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녹음과 재생

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프랜시스 덴스모어와 블랙풋족 추장 마운틴 치프가 미국 민족학국의 녹음 프로젝트에 참여하고 있다 (1916).

녹음(錄音, 문화어: 록음) 및 재생(sound recording and reproduction)은 음성, 노래, 악기 음악 또는 음향효과와 같은 소리 파동을 전기적, 기계적, 전자적 또는 디지털 방식으로 기록하고 재현하는 것이다. 음반 녹음 기술의 두 가지 주요 범주는 아날로그 녹음과 디지털 녹음이다.

음향 아날로그 녹음은 마이크 다이어프램이 음향 음파로 인해 발생하는 대기압의 변화를 감지하고 이를 축음기 음반(스타일러스가 음반에 홈을 파는 방식)과 같은 매체에 음파의 기계적 표현으로 기록함으로써 이루어진다. 자기 테이프 녹음에서는 음파가 마이크 다이어프램을 진동시키고 변화하는 전류로 변환된 다음, 전자석에 의해 변화하는 자기장으로 변환되어 자기 코팅이 된 플라스틱 테이프에 소리의 자기화된 영역으로 표현된다. 아날로그 음반 재생은 역과정으로, 더 큰 스피커 다이어프램이 대기압을 변화시켜 음향 음파를 형성한다.

디지털 녹음 및 재생은 마이크로폰이 포착한 아날로그 음향 신호를 표본화 과정을 통해 디지털 형태로 변환한다. 이를 통해 오디오 데이터를 더 다양한 매체로 저장하고 전송할 수 있다. 디지털 녹음은 오디오 신호의 진폭 샘플을 동일한 시간 간격으로 이진법 숫자(0과 1)의 연속으로 저장하며, 샘플링 속도는 들을 수 있는 모든 소리를 전달할 수 있을 만큼 충분히 높다. 디지털 오디오 신호는 증폭되어 소리를 생성하는 스피커에 연결되기 전에 재생 중 아날로그 형태로 재변환되어야 한다.

초기 역사

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기계식 오르간, 1650년

소리가 처음으로 녹음되기 훨씬 전부터 음악은 기록되었다. 처음에는 악보, 그 다음에는 기계 장치(예: 태엽 음악상자, 메커니즘이 스핀들을 돌려 금속 이빨을 튕겨 선율을 재현하는 방식)에 의해 기록되었다. 자동 음악 재생은 9세기까지 거슬러 올라가는데, 바누 무사 형제가 알려진 최초의 기계식 악기인 수력으로 작동하는 교환 가능한 실린더를 연주하는 오르간을 발명했다. 찰스 B. 파울러에 따르면, "... 표면에 돋아난 핀이 있는 이 실린더는 19세기 후반까지 음악을 기계적으로 생산하고 재현하는 기본 장치로 남아 있었다."[1][2]

1560년대의 로슬린 채플 조각들은 소리가 돌에 표현되어 생성된 클라드니 패턴을 기록하려는 초기 시도를 나타낼 수 있지만, 이 이론은 아직 결정적으로 입증되지 않았다.[3][4]

14세기에는 회전하는 실린더로 제어되는 기계식 종을 울리는 장치가 플란데런에 도입되었다. 비슷한 디자인이 배럴 오르간 (15세기), 뮤지컬 시계 (1598년), 배럴 피아노 (1805년), 그리고 음악상자 ( 1800c.)에 나타났다. 음악상자는 회전하는 실린더나 디스크에 배열된 핀들이 강철 빗의 조율된 이빨(또는 판 모양의 얇은 금속 조각)을 튕겨 소리를 내는 자동 악기이다.

