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앙리 마티스

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앙리 마티스
Henri Émile Benoît Matisse
신상정보
출생 1869년 12월 31일(1869-12-31)
프랑스 노르파드칼레 르샤토캄프레시스
사망 1954년 11월 3일(1954-11-03)(84세)
프랑스 니스
직업 화가, 조각가, 판화가, 석판화가, 그래픽 예술가, 데생화가, 도예가, 예술가, 디자이너, glass painter, 미술 이론가, stage painter
스승 귀스타브 모로
제자 마르셀 그로메르, Patrick Henry Bruce, 루드비그 카르스텐, 악셀 레볼, Jane Gumpert, Arvid Fougstedt, Carl Palme, Sigfrid Ullman, Filip Wahlström, Ingegerd Beskow, Milly Slöör-Tjäder, Nina Simonovich-Efimova, Hadar Jönzén, Brita Lagerström-Hald, Sigrun Stéenhoff-Hjertén, 마이 브링, Annelies Nelck, Mykola Burachek, 페르 크로그
후원자 세르게이 시추킨, 거트루드 스타인, 에타 콘, 클라리벨 콘, 사라 스타인, 앨버트 C. 반스
사조 인상주의, 분할주의, 야수파, 신인상주의, 후기인상주의
수상 레지옹 도뇌르 슈발리에
배우자 아멜리에(Amélie Noellie Parayre): 1898년 ~ 1939년; 이혼
자녀 3명
주요 작품
푸른 누드, 삶의 기쁨, 붉은 방, 모자를 쓴 여인, 춤
영향
서명

앙리 에밀 브누아 마티스(Henri Émile Benoît Matisse, 프랑스어: [ɑ̃ʁi emil bənwa matis]; 1869년 12월 31일 – 1954년 11월 3일)는 프랑스의 시각 예술가로, 자신만의 강렬한 색채와 유려하고 독창적인 드로잉으로 잘 알려져 있다. 그는 제도사, 판화가, 조각가였지만 주로 화가로 알려져 있다.[1]

마티스는 파블로 피카소와 함께 20세기 초 시각 예술의 혁명적인 발전을 이끌고, 회화와 조각 분야에서 중요한 발전을 이루어낸 예술가 중 한 명으로 널리 인정받고 있다.[2][3][4][5]

1900년에서 1905년 사이에 그가 그린 작품들의 강렬한 색채는 그를 야수파(Fauvism, "야수들"을 뜻하는 프랑스어) 중 한 명으로 유명하게 만들었다. 그의 걸작 중 상당수는 1906년 이후 10년 동안 제작되었으며, 이때 평면적인 형태와 장식적인 패턴을 강조하는 엄격한 스타일을 발전시켰다. 1917년, 그는 코트다쥐르의 니스 교외로 이주했으며, 1920년대에는 보다 편안한 스타일을 선보이며 프랑스 회화의 고전적 전통을 옹호하는 화가로서 비평가들의 찬사를 받았다.[6] 1930년 이후, 그는 형태의 더욱 대담한 형태 단순화를 시도했다. 만년에 건강 악화로 그림을 그릴 수 없게 되자, 그는 종이 오려 붙이기 콜라주 기법으로 중요한 작품들을 제작하였다.

반세기 이상에 걸친 작품에서 드러난 색채와 드로잉의 표현 언어에 대한 그의 탁월한 기량으로 그는 근대 미술의 선구자로 널리 인정받는다.[7]

초기 생애 및 교육

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《독서하는 여인》 (라 리죄즈), 1895년, 보드에 유채, 61.5 x 48 cm, 르 카토 캉브레지, 마티스 미술관 (르 카토)

마티스는 1869년 신년전야에 북프랑스 노르주 데파르트망의 르 카토 캉브레지에서 부유한 곡물 상인의 장남으로 태어났다.[8] 그는 피카르디의 보엥앙베르망두아에서 자랐다. 1887년, 그는 파리로 가서 법학을 공부했으며, 자격을 취득한 후 르 카토 캉브레지에서 법원 행정관으로 일했다. 그는 1889년 충수염 수술 후 회복 기간 동안, 어머니가 선물해 준 미술 용품으로 그림을 그리기 시작했다. 그는 나중에 미술 속에서 "일종의 낙원"을 발견하여[9] 화가가 되기로 결심하였고, 이는 아버지에게 깊은 실망을 안겨주었다.[10][11]

1891년, 그는 파리로 돌아와 윌리암 아돌프 부그로가 이끄는 줄리안느 아카데미과 귀스타브 모로가 이끄는 에콜 데 보자르에서 미술을 공부했다. 처음에는 전통적인 스타일로 정물화와 풍경화를 그렸는데, 곧 상당한 숙련도를 보였다. 마티스는 장바티스트 시메옹 샤르댕, 니콜라 푸생, 앙투안 바토와 같은 초기 대가들의 작품뿐만 아니라 에두아르 마네와 같은 현대 예술가, 그리고 일본 미술의 영향을 받았다. 샤르댕은 마티스가 가장 존경했던 화가 중 한 명이었다. 미술 학생 시절 그는 루브르 박물관에서 샤르댕의 그림 네 점을 모사했다.[12]

