러리

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영화

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  • 메리 카사트: 현대 여성을 그리다(Mary Cassatt: Painting the Modern Woman). 감독: 알리 레이, 영국, 93분, 2023년[96]

각주

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  1. ↑ 그 카드들은 아마도 당시 예술가와 딜러들이 자신의 작업을 기록하기 위해 사용했던 명함판 사진(cartes de visite)일 것이다. 스테퍼니 스트래스닉은 드가가 카사트를 동료이자 독자적인 예술가로 표현하기 위한 장치로 그것들을 사용했다고 주장하지만, 카사트는 나중에 이 초상화를 싫어해 팔아버렸다.[75]
  2. ↑ 친드레퓌스파에는 카미유 피사로, 클로드 모네, 폴 시냐크, 메리 카사트가 포함되었다. 반드레퓌스파에는 에드가 드가, 폴 세잔, 오귀스트 로댕, 오귀스트 르누아르가 포함되었다.[78]
  1. ↑ Geffroy, Gustave (1894), “인상주의의 역사”, 《La Vie Artistique》: 268.
  2. ↑ Moffett, Charles S. (1986). 《새로운 회화: 인상주의 1874–1886》. San Francisco: The Fine Arts Museums of San Francisco. 276쪽. ISBN 0-88401-047-3.
  3. ↑ Davies, Lucy (2024년 6월 5일). “숨 막힐 듯 아름다운 전시: 필라델피아 미술관에서 열린 메리 카사트의 작품전 관람 후기” (영국 영어). 《The Spectator》. 2025년 3월 10일에 확인함.
  4. ↑ Mathews 1998, 3쪽.
  5. 1 2 Rubinstein, Charlotte Streifer (1982). 《미국 여성 예술가들: 초기 인도 시대부터 현재까지》. Boston, Mass.: Hall. ISBN 978-0816185351.
  6. ↑ Pollock 1998, 281–82쪽.
  7. ↑ Havemeyer, Louisine (1961). 열여섯 살부터 예순 살까지: 수집가의 회고록. 뉴욕: H.O. 하베마이어 여사와 메트로폴리탄 미술관을 위한 개인 출판.. p. 272.
  8. ↑ Perlman 1991, 1쪽.
  9. 1 2 “Mary Cassatt - The Complete Works - Biography - marycassatt.org”. 《www.marycassatt.org》. 2019년 11월 19일에 확인함.
  10. ↑ Mathews, 1994, p. 11
  11. ↑ McKown 1972, 10–12쪽.
  12. ↑ Mathews, 1994, p. 26
  13. ↑ Mathews, 1994, p. 18
  14. ↑ McKown 1972, 16쪽.
  15. ↑ Mathews, 1994, p. 29
  16. 1 2 Mathews, 1994, p. 31
  17. 1 2 Mathews, 1994, p. 32
  18. ↑ Mathews 1994, 54쪽.
  19. ↑ Mathews 1998, 47쪽.
  20. ↑ Mathews 1998, 54쪽.
  21. ↑ Mathews, 1998, p. 75
  22. ↑ Mathews 1994, 74쪽.
  23. ↑ McKown, 1974, p. 36
  24. ↑ Mathews, 1994, p. 76
  25. ↑ Mathews, 1994, p.79
  26. ↑ Mathews 1994, 87쪽.
  27. ↑ Mathews, 1998, p.104-105
  28. ↑ Mathews, 1994, p.96
  29. ↑ Mathews, 1998, p. 100
  30. ↑ Mathews, 1994, p.107
  31. ↑ Weinberg, Authors: H. Barbara (October 2004). “M메리 스티븐슨 카사트 (1844–1926) | 에세이 | 메트로폴리탄 미술관 | 하일브룬 미술사 연대표” (영어). 《The Met’s Heilbrunn Timeline of Art History》. 2024년 3월 29일에 확인함.
  32. ↑ Mathews 1998, 114쪽.
  33. ↑ Mathews, 1994, p.118
  34. 1 2 Mathews 1994, 125쪽.
  35. ↑ Zerbe, Kathryn J. "에밀리 카의 삶과 작품에 나타난 필수적인 타인과 자발적 회복: 질병의 완화와 회복탄력성을 이해하는 데 있어 시사점." International Journal of Psychoanalytic Self Psychology 11.1 (2016): 28–49. PMC. Web. October 26, 2016.
  36. ↑ Mathews, 1998, p. 163
  37. ↑ Jones, Kimberly A. (2014). 《Degas Cassatt》. National Gallery of Art, Washington. 122쪽.
  38. ↑ Georgopulos, Nicole M. (December 2019). 《메리 카사트의 '반영'을 자화상으로 재해석하기》. 《Print Quarterly》. xxxvi. 425–38쪽.
  39. ↑ Mathews 1994, 128–31, 147쪽.
  40. ↑ McKown, 1974, p. 73
  41. ↑ McKown, 1974, pp. 72-73
  42. ↑ Mathews, 1994, p. 167
  43. ↑ “아이의 목욕”. 《The Art Institute of Chicago》. 2012년 5월 16일에 원본 문서에서 보존된 문서. 2012년 4월 9일에 확인함.
  44. ↑ Mathews, 1998, p. 182 and note, p. 346
  45. ↑ Kloss 1985, 106쪽.