1892년에 개발된 페어그라운드 오르간은 아코디언처럼 접힌 천공 카드 책 시스템을 사용했다. 1876년에 처음 시연된 자동 피아노는 긴 음악을 저장할 수 있는 천공된 종이 롤을 사용했다. 가장 정교한 피아노 롤은 수동 연주 방식으로, 라이브 연주자가 곡을 연주하면서 마스터 롤에 구멍을 뚫어 만든 마스터 롤의 복제품이었다. 따라서 롤은 단순히 악보를 전사하여 마스터 롤을 천공하는 일반적인 방법이 아니라 개인이 실제로 연주한 녹음을 나타냈다. 라이브 연주를 피아노 롤에 기록하는 이 기술은 1904년까지 개발되지 않았다. 피아노 롤은 1896년부터 2008년까지 연속적으로 대량 생산되었다.[5][6] 1908년 미국 연방 대법원 저작권 소송에서는 1902년에만 70,000~75,000대의 자동 피아노가 제조되었고, 1,000,000~1,500,000개의 피아노 롤이 생산되었다고 언급했다.[7]

포노토그래프

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공기를 통과하는 실제 소리를 녹음할 수 있었던 최초의 장치(단, 재생은 불가능했으며, 시각적 연구 목적으로만 사용됨)는 포노토그래프로, 1857년 파리의 발명가 에두아르레옹 스코트 드 마르탱빌이 특허를 받았다. 인간의 목소리를 녹음한 가장 오래된 기록은 1857년에 제작된 포노토그램이라고 불리는 포노토그래프 녹음이다.[8] 이 녹음은 종이에 진동하는 스타일러스가 그을음 코팅을 뚫고 지나가면서 생성된 음파 변조 흰색 선으로 구성되어 있다. 1860년 프랑스 민요 "오 클레르 드 라 륀"의 포노토그램은 2008년 스캔을 통해 소리를 그래픽적으로 인코딩한 물결 모양 선을 해당 디지털 오디오 파일로 변환하는 소프트웨어를 사용하여 처음으로 소리로 재생되었다.[8][9]

축음기

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토머스 에디슨이 전신과 전화라는 두 가지 다른 혁신에 대한 연구를 통해 축음기가 개발되었다. 에디슨은 1877년에 전신 신호를 종이 테이프에 기록하여 반복해서 전신으로 전송할 수 있는 기계를 연구하고 있었다. 축음기는 실린더와 디스크 형태로 모두 존재했다.

실린더

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1877년 4월 30일, 프랑스의 시인이자 유머 작가, 발명가인 샤를 크로는 파리 과학 아카데미에 자신의 제안된 방법인 팔레오폰을 완전히 설명하는 편지를 봉인된 봉투에 넣어 제출했다.[10] 작동하는 팔레오폰의 흔적은 발견되지 않았지만, 크로는 일부 역사가들에게 음반 녹음 및 재생 기계의 초기 발명가로 기억되고 있다.[11]

최초의 실용적인 음반 녹음 및 재생 장치는 기계식 축음기 실린더였으며, 토머스 에디슨이 1877년에 발명하고 1878년에 특허를 받았다.[12][13] 이 발명은 곧 전 세계로 확산되었고, 다음 20년 동안 음반 녹음의 상업적 녹음, 유통, 판매는 성장하는 새로운 국제 산업이 되었으며, 1920년대 초까지 가장 인기 있는 타이틀은 수백만 장이 팔렸다.[14] 1901년에는 왁스 실린더를 조각하는 대신 성형하여 대량 생산하는 공정이 시행되었다.[15] 대량 생산 기술의 발전으로 실린더 녹음은 산업 국가에서 주요 신소비재가 되었고, 실린더는 1880년대 후반부터 1910년경까지 주요 소비자 포맷이었다.