1896년, 당시 무명의 미술 학생이었던 마티스는 브르타뉴 해안의 벨 일 섬에 있던 호주 화가 존 러셀을 방문했다.[13][14] 러셀은 그에게 인상주의와 러셀의 친구였던 빈센트 반 고흐의 작품을 소개하고, 반 고흐의 드로잉 한 점을 선물했다. 이때를 기점으로 마티스의 스타일은 완전히 바뀌어 흙색 팔레트를 버리고 밝은 색채를 사용하게 되었다. 그는 나중에 러셀이 자신의 스승이었고, 러셀이 그에게 색채론을 설명해 주었다고 말했다.[11] 같은 해, 마티스는 프랑스 국립 미술 협회 살롱에 다섯 점의 그림을 전시했으며, 그 중 두 점은 국가가 구입하였다.[15][14][16]

두 개의 회색조 사진으로, 각 사진은 타원형이다: 앙리 마티스(왼쪽)와 아멜리 마티스(오른쪽)
앙리 마티스와 아멜리 마티스, 1898년

1894년, 마티스는 모델 카롤린 조블로와의 사이에서 마르그리트라는 딸을 낳았다. 1898년에 아멜리 노엘리 파레르와 결혼했고, 두 사람은 마르그리트를 함께 키우며 두 아들 장(1899년 출생)과 피에르(1900년 출생)를 두었다. 마르그리트와 아멜리는 종종 마티스의 모델이 되었다.[17]

1898년, 카미유 피사로의 조언에 따라 그는 런던으로 가서 조지프 말로드 윌리엄 터너의 그림을 연구한 후 코르시카로 여행을 떠났다.[18] 1899년 2월 파리로 돌아온 그는 알베르 마르케와 함께 작업하며 앙드레 드랭, 장 퓌[19], 쥘 플랑드랭을 만났다. 마티스는 다른 사람들의 작품에 몰두했고, 존경하는 화가들의 작품을 사느라 빚을 졌다. 그가 집에 걸어 전시한 작품으로는 로댕의 석고 흉상, 고갱의 그림, 반 고흐의 드로잉, 그리고 세잔의 목욕하는 세 여인이 있었다. 마티스는 세잔의 회화적 구조와 색채 감각에서 주요 영감을 얻었다.[19]

1898년부터 1901년까지 제작된 마티스의 그림들은 폴 시냐크의 에세이 《외젠 들라크루아부터 신인상주의까지》를 읽은 후 분할주의 기법을 사용한 작품들이 많다.[18]

1902년 5월, 아멜리의 부모는 대규모 금융 스캔들인 앙베르 사건에 휘말렸다. 그녀의 어머니(앙베르 가문의 가정부)와 아버지가 스캔들의 희생양이 되었고, 그녀의 가족은 분노한 사기 피해자들의 폭도들에게 위협을 받았다.[20] 미술사가 힐러리 스펄링에 따르면, "그들이 공개적으로 노출되고 장인이 체포되면서, 마티스는 일곱 명으로 구성된 대가족의 유일한 가장이 되었다."[20] 1902년부터 1903년까지 마티스는 비교적 침울하고 형태에 집중하는 회화 스타일을 채택했는데, 이는 경제적 어려움 속에서 작품 판매를 위한 의도였을 수 있다.[20] 1899년, 마티스는 앙투안-루이 바리의 작품을 모사하며 처음 조각을 시도하였고, 자신의 에너지 대부분을 점토 작업에 쏟아부어 1903년에 《노예》를 완성했다.[21]

야수파

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《모자를 쓴 여인》, 1905년. 샌프란시스코 현대미술관

야수파는 1900년경에 시작되어 1910년 너머까지 계속되었다. 하지만 이 운동 자체는 1904년부터 1908년까지 단 몇 년 동안만 지속되었으며, 세 번의 전시회가 열렸다.[22][23] 이 운동의 리더는 마티스와 앙드레 드랭이었다.[22] 마티스의 첫 개인전은 1904년 앙브루아즈 볼라르의 갤러리에서 열렸지만[19] 큰 성공을 거두지는 못했다. 1904년 여름을 신인상주의 화가 시냐크와 앙리 에드몽 크로스와 함께 생트로페에서 지낸 후, 그의 밝고 표현적인 색채가 더욱 두드러지게 나타났다.[18] 그 해에 그는 신인상주의 스타일로 가장 중요한 작품인 《사치, 정적, 쾌락》을 그렸다.[18] 1905년, 그는 다시 남쪽으로 여행하여 앙드레 드랭과 함께 콜리우르에서 작업했다. 이 시기의 그의 그림들은 평평한 형태와 절제된 선이 특징이며, 이전보다 덜 엄격한 방식으로 점묘법을 적용하였다.

마티스와 현재 "야수파"로 알려진 예술가 그룹은 1905년 살롱 도톤의 한 방에서 함께 전시했다. 그림들은 대상의 자연적인 색깔을 고려하지 않고, 거칠고 종종 불협화음적인 색깔로 감정을 표현했다. 마티스는 살롱에서 《열린 창, 콜리우르》와 《모자를 쓴 여인》을 선보였다. 비평가 루이 보셀은 "순수한 색채의 향연"에 둘러싸인 외로운 조각상을 "야수들 사이의 도나텔로"라고 평했다.[24], 이는 야수파 작품들과 함께 전시되었던 르네상스 양식의 조각상을 언급한 말이었다.[25] 그의 평은 1905년 10월 17일 일간지 질 블라스에 실렸고 대중적인 용어가 되었다.[22][25] 이 전시는 비평가 카미유 모클레르가 "관객 얼굴에 물감 한 통을 던진 것 같다"며 혹독하게 비판했지만, 일부 호의적인 관심도 받았다.[25] 특별히 비난받았던 마티스의 그림 《모자를 쓴 여인》이 거트루드 스타인과 레오 스타인에게 팔리자, 궁지에 몰렸던 화가는 상당히 고무되었다.[25]

《콜리우르의 지붕》, 1905년, 캔버스 유채, 에르미타시, 러시아 상트페테르부르크

마티스는 앙드레 드랭과 함께 야수파의 리더로 인정받았다. 두 사람은 각자 추종자를 가진 우호적인 라이벌이었다. 다른 멤버로는 조르주 브라크, 라울 뒤피, 모리스 드 블라맹크가 있었다. 상징주의 화가 귀스타브 모로 (1826–1898)는 이 운동에 영감을 준 스승이었다. 파리 에콜 데 보자르의 교수였던 그는 학생들에게 형식의 선을 벗어나 자신의 비전을 따르도록 독려했다.