  46. ↑ “여성 인상파 화가들: 베르트 모리소, 메리 카사트, 에바 곤잘레스, 마리 브라크몽” (영어). 《FAMSF》. 2009년 10월 10일. 2021년 10월 7일에 확인함.
  47. ↑ McKown, 1974, p. 155.
  48. ↑ McKown, 1974, pp. 124-126.
  49. ↑ Lunardini, Christine A. (1997). 《모든 미국인이 알아야 할 여성 역사에 대한 것들》. Holbrook, Mass.: Adams Media Corporation. 129쪽. ISBN 978-1-55850-687-9.
  50. ↑ Webster, Sally (2004). 《이브의 딸/현대 여성: 메리 카사트의 벽화》. Urbana and Chicago: University of Illinois Press. 132–139쪽. ISBN 978-0252075964.
  51. ↑ Nichols, K.L. “메리 카사트의 잃어버린 벽화와 1893년 만국 박람회의 다른 전시품들”. 2009년 9월 28일에 원본 문서에서 보존된 문서.
  52. ↑ McKown, 1974, p. 182.
  53. ↑ Mathews, 1998, p. 281
  54. ↑ Mathews 1998, 284쪽.
  55. ↑ “1913년 아모리 쇼 갤러리별 목록”. New York Historical Society. 2014년 2월 1일에 확인함.
  56. ↑ Mathews, 1998, p. 291
  57. ↑ “Gratz Gallery - Biography of Louise Woodroofe”. 《gratzgallery.com》. 2023년 12월 10일에 확인함.
  58. 1 2 Gaze, Delia 편집 (1997). 《여성 예술가 사전》. London: Fitzroy Dearborn Publishers. ISBN 978-1884964213. OCLC 37693713.
  59. ↑ Museum, Newark; Center, Frick Art & Historical (2006). 《좌상에서 내려와: 호머, 체이스, 그리고 서전트의 예술에 나타난 새로운 여성들》 (영어). Rutgers University Press. 25쪽. ISBN 978-0-8135-3697-2.
  60. ↑ Bradway, Rich (2013년 3월 29일). “일러스트레이션에 대한 새로운 관점: 깁슨과 카사트: 서 김의 새로운 여성 묘사 - 노먼 록웰 박물관 - 미국 일러스트레이션의 본고장” (미국 영어). Norman Rockwell Museum. 2023년 12월 10일에 확인함.
  61. 1 2 “메리 카사트: 남성으로부터 멀리 떨어진 세상에 대한 인상 | 예술 | 하버드 크림슨”. 《www.thecrimson.com》. 2024년 3월 29일에 확인함.
  62. ↑ Weinberg, Authors: H. Barbara (October 2004). “메리 스티븐슨 카사트(1844–1926) 에세이 메트로폴리탄 미술관 하일브룬 미술사 연대표” (영어). 《The Met’s Heilbrunn Timeline of Art History》. 2024년 3월 29일에 확인함.
  63. 1 2 “미술사 속 혁명적인 여성들: 메리 카사트” (캐나다 영어). 《www.halifaxpubliclibraries.ca》. 2020년 8월 10일. 2024년 3월 29일에 확인함.
  64. ↑ Lesso, Rosie. “메리 카사트: 신여성” (미국 영어). 《the thread》. 2024년 3월 29일에 확인함.
  65. ↑ Quinn, Bridget (2020년 8월 17일). “메리 카사트의 독립적이고 페미니스트적인 정신” (미국 영어). 《Hyperallergic》. 2024년 3월 29일에 확인함.
  66. ↑ Quinn, Bridget (2020년 8월 17일). “메리 카사트의 독립적이고 페미니스트적인 정신”. Hyperalergic. 2020년 8월 30일에 확인함.
  67. ↑ Mathews 1994, 306–10쪽.
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  69. ↑ Barter 1998, 354–355 "Mary Cassatt's Paris" (map)쪽.
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참고 자료

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  • McKown, Robin, The World of Mary Cassatt, Thomas Y. Crowell Co., 뉴욕, 1972년. ISBN 0-690-90274-3
  • Mathews, Nancy Mowll, Mary Cassatt: A Life, 1998년. 예일 대학 Press. ISBN 0-300-07754-8
  • 내셔널 미국 미술 박물관 (U.S.), & Kloss, W. 1985년. 내셔널 미국 미술 박물관의 보물들. 워싱턴:내셔널 미국 미술 박물관. ISBN 0-87474-595-0
  • White, John H., Jr. 1986년 봄, America's most noteworthy railroaders, 철도의 역사, Railway and Locomotive Historical Society, 154, p. 9-15. (알렉산더 J. 카사트의 가족에 대한 내용을 언급.)
  • Pollock, Griselda, Looking back to the Future. G&B. 2001년. ISBN 90-5701-132-8

외부 링크

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외부 동영상
카사트의 아이의 목욕
카사트의 박스석에서
카사트의 박스석의 진주 목걸이를 한 여인
카사트의 박스석 모두 스마트히스토리 출처

ㅍ

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