디스크

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1885년 왁스 디스크에 녹음된 벨의 목소리로, 2013년에 확인되었다 [자세한 내용]
에밀 베를리너와 디스크 레코드 축음기

다음 주요 기술 발전은 축음기 음반의 발명으로, 일반적으로 에밀 베를리너에게 공로가 인정되며 1887년에 특허를 받았다.[16] 그러나 다른 사람들도 이전에 유사한 디스크 장치를 시연했으며, 특히 1881년에 알렉산더 그레이엄 벨이 주목할 만하다.[17] 디스크는 제조, 운송 및 보관이 더 쉬웠고, 실린더보다 약간 더 큰 소리를 낼 수 있다는 추가적인 이점도 있었다. 축음기 음반의 판매량은 1910년경 실린더를 추월했으며, 제1차 세계 대전이 끝날 무렵 디스크는 지배적인 상업 녹음 형식이었다. 실린더의 주요 생산자였던 에디슨은 시장 점유율을 되찾기 위해 에디슨 디스크 레코드를 만들었다. 양면 (명목상 78rpm) 셸락 디스크는 1910년대 초부터 1950년대 후반까지 표준 소비자 음악 형식이었다. 다양한 형태의 오디오 디스크 형식은 20세기 말까지 소비자 음반의 주요 매체가 되었다.

보편적으로 인정되는 속도는 없었고, 여러 회사에서 다양한 속도로 재생되는 디스크를 제공했지만, 주요 음반 회사들은 결국 명목상 분당 78회전(78rpm)을 사실상의 산업 표준으로 정착시켰다. 지정된 속도는 미국에서는 78.26rpm, 전 세계적으로는 77.92rpm이었다. 속도 차이는 디스크 커팅 선반과 턴테이블을 보정하는 데 사용되는 스트로보스코프에 전력을 공급하는 AC 전기의 사이클 주파수 차이 때문이었다.[18] 디스크 형식의 명목상 속도는 78회전이라는 일반적인 별명을 낳았다 (다른 속도가 출시되기 전까지는). 디스크는 셸락이나 유사한 부서지기 쉬운 플라스틱 유사 재료로 만들어졌으며, 연강, 가시, 심지어 사파이어를 포함한 다양한 재료로 만든 바늘로 재생되었다. 디스크는 제조 방식에 따라 재생 수명이 현저히 제한되었다.

이전의 순수 음향 녹음 방식은 감도와 주파수 범위가 제한적이었다. 중간 주파수 범위의 음은 녹음할 수 있었지만, 매우 낮은 주파수와 매우 높은 주파수는 녹음할 수 없었다. 바이올린과 같은 악기는 디스크로 옮기기 어려웠다. 이를 해결하기 위한 한 가지 기술은 스트로 바이올린을 사용하는 것으로, 이는 다이어프램에 연결된 원뿔형 혼을 사용하며, 다이어프램은 다시 바이올린 브리지에 연결된다. 전기 녹음이 개발된 후에는 혼이 더 이상 필요 없게 되었다.

오랜 기간 재생 가능한 331⁄3 rpm 마이크로그루브 장시간 음반은 컬럼비아 레코드에서 개발하여 1948년에 출시되었다. 짧은 재생 시간이지만 편리한 7-인치 (18 cm) 45 rpm 마이크로그루브 비닐 싱글은 RCA 빅터에서 1949년에 출시되었다. 미국과 대부분의 선진국에서는 이 두 가지 새로운 비닐 형식이 1950년대 말까지 78 rpm 셸락 디스크를 완전히 대체했지만, 세계 일부 지역에서는 78 rpm이 1960년대까지 계속 사용되었다.[19] 비닐은 셸락보다 훨씬 비쌌는데, 이는 78 rpm 음반에 비닐을 사용하는 것이 매우 이례적인 여러 요인 중 하나였지만, 장시간 재생 디스크의 경우 추가 비용이 허용 가능했다. 소형 45 형식은 매우 적은 재료를 필요로 했다. 비닐은 스탬핑과 재생 모두에서 향상된 성능을 제공했다. 비닐 음반은 "깨지지 않는"다고 다소 낙관적으로 광고되었다. 깨지지 않는 것은 아니었지만, 왁스 실린더에 비해 깨지지 않는다고 선전되었던 셸락보다 훨씬 덜 깨지기 쉬웠다.