1907년, 기욤 아폴리네르는 라 팔랑헤에 실린 기사에서 마티스에 대해 언급하며, "마티스는 사치스럽거나 극단적인 시도를 한 것이 아니다. 그의 예술은 지극히 합리적이다"라고 썼다.[26] 그러나 당시 마티스의 작품은 격렬한 비판에 직면했고, 그는 생계를 유지하는 데 어려움을 겪었다.[11] 그의 그림 《누 블루》 (1907)는 1913년 시카고에서 열린 아모리 쇼에서 불태워졌다.[27]

1906년 이후 야수파 운동이 쇠퇴하기 시작했지만 마티스의 경력에는 큰 영향을 미치지 않았다. 그의 가장 훌륭한 작품 중 다수는 1906년에서 1917년 사이에 제작되었는데, 이때 그는 몽파르나스에서 활동하던 뛰어난 예술가 집단의 일원이었지만, 보수적인 외모와 엄격한 부르주아적 작업 습관 때문에 완전히 어울리지는 못했다. 그는 새로운 영향을 계속 흡수했다. 1906년에는 알제리로 여행하여 아프리카 예술과 원시주의를 연구했다. 1910년 뮌헨에서 대규모 이슬람 미술 전시회를 본 후, 그는 두 달 동안 스페인에서 무어 예술을 연구했다. 그는 1912년과 1913년에 다시 모로코를 방문했고, 탕헤르에서 그림을 그리는 동안 검은색을 색채로 사용하는 것을 포함하여 자신의 작품에 여러 가지 변화를 주었다.[28][29][30] 이러한 변화는 마티스의 작품에 강렬하고 절제되지 않은 색채 사용에 새로운 대담함을 불어넣었는데, 이는 《붉은 작업실》(1911)에서 잘 나타난다.[18]

마티스는 러시아 미술 수집가 세르게이 시추킨과 오랜 인연을 맺었다. 그는 시추킨으로부터 두 점의 그림을 의뢰받아, 《춤》(19019)과 《음악》 (1910)을 제작하였다. 《춤》의 초기 버전(1909)은 뉴욕 근대미술관에 소장되어 있다.

선별된 작품 (1901–1910)

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조각

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거트루드 스타인, 아카데미 마티스, 그리고 콘 자매

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앙리 마티스, 1933년, 칼 반 베흐텐 촬영

1906년 4월경, 마티스는 자신보다 11살 어린 파블로 피카소를 만났다.[11] 두 사람은 평생 친구이자 라이벌이 되었고 종종 비교된다. 둘 사이의 주요 차이점은 마티스는 자연에서 영감을 받아 그림을 그렸던 반면, 피카소는 상상력을 바탕으로 작업하는 경향이 더 강했다는 점이다. 두 예술가 모두 가장 좋아했던 주제는 여성과 정물화였으며, 마티스는 완전히 구현된 실내 공간에 인물을 배치하는 경향이 더 강했다. 마티스와 피카소는 거트루드 스타인과 그녀의 동반자 앨리스 B. 토클러스의 소개로 처음 만나게 되었다. 20세기 첫 10년 동안 파리에 거주했던 미국인들—거트루드 스타인, 그녀의 오빠 레오 스타인, 마이클 스타인, 그리고 마이클의 아내 사라 스타인—은 마티스의 그림을 수집하고 후원하는 중요한 인물이었다. 또한, 거트루드 스타인의 볼티모어 출신 미국인 친구들인 콘 자매 클라리벨과 에타는 마티스와 피카소의 주요 후원자가 되어 수백 점의 그림과 드로잉을 수집했다. 콘 컬렉션은 현재 볼티모어 미술관에 전시되어 있다.[33]

앙리 마티스, 모《로코 사람들》, 1915–16년, 캔버스 유채, 181.3 x 279.4 cm, 뉴욕 근대미술관[28]

많은 예술가들이 스타인의 살롱을 방문했지만, 이들 중 다수는 플뢰루스 거리 27번지에 있는 거트루드의 집에 걸리지 못했다. 레오와 거트루드 스타인의 컬렉션은 르누아르, 세잔, 마티스, 피카소의 작품이 주를 이루었던 반면, 사라 스타인의 컬렉션은 특히 마티스에 중점을 두었다.[34]

레오와 거트루드 스타인의 동시대인 마티스와 피카소는 그들의 사교계 모임의 일원이 되었고, 플뢰루스 거리 27번지에서 토요일 저녁마다 열리는 모임에 정기적으로 참여했다. 거트루드는 토요일 저녁 살롱의 시작을 마티스 덕분이라고 말하며, "점점 더 많은 사람들이 마티스의 그림을 보러 오기 시작했다 [...] 마티스가 사람들을 데려왔고, 모두가 누군가를 데려왔으며, 그들은 아무 때나 찾아와서 점점 귀찮아지기 시작했다"고 언급했다.[35]