전기

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1932년에 출시된 고전적인 리본 마이크로폰인 RCA-44. 유사한 장치들은 1940년대에 녹음 및 방송에 널리 사용되었으며 오늘날에도 가끔 사용된다.

음반 녹음은 순전히 기계적인 과정으로 시작되었다. 텔레그라폰과 같이 증폭 수단이 없는 몇몇 조악한 전화 기반 녹음 장치를 제외하고는[a] 1920년대까지는 그러했다. 1877년 축음기 발명과 1970년대 초 최초의 상업적 디지털 녹음 사이에서, 음반 녹음 역사상 가장 중요한 이정표는 전기 녹음이라는 개념의 도입이었다. 이는 마이크로폰을 사용하여 소리를 전기 신호로 변환하고 이를 증폭하여 녹음 스타일러스를 작동시키는 방식이었다. 이 혁신은 음향 과정의 특징인 혼 소리 공명을 제거하고, 유용한 오디오 주파수 범위를 크게 확장하여 더 선명하고 풍부한 녹음을 생성했으며, 이전에는 녹음할 수 없었던 멀리 떨어진 미약한 소리도 포착할 수 있게 했다. 이 기간 동안 일렉트로닉스 분야의 여러 라디오 관련 발전이 융합되어 녹음 과정을 혁신했다. 여기에는 개선된 마이크로폰과 전자 필터와 같은 보조 장치가 포함되었으며, 이 모든 것은 녹음에 실용적으로 사용하기 위한 전자 증폭에 의존했다.

1906년, 리 디포레스트는 약한 전기 신호를 증폭할 수 있는 전자 밸브인 오디온 3극 진공관을 발명했다. 1915년까지 이 기술은 뉴욕과 샌프란시스코 간의 대화가 가능하도록 장거리 전화 회로에 사용되었다. 이 진공관의 개선된 버전은 1950년대 중반 최초의 트랜지스터 기반 오디오 장치가 상업적으로 도입될 때까지 모든 전자 음향 시스템의 기초가 되었다.

제1차 세계 대전 중 미국과 영국 엔지니어들은 독일 유보트를 훈련 목적으로 포함하여 다양한 소리를 녹음하고 재생하는 방법을 연구했다. 당시의 음향 녹음 방법으로는 소리를 정확하게 재현할 수 없었다. 초기 결과는 좋지 않았다.

대중에게 처음으로 발행된 전기 녹음은 별다른 홍보 없이 1920년 11월 11일 런던 웨스트민스터 사원에서 거행된 무명 용사 장례식이었다. 녹음 엔지니어들은 당시 전화에 사용되던 마이크로폰을 사용했다. 4개의 마이크로폰이 사원에 신중하게 설치되었고 외부 차량의 녹음 장비에 연결되었다. 전자 증폭이 사용되었지만, 오디오는 약하고 불분명했으며, 그 상황에서는 그럴 수밖에 없었다. 몇 년 동안 이 거의 주목받지 못한 디스크는 발행된 유일한 전기 녹음으로 남아 있었다.

여러 음반 회사와 독립 발명가, 특히 올랜도 마시는 1920년대 초 전기 녹음 장비와 기술을 실험했다. 마시의 전기 녹음 자필 음반은 주요 음반 회사들의 첫 출시보다 1년 빠른 1924년에 이미 대중에게 판매되고 있었지만, 전반적인 음질이 너무 낮아 전통적인 음향 방식에 비해 명확한 이점을 보여주지 못했다. 마시의 마이크로폰 기술은 특이했으며, 그의 작업은 다른 사람들이 개발 중인 시스템에 거의 영향을 미치지 않았다.[20]

전화 산업의 거대 기업인 웨스턴 일렉트릭은 어떤 음반 회사나 독립 발명가도 필적할 수 없는 자료와 인적 자원을 갖춘 연구소를 보유하고 있었다.[b] 그들은 1916년에 개발되어 1922년에 크게 개선된 콘덴서 유형의 최고 마이크로폰을 가지고 있었으며,[21] 최고의 앰프와 테스트 장비를 보유하고 있었다. 그들은 이미 1918년에 전기 기계식 녹음기를 특허받았고, 1920년대 초에는 하드웨어와 전문 지식을 집중적으로 활용하여 전자적으로 소리를 녹음하고 재생하는 두 가지 최첨단 시스템을 개발하기로 결정했다. 하나는 기존 디스크를 사용하는 것이었고, 다른 하나는 영화 필름에 광학적으로 녹음하는 것이었다. 그들의 엔지니어들은 전기 회로의 기계적 아날로그 사용을 개척하고, 디스크 녹음 시스템에서 왁스 마스터에 홈을 파기 위한 우수한 고무 라인 녹음기를 개발했다.[22]

1924년까지 극적인 발전이 이루어져 웨스턴 일렉트릭은 두 주요 음반 회사인 빅터 토킹 머신 컴퍼니와 컬럼비아 포노그래프 컴퍼니를 대상으로 시연회를 열었다. 두 회사 모두 곧 시스템 라이선스를 받았고, 1925년 2월에 최초의 전기 녹음을 발행했지만, 실제로 출시된 것은 몇 달 후였다. 기존 카탈로그가 즉시 구식이 되는 것을 피하기 위해, 오랫동안 경쟁 관계에 있던 두 회사는 1925년 11월까지 새로운 공정을 대중에게 알리지 않기로 비공개로 합의했다. 그 시점에는 예상되는 수요를 충족시킬 만큼 충분한 전기 녹음 레퍼토리가 준비될 것이었다. 그 후 몇 년 동안 소규모 음반 회사들은 다른 전기 녹음 시스템을 라이선스 받거나 개발했다. 1929년까지 저가 레이블인 하모니만이 오래된 음향 방식으로 새로운 녹음을 계속 발행하고 있었다.

현존하는 일부 웨스턴 일렉트릭 테스트 녹음과 초기 상업 출시작을 비교해보면, 음반 회사들이 녹음의 주파수 범위를 인위적으로 줄였음을 알 수 있다. 이는 비전자 재생 장비가 매우 낮은 주파수를 불쾌한 딸깍거리는 소리로 재생하고, 강하게 녹음된 고주파수로 인해 디스크가 빠르게 마모되는 것을 막기 위함이었다.

광학 및 자기

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가수 타티야나 안젤리니가 1938년 백설 공주와 일곱 난쟁이에서 백설 공주의 스웨덴어 목소리를 녹음하고 있다.

1920년대에 포노필름과 다른 초기 영화 사운드 시스템은 광학 녹음 기술을 사용했다. 이 기술에서는 오디오 신호가 사진 필름에 그래픽으로 기록되었다. 신호를 구성하는 진폭 변화는 광원을 변조하는 데 사용되었으며, 이 광원은 좁은 슬릿을 통해 움직이는 필름에 투영되어 신호가 사운드 트랙의 밀도 또는 폭의 변화로 촬영될 수 있도록 했다. 프로젝터는 안정적인 빛과 광검출기를 사용하여 이러한 변화를 다시 전기 신호로 변환했고, 이 신호는 증폭되어 스크린 뒤의 스피커로 전송되었다.[c] 광학 사운드는 전 세계적으로 표준 영화 오디오 시스템이 되었으며, 1950년대에 자기 사운드트랙으로 대체하려는 시도에도 불구하고 극장 개봉판에서는 여전히 그러하다. 현재 35mm 영화 필름의 모든 개봉판에는 아날로그 광학 사운드트랙이 포함되어 있으며, 일반적으로 돌비 SR 노이즈 감소 기능이 있는 스테레오이다. 또한 돌비 디지털 또는 소니 다이내믹 디지털 사운드 형태의 광학적으로 녹음된 디지털 사운드트랙이 존재할 가능성이 높다. 광학적으로 기록된 타임코드는 DTS 사운드트랙을 포함하는 CD-ROM을 동기화하기 위해 일반적으로 포함된다.