토요일 저녁 모임을 자주 찾았던 파블로 피카소의 지인들 중에는 페르낭드 올리비에 (피카소의 애인), 조르주 브라크, 앙드레 드랭, 시인 막스 자코브와 기욤 아폴리네르, 마리 로랑생 (아폴리네르의 애인이자 화가), 그리고 앙리 루소가 있었다.[36]

그의 친구들은 젊은 예술가들을 가르치는 사립 비영리 학교인 마티스 아카데미를 설립하고 자금을 지원했다. 이 학교는 1907년부터 1911년까지 운영되었다. 아카데미 설립은 스타인 자매와 도미에르가 주도했으며, 한스 푸르만, 패트릭 헨리 브루스, 사라 스타인 등이 참여했다.[37]

마티스는 1912년부터 1913년까지 모로코에서 7개월을 보내며 약 24점의 그림과 수많은 드로잉을 제작했다. 그의 후기 그림에서 자주 등장하는 오리엔탈리즘 주제인 오달리스크 등은 이 시기로 거슬러 올라갈 수 있다.[38] 어항 속 금붕어 또한 마티스의 모로코 여행 이후 그의 작품에서 자주 등장하는 주제가 되었다.[39][40]

선별된 작품 (1910–1917)

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파리 이후

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《자화상》, 1918년, 마티스 미술관 (르 카토)
레오니드 마신과 함께 르 샹 뒤 로시뇰을 준비하는 마티스. 이 발레는 1920년 2월 2일 파리의 오페라 가르니에에서 초연되었다. 마신은 안무를 맡았고 마티스는 무대 장치, 의상, 커튼 디자인을 맡았다.[41]
파일:Le chant du Rossignol, Tamara Karsavina with dancers. Costume designs by Henri Matisse, 1920.jpg
르 샹 뒤 로시뇰, 타마라 카르사비나와 무용수들. 마티스의 의상 디자인, 1920년
《오달리스크》, 1920–21년, 캔버스 유채, 61.4 x 74.4 cm, 스테델릭 미술관

1917년, 마티스는 프랑스 니스 시의 교외인 시미에로 이주했다. 이후 10년 동안 그의 작품은 접근 방식이 완화되고 부드러워졌다. 이러한 "질서로의 회귀"는 제1차 세계 대전 이후 많은 예술의 특징이며, 피카소와 스트라빈스키의 신고전주의로의 회귀나, 드랭의 전통주의로의 회귀와 비교될 수 있다.[42] 마티스의 오리엔탈리즘 양식의 오달리스크 그림들은 이 시기의 특징이다. 이 작품은 인기가 있었지만, 일부 동시대 비평가들은 이를 피상적이고 장식적이라고 평했다.[43]

1920년대 후반, 마티스는 다시 다른 예술가들과 활발히 협업하였다. 그는 프랑스인뿐만 아니라 네덜란드인, 독일인, 스페인인, 그리고 몇몇 미국인과 최근 미국 이민자들과도 작업했다.

1930년 이후, 그의 작품은 새롭게 활기를 띄며 더욱 단순화되었다. 미국 미술 수집가 앨버트 C. 반스는 반스 재단을 위한 대형 벽화인 춤 II를 제작하도록 설득하였고, 이 작품은 1932년에 완성되었다. 이 재단은 마티스의 다른 그림 수십 점을 소장하고 있다. 단순화와 잘라내기 기법의 전조를 향한 이러한 움직임은 그의 그림 《대형 누워있는 누드》 (1935)에서도 분명히 드러난다. 마티스는 이 그림을 몇 달 동안 작업했으며, 22장의 사진으로 진행 과정을 기록하여 에타 콘에게 보냈다.[44]

제2차 세계 대전 시기

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마티스의 아내 아멜리는 남편이 젊은 러시아 이민 동반자 리디아 델렉토르스카야와 불륜 관계라고 의심하여 1939년 7월 41년간의 결혼 생활을 끝내고 재산을 균등하게 분할했다. 델렉토르스카야는 가슴을 총으로 쏴 자살을 시도했지만, 놀랍게도 심각한 후유증 없이 살아남아 마티스에게 돌아왔고, 남은 생애 동안 그의 곁을 지켰다. 그녀는 마티스의 집안일을 하고, 공과금을 내고, 편지를 타이핑하고, 꼼꼼하게 기록을 남기고, 작업실 일을 돕고, 사업을 관리하는 등 모든 일을 도왔다.[45]

마티스는 1940년 6월 나치 독일의 프랑스 침공 당시 파리를 방문 중이었으나, 가까스로 니스로 돌아왔다. 당시 뉴욕에서 갤러리를 운영하던 아들 피에르는 도피하라고 간청했다. 마티스는 프랑스 점령을 피해 브라질로 떠날 참이었지만 마음을 바꿔 비시 프랑스의 니스에 머물렀다. 1940년 9월, 그는 피에르에게 이렇게 썼다. "나는 마치 도망치는 것처럼 느껴졌다. 만약 가치 있는 모든 사람이 프랑스를 떠난다면, 프랑스에 무엇이 남겠는가?" 그가 레지스탕스 요원은 아니었지만, 프랑스에서 가장 존경받는 예술가가 남기로 선택했다는 사실은 점령된 프랑스인들에게 큰 자부심이 되었다.[46]

나치 독일이 1940년부터 1944년까지 프랑스를 점령하는 동안, 군사 독재 체제 하의 독일어권 국가들에 비해 파리에서는 "퇴폐 예술"에 대한 공격이 더 관대했다. 마티스는 히틀러가 경멸한다고 주장했던 다른 야수파 및 입체주의 예술가들과 함께 전시할 수 있었다. 하지만, 유대인 예술가들은 모두 프랑스 박물관과 갤러리에서 작품이 제거되었다. 프랑스에서 전시하는 프랑스 예술가들은 마티스를 포함하여 "아리안족" 임을 보장하는 서약을 해야 했다.[47] 그는 그래픽 아티스트로 활동하며 여러 책을 위한 흑백 일러스트레이션을 제작했고, 파리의 물로 스튜디오에서 100점 이상의 오리지널 석판화를 제작했다.

1941년, 마티스는 십이지장암 진단을 받았다. 수술은 성공적이었으나 심각한 합병증으로 거의 사망할 뻔했다.[48] 3개월 동안 침대에 누워 지내면서 그는 종이와 가위를 사용하는 새로운 예술 형태를 개발했다.[49]

같은 해, 모니크 부르주아라는 간호 학생이 마티스가 간호사를 구한다는 광고에 응했다. 마티스와 부르주아 사이에 플라토닉한 우정이 발전했다. 그는 그녀가 아마추어 예술가임을 알고 원근법을 가르쳤다. 부르주아가 1944년 일을 그만두고 수녀원에 들어간 후에도 마티스는 때때로 그녀에게 모델이 되어달라고 연락했다. 부르주아는 1946년에 도미니코회 수녀가 되었고, 마티스는 그녀를 기리기 위해 1943년에 이사한 작은 마을인 방스에 예배당을 그림을 그렸다.

마티스는 전쟁 내내 대체로 프랑스 남부에 고립되어 있었지만, 그의 가족은 프랑스 레지스탕스와 밀접하게 관련되어 있었다. 뉴욕의 미술상이었던 그의 아들 피에르는 자신과 관계하던 유대인 및 반나치 프랑스 예술가들이 프랑스를 탈출하여 미국으로 들어갈 수 있도록 도왔다. 1942년, 피에르는 뉴욕에서 "망명 예술가들"이라는 전설적인 전시회를 열었다. 마티스와 헤어진 아내 아멜리는 프랑스 지하 조직의 타자수로 일하다가 6개월 동안 투옥되었다. 마티스는 전쟁 중 레지스탕스에서 활동했던 딸 마르그리트가 렌느 교도소에서 게슈타포에게 고문을 당했고(거의 죽을 뻔했다) 독일의 라벤스브뤼크 강제 수용소로 이송되었다는 소식을 듣고 충격을 받았다.[10] 마르그리트는 연합군의 공습으로 멈춰선 열차에서 탈출하는 데 성공했다. 그녀는 전쟁의 마지막 날의 혼란 속에서 숲에서 살아남았고 동료 저항군에 의해 구조되었다.[50] 마티스의 학생이었던 루돌프 레비는 1944년에 아우슈비츠 강제 수용소에서 살해되었다.[51][52]

만년

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컷아웃

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1953년 파리 마티스 전시회 포스터, 1952년 서명된 컷아웃을 보여줌

1941년 복부암 진단을 받은 마티스는 수술을 받았지만 이로 인해 휠체어에 의존하고 종종 침대에 누워 지내야 했다. 그림과 조각은 신체적으로 어려워졌고, 조수들의 도움을 받아 종이 컷아웃 콜라주, 즉 데쿠파주를 만들기 시작했다. 그는 조수들이 과슈로 미리 칠한 종이들을 다양한 색상과 크기의 형태로 자르고, 이를 배열하여 활기찬 구성을 만들었다. 그 결과, 회화도 아니고 조각도 아닌 독특하고 입체적인 복합성을 지닌 예술 형식이 탄생했다. 그림이라고 하기에는 그림이 아니고, 조각이라고 하기에는 조각이 아니었다.[53][54] 그의 초기 작품들은 크기가 작았지만, 결국 그는 벽화와 방 크기의 작품들을 개발했다. 그는 자신의 말년을 두 번째 삶이라고 불렀는데, 이는 그의 이동성이 제한되었음에도 불구하고 컷아웃으로 만든 정원을 거닐 수 있었기 때문이다.[55][56]

종이 컷아웃은 마티스 생애 마지막 10년 동안 그의 주요 매체였지만, 이 기법을 처음 사용한 것은 이고르 스트라빈스키가 작곡한 오페라 르 샹 뒤 로시뇰의 장식을 디자인하던 1919년이었다.[54] 앨버트 C. 반스는 벽의 치수에 맞춰 판지 템플릿을 제작해 주었고, 마티스는 니스 스튜디오에서 채색된 종이 조각들을 배치하였다. 또 다른 컷아웃 작품은 1937년과 1938년 사이에 마티스가 세르게이 댜길레프의 발레 뤼스를 위한 무대 세트와 의상 작업을 할 때 만들어졌다. 그러나 마티스가 수술 후 침대에 누워있던 때에 비로소 컷아웃 기법을 이전의 실용적인 목적에서 벗어나 그 자체로 하나의 예술 형식으로 발전시켰다.[57][58]

《컷아웃》, 1952년

그는 1943년 프랑스 방스 언덕으로 이주하여, 그의 예술 서적인 《[[재즈 (앙리 마티스)|재즈]》]를 위한 첫 번째 주요 컷아웃 프로젝트를 제작했다. 그러나 이 컷아웃들은 독립적인 회화 작품이라기보다는 책에 실릴 스텐실 프린트용 디자인으로 구상된 것이었다. 이 시점에서 마티스는 여전히 컷아웃을 자신의 주요 예술 형태와는 별개로 생각했다. 그는 이 컷아웃에 대한 자신의 생각을 1946년 《재즈》 서문에 적었다. 자신의 경력을 요약한 후, 마티스는 컷아웃 기법이 제공하는 가능성을 언급하며 "예술가는 결코 자신에게, 스타일에, 명성에, 성공에 갇힌 포로가 되어서는 안 된다..."고 주장했다.[57]