이 시기에는 덴마크 발명가 발데마르 폴센의 연구를 기반으로 한 최초의 실용적인 자기 녹음 시스템인 자기 와이어 레코더의 도입을 포함하여 몇 가지 다른 역사적인 발전이 있었다. 자기 와이어 레코더는 효과적이었지만 음질이 좋지 않아 두 차례의 세계 대전 사이에 주로 음성 녹음에 사용되었으며 비즈니스용 녹음기로 판매되었다. 1924년, 독일 엔지니어 커트 스틸레는 전자 앰프를 사용하여 텔레그라폰을 개선했다.[23] 다음 해, 루트비히 블라트너는 결국 블라트너폰을 생산하는 작업을 시작했는데,[24] 이는 철사 대신 강철 테이프를 사용했다. 영국방송공사는 1930년에 라디오 프로그램을 녹음하기 위해 블라트너폰을 사용하기 시작했다. 1933년, 라디오 개척자 굴리엘모 마르코니의 회사는 블라트너폰에 대한 권리를 인수했고, 새로 개발된 마르코니-스틸 레코더는 1935년 3월 BBC의 마이다 베일 스튜디오에 설치되었다.[25] 블라트너폰과 마르코니-스틸 레코더에 사용된 테이프는 면도날을 만드는 데 사용되는 것과 동일한 재료였으며, 당연히 무시무시한 마르코니-스틸 레코더는 너무 위험해서 기술자들이 안전을 위해 다른 방에서 작동해야 한다고 여겨졌다. 필요한 높은 녹음 속도 때문에 지름 약 1미터에 달하는 거대한 릴을 사용했으며, 얇은 테이프는 자주 끊어져 날카로운 면도날 강철 조각들이 스튜디오를 날아다녔다.

테이프

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자기 오디오 테이프: 아세테이트 베이스 (왼쪽) 및 폴리에스터 베이스 (오른쪽)

자기 테이프 녹음은 증폭된 전기 오디오 신호를 사용하여 테이프 헤드에 의해 생성되는 자기장의 유사한 변화를 생성하고, 이는 움직이는 테이프에 상응하는 자화 변화를 각인시킨다. 재생 모드에서는 신호 경로가 역전되어, 자기화된 테이프가 헤드를 지나갈 때 테이프 헤드가 소형 발전기 역할을 한다.[26] 원래의 단단한 강철 리본은 훨씬 더 실용적인 코팅된 종이 테이프로 대체되었지만, 아세테이트가 곧 종이를 표준 테이프 베이스로 대체했다. 아세테이트는 인장 강도가 상당히 낮고 매우 얇으면 쉽게 끊어지므로, 결국 폴리에스터로 대체되었다. 1950년대부터 1980년대까지 거의 모든 상업 녹음의 기초가 된 이 기술은 1930년대 독일 오디오 엔지니어들이 개발했으며, 그들은 또한 와이어 레코더에 1920년대에 처음 사용되었던 AC 바이어스 원리를 재발견하여 테이프 녹음의 주파수 응답을 극적으로 향상시켰다. K1 마그네토폰은 독일 AEG가 1935년에 개발한 최초의 실용적인 테이프 레코더였다. 이 기술은 제2차 세계 대전 직후 미국 오디오 엔지니어 존 T. 멀린이 빙 크로스비 엔터프라이즈의 지원을 받아 더욱 개선되었다. 멀린의 선구적인 레코더는 포획된 독일 레코더를 개조한 것이었다. 1940년대 후반, 암펙스 사는 미국에서 상업적으로 사용 가능한 최초의 테이프 레코더를 생산했다.