재즈 이후 독립적으로 구상된 컷아웃 작품 수는 꾸준히 증가했으며, 결국 1946년의 《오세아니아의 하늘》과 《오세아니아의 바다》와 같은 벽화 크기의 작품으로 이어졌다. 마티스의 지시 아래, 그의 스튜디오 조수였던 리디아 델렉토르스카야는 새, 물고기, 해양 식물의 실루엣을 방 벽에 핀으로 고정했다. 이 두 점의 《오세아니아》 작품은 그가 몇 년 전 다녀왔던 타히티 여행을 상기시켰으며, 이처럼 큰 규모의 컷아웃 작품으로는 처음이었다.[59]

1954년 5월, 그의 컷아웃 《다발》을 살롱 드 메에 전시하여 성공을 거두었다.[60] 이 작품은 미국 수집가 시드니와 프랜시스 브로디의 의뢰로 제작되었으며, 이 컷아웃 작품들은 그들의 로스앤젤레스 집에 설치될 도자기로 재탄생하였다. 현재는 로스앤젤레스 카운티 미술관에 소장되어 있다.[61]

예배당 및 박물관

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1948년, 마티스는 방스 로사리오 예배당 디자인 작업을 시작하면서, 이 기법을 장식적인 맥락에서 더욱 발전시킬 수 있었다. 예배당 창문, 카수블, 성체함 문 등 모든 것을 컷아웃 방식으로 계획하는 경험을 통해, 그는 컷아웃 기법을 그의 대표 표현 수단으로 확실히 하였다. 1951년 마지막 그림을 완성하고 (조각은 그 바로 전 해에 마지막으로 완성) 마티스는 사망할 때까지 종이 컷아웃을 그의 유일한 표현 매체로 활용했다.[62]

1952년, 마티스는 자신의 작품을 전시하는 르 카토 마티스 미술관을 설립했으며, 이 박물관은 현재 프랑스에서 마티스 작품 소장량으로는 세 번째로 큰 규모이다.

데이비드 록펠러에 따르면, 마티스의 마지막 작품은 뉴욕 북부 록펠러 사유지 근처 포칸티코힐스 유니온 교회에 설치된 스테인드글라스 창문 디자인이었다. "그것은 그의 마지막 예술 작품이었으며 1954년 11월 그가 사망했을 때 그의 침실 벽에 모형이 걸려 있었다." 설치는 1956년에 완료되었다.[63]

사망

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마티스는 1954년 11월 3일, 84세의 나이로 심장마비로 사망했다. 그는 니스의 시미에 지역에 있는 모나스테르 노트르담 드 시미에 공동묘지에 안장되었다.[64]

유산

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앙리 마티스와 그의 아내 아멜리 노엘리의 묘비, 모나스테르 노트르담 드 시미에 공동묘지

마티스의 작품 중 공공 컬렉션에 의해 처음으로 소장된 그림은 1912년 피나코텍 데어 모데르네가 소장한 《제라늄이 있는 정물》 (1910)이었다.[65]

마티스의 아들 피에르 마티스 (1900–1989)는 1930년대 뉴욕에 현대 미술 갤러리를 열었다. 1931년부터 1989년까지 활동한 피에르 마티스 갤러리는 많은 유럽 예술가들과 몇몇 미국 및 캐나다 예술가들을 뉴욕에서 처음으로 소개하고 작품을 전시했다. 그는 호안 미로, 마르크 샤갈, 알베르토 자코메티, 장 뒤뷔페, 앙드레 드랭, 이브 탕기, 르 코르뷔지에, 폴 델보, 윌프레도 람, 장폴 리오펠, 발튀스, 레오노라 캐링턴, 자오 우키, 샘 프랜시스, 시몬 한타이, 조각가 테오도르 로자크, 레이몬드 메이슨, 레그 버틀러, 그리고 앙리 마티스의 작품을 포함한 여러 중요한 예술가들의 작품을 전시했다.[66][67]

니스의 시립 미술관인 마티스 미술관은 마티스의 초기 예술적 여정과 말년까지의 작품 세계를 아우르는 세계 최대 규모의 마티스 작품 컬렉션을 소장하고 있다. 1963년에 개관한 이 박물관은 시미에 지역에 있는 17세기 빌라인 빌라 데 자렌느에 위치해 있다.[68]

2005년 9월 8일, 헨리 크라비스와 뉴욕 근대미술관 신임 회장 마리-조제 드루인는 마티스의 작품 《매화》를 2천5백만 달러로 추정되는 가격에 구입했다.이 작품은 1970년 이후 대중에게 공개된 적이 없었다.[69]

1976년에 수성의 한 분화구가 그의 업적을 기려 마티스라는 이름으로 명명되었다.[70]

피카소 (영화) (1996)에서 조스 애클랜드가, 미드나잇 인 파리 (2011)에서 이브-앙투안 스포토가 마티스를 연기했다.

레이 브래드버리의 단편 소설 "앙리 마티스의 조심스러운 포커 칩"에는 한 미국 남성이 모노클로 사용할 포커 칩에 눈을 그리는 예술가에 대한 암시가 포함되어 있다.

나치 약탈 미술품

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많은 마티스 작품이 나치에 의해 압수되거나 유대인 수집가로부터 약탈당했으며, 나치 시대에 강제 판매로 소유주가 바뀌었다. 지난 20년 동안 마티스의 여러 작품은 제3제국 이전 소유자의 상속인에게 반환되었다. 프랑스 퐁피두 센터에서 헨리 풀드의 상속인에게 반환된 《붉은 벽》[71], 힐데브란트 구를리트의 아들 집 뮌헨에서 발견된 《앉아있는 여인》[72], 안나 자페 소유였던 《라 발레 드 라 스투르》가 이러한 예이다.[73] 독일 분실 미술품 재단은 분실 미술품 인터넷 데이터베이스에 마티스의 작품 38점을 등재하고 있다.[74]

최근 전시회

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2001년 10월 5일부터 2002년 1월 20일까지 후안 마치 재단, 마드리드에서 <마티스. 정신과 감성. 종이 작품> 전시회가 열렸다. 이 전시회는 "드로잉의 창조적인 획의 힘과 색채와 관련된 표현의 강렬함, 즉 마티스 작품의 두 가지 본질적인 기반 사이의 관계를 강조한다."[75]

2004년, 메트로폴리탄 미술관, 런던의 왕립예술원, 르 카토-캉브레지 마티스 미술관은 <마티스: 꿈의 직물: 그의 예술과 그의 직물> 전시회를 조직하여 마티스의 직물 컬렉션을 직물을 보여주는 작품들과 함께 전시했다. 이 전시는 마티스 미술관 (2004년 10월 23일–2005년 1월 25일), 왕립예술원 (2005년 3월 5일–5월 30일), 그리고 메트로폴리탄 미술관 (2005년 6월 23일–9월 25일)에서 열렸다. 도록은 힐러리 스펄링, 캐슬린 브루너, 앤 뒤마 등이 작성했다. ISBN 978-1-903-97347-9

2012년, <마티스: 진정한 그림을 찾아서>[76][77]는 메트로폴리탄 미술관, 코펜하겐 국립미술관, 그리고 파리의 퐁피두 센터, 국립 근대 미술관과 협력하여 조직되었다. 로베르타 스미스는 뉴욕 타임즈에서 이를 "[마티스]의 가장 스릴 넘치고 교훈적인 전시회"라고 묘사했다.[78] 이 전시는 파리 퐁피두 센터 (2012년 3월 7일–6월 18일), 메트로폴리탄 미술관 (2012년 12월 4일–2013년 3월 17일), 그리고 코펜하겐 국립미술관 (2012년 7월 14일–10월 28일)에서 열렸다. 도록은 레베카 라비노우와 도르테 아게센이 편집했다. ISBN 978-0300184976

앙리 마티스: 컷아웃은 2014년 4월부터 9월까지 런던의 테이트 모던에서 전시되었다.[79] 이 전시는 약 100점의 종이 목업(국제 공공 및 개인 컬렉션에서 대여)과 관련 드로잉, 판화, 삽화가 있는 책, 스테인드글라스, 직물 등 컷아웃 중 가장 크고 포괄적인 전시였다.[80] 총 130점의 작품이 그의 1937년부터 1954년까지의 작품들을 아울러 회고전으로 전시되었다. 테이트 모던 전시는 역사상 처음으로 50만 명 이상의 관람객을 유치했다.[81]

이후 이 전시는 뉴욕의 뉴욕 근대미술관으로 옮겨져 2014년 10월 12일부터 2015년 2월 10일까지 전시되었다. 20년 이상 전시되지 않았던 새로 보존된 컷아웃 <수영장>은 전시회의 중심 작품으로 갤러리에 돌아왔다.[82]

2015년 10월 30일부터 2016년 1월 18일까지 모건 라이브러리 & 뮤지엄은 그의 책 일러스트 프로젝트를 다룬 <그래픽 열정: 마티스와 북 아트> 전시회를 개최했다.[83]

2018년, 마티스의 작품은 호안 미로, 르 코르뷔지에, 레이몬드 하인스, 에릭 상디옹의 작품과 함께 리가, 라트비아의 장식미술디자인박물관에서 전시되었다.[84][85][86][87] "고블랭의 색채: 프랑스 국립 가구 컬렉션의 현대 고블랭"이라는 제목의 이 전시는 제6회 리가 직물 예술 행사 기간 동안 열렸다.[84][85][86][87]

2022년 5월 1일부터 9월 10일까지 뉴욕 근대미술관은 마티스의 그림 붉은 스튜디오와 함께 "붉은 스튜디오와 밀접하게 관련된 그림 및 드로잉"을 전시했다.

2023년에 메트로폴리탄 미술관과 휴스턴 미술관은 <색채의 현기증: 마티스, 드랭, 그리고 야수파의 기원>이라는 전시회를 공동 기획 및 전시하여 그들의 작품과 야수파의 탄생을 탐구했다. 메트로폴리탄 미술관은 2023년 10월 13일부터 2024년 1월 21일까지 이 전시회를 개최했으며, 휴스턴 미술관은 2024년 2월 25일부터 5월 27일까지 전시했다. 도록은 디타 애모리와 앤 뒤마가 작성했다.

2025년 4월 4일부터 8월 24일까지 파리 근대미술관은 <마티스와 마르그리트: 아버지의 눈을 통해> 전시회를 개최했다. 이 전시회는 마티스가 그의 딸 마르그리트를 그린 110점 이상의 그림, 드로잉, 판화, 조각을 40년 이상에 걸쳐 선보였다.[88] 전시회가 종료된 후, 마르그리트의 아들 클로드 뒤투이의 아내인 바르바라 도팽 뒤투이는 그녀가 전시에 대여했던 작품들을 파리 근대미술관에 기증했다. (클로드 뒤투이는 마르그리트와 조르주 뒤투이의 아들이었다.)[89]

작품 목록 일부

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회화

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삽화

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  • 장 콕토, 베르트랑 게강 (1892–1943); L'almanach de Cocagne pour l'an 1920–1922, Dédié aux vrais Gourmands Et aux Francs Buveurs[91]

저작

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  • 화가의 노트 ("노트 뒤느 팡트르") (1908)
  • 드로잉에 대한 화가의 노트 ("노트 뒤느 팡트르 쉬르 송 데생") (1939)
  • 재즈 (1947)
  • 마티스 온 아트, 잭 D. 플램 편집 (1973)
  • 앙리 마티스와의 대화: 잃어버린 1941년 인터뷰 (2013)

각주

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내용주

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  1. ↑ Myers, Terry R. (July–August 2010). 《움직이는 마티스》. 《The Brooklyn Rail》.
  2. ↑ “테이트 모던:앙리 마티스와 파블로 피카소”. Tate.org.uk. 2010년 2월 13일에 확인함.
  3. ↑ Adrian Searle (2002년 5월 7일). “Searle, Adrian, 중대하고 엄청난 전시회, The Guardian, Tuesday 7 May 2002”. 《Guardian》 (UK). 2010년 2월 13일에 확인함.
  4. ↑ “트라흐트만, 폴, 마티스 & 피카소, 스미소니언, 2003년 2월”. Smithsonianmag.com. 2010년 2월 13일에 확인함.
  5. ↑ “뒤샹의 소변기가 미술 설문조사에서 1위를 차지했다”. news.bbc.co.uk. 2004년 12월 1일. 2010년 12월 10일에 확인함.
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  7. ↑ 마그달레나 다브로프스키, 메트로폴리탄 미술관 19세기, 근현대 미술 부서. 출처: 앙리 마티스 (1869–1954) | Thematic Essay | Heilbrunn Timeline of Art History | The Metropolitan Museum of Art Retrieved 30 June 2010.
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  10. 1 2 Bärbel Küster. "일만 하고 누구의 말도 듣지 마세요." 쥐트도이체 차이퉁, 6 July 2007. (독일어)
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  12. ↑ Spurling, Hilary. 알려지지 않은 마티스: 앙리 마티스의 생애, 초기 시절, 1869–1908. p.86. accessed online 15 July 2007
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  15. ↑ 앙리 & 피에르 마티스, 코스모폴리스, 제2호, 1999년 1월
  16. ↑ Spurling (1998), 138.
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  18. 1 2 3 4 5 옥스포드 아트 온라인, "앙리 마티스"
  19. 1 2 3 Leymarie, Jean; Read, Herbert; Lieberman, William S. (1966), Henri Matisse, UCLA Art Council, p.10.
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  22. 1 2 3 존 엘더필드, "야수" 포비즘과 그 유사점, 1976, 뉴욕 근대미술관, p.13, ISBN 0-87070-638-1
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  57. 1 2 Elderfield, John (1978). 《앙리 마티스의 컷아웃》. 뉴욕: 조지 브라질러. 8쪽. ISBN 0-8076-0886-6.
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  60. ↑ 《마티스 두 번째 삶》. 하잔. 2005. 242쪽.
  61. ↑ “앙리 마티스: 라 제르브” (영어). 《LACMA》. 2021년 9월 26일에 확인함.
  62. ↑ Elderfield, John (1978). 《앙리 마티스의 컷아웃》. 뉴욕: 조지 브라질러. 9쪽. ISBN 0-8076-0886-6.
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  69. ↑ 현대미술관 '잃어버린' 마티스 작품 취득, 뉴욕 타임스, 2005년 9월 8일
  70. ↑ “마티스”. 《행성명칭 사전》. 국제천문연맹/미국 항공 우주국/미국 지질조사국. 2023년 8월 22일에 확인함.
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참고 문헌

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더 읽어보기

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  • 애모리, 디타와 앤 뒤마. <색채의 현기증: 마티스, 드랭, 그리고 야수파의 기원>. 뉴욕: 메트로폴리탄 미술관, 2023년. ISBN 978-1-588-39765-2.
  • 베르그루엔, 올리비에와 막스 홀라인, 편집. 앙리 마티스: 가위로 그리기: 만년의 걸작. 프레스텔, 2006년. ISBN 3791334735.
  • 보이스, 이브-알랭. <반스 재단의 마티스>, 필라델피아: 반스 재단; 뉴욕과 런던: 템스 & 허드슨, 2016년.
  • 캄피스, 안탈. 마티스. 부다페스트, 1959년.
  • 마머, 낸시. "마티스와 장식 전략," 아트포럼, 1966년 3월, pp. 28–33.
  • 라비노우, 레베카와 도르테 아게센, 편집. 마티스: 진정한 그림을 찾아서. 뉴욕: 메트로폴리탄 미술관, 2012년. ISBN 978-0300184976
  • 수크, 앨러스터, 앙리 마티스: 두 번째 삶. 펭귄, 2014년.
  • 뮐러, 마르쿠스. 앙리 마티스: 위대한 미술 대가들. 히르머 페를라크 GmbH, 뮌헨 2017년, ISBN 978-3-7774-2848-2.
  • 뮤렐, 데니스, <근대성의 포즈: 마네와 마티스부터 오늘날까지의 흑인 모델>. 뉴 헤이븐과 런던: 예일 대학교 출판부, 2018년.

외부 링크

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