일반적인 콤팩트 카세트

자기 테이프는 라디오와 녹음 산업 모두에 대대적인 변화를 가져왔다. 소리는 동일한 테이프에 여러 번 녹음, 지우기, 재녹음할 수 있었고, 품질 손실이 거의 없이 테이프에서 테이프로 복제할 수 있었으며, 테이프를 물리적으로 자르고 다시 붙여 녹음을 매우 정확하게 편집할 수 있었다.

최초의 상업용 테이프 레코더인 1948년에 출시된 암펙스 200 모델이 도입된 지 몇 년 만에, 미국의 음악가이자 발명가인 레스 폴은 최초의 멀티트랙 테이프 레코더를 발명하여 녹음 산업에 또 다른 기술 혁명을 가져왔다. 테이프는 전자적인 수단으로 완전히 생성된 최초의 음반 녹음을 가능하게 했고, 뮤지크 콩크레트 학파와 카를하인츠 슈토크하우젠과 같은 아방가르드 작곡가들의 과감한 음향 실험의 길을 열었으며, 이는 다시 비틀즈와 비치 보이스와 같은 예술가들의 혁신적인 팝 음악 녹음으로 이어졌다.

이전에는 제한적으로 사용되던 번거로운 디스크 대 디스크 편집 절차에 비해 테이프 편집의 용이성과 정확성, 그리고 테이프의 일관된 고음질은 마침내 라디오 네트워크가 엔터테인먼트 프로그램을 정기적으로 사전 녹음하도록 설득했는데, 이전에는 대부분 라이브로 방송되었다. 또한 처음으로 방송사, 규제 기관 및 기타 관련 당사자들이 매일의 라디오 방송을 포괄적으로 오디오로 기록할 수 있게 되었다. 멀티트랙킹 및 테이프 에코와 같은 혁신은 라디오 프로그램 및 광고가 높은 수준의 복잡성과 정교함으로 제작될 수 있도록 했다. 무한 루프 방송 카트리지와 같은 혁신과 결합된 영향은 라디오 프로그램 콘텐츠 및 광고의 속도와 제작 스타일에 상당한 변화를 가져왔다.

스테레오와 하이파이

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1881년 파리 오페라에서 소리를 전송하는 실험 중, 서로 다른 마이크로폰에 연결된 이어폰을 양쪽 귀에 대고 있으면 무대 위 가수들의 움직임을 따라갈 수 있다는 것이 밝혀졌다. 이 발견은 1890년 테아트로폰 시스템으로 상업화되었고, 이 시스템은 1932년까지 40년 이상 운영되었다. 1931년, EMI에서 일하던 영국의 전자 엔지니어 앨런 블룸라인은 영화 속 배우의 소리가 화면을 가로지르는 움직임을 따라가게 하는 방법을 고안했다. 1931년 12월, 그는 이 아이디어를 포함한 특허 출원을 제출했고, 1933년에 이것은 영국 특허 번호 394,325가 되었다.[27] 다음 2년 동안 블룸라인은 스테레오 마이크로폰과 스테레오 디스크 커팅 헤드를 개발했으며, 스테레오 사운드트랙이 포함된 여러 단편 영화를 녹음했다.

1930년대에 자기 테이프를 이용한 실험은 고음질 스테레오 사운드를 녹음하고 재생할 수 있는 최초의 실용적인 상업용 사운드 시스템 개발을 가능하게 했다. 1930년대와 1940년대의 스테레오 실험은 동기화 문제로 어려움을 겪었다. 실용적인 스테레오 사운드의 주요 돌파구는 벨 연구소에 의해 이루어졌는데, 1937년에 필름에 이중 광학 사운드트랙을 사용하는 두 채널 스테레오의 실용적인 시스템을 시연했다.[28] 주요 영화 스튜디오들은 빠르게 3트랙 및 4트랙 사운드 시스템을 개발했고, 상업 영화를 위한 최초의 스테레오 사운드 녹음은 1938년 주디 갈런드가 MGM 영화 리슨, 달링을 위해 제작했다. 스테레오 사운드트랙이 포함된 최초의 상업적으로 출시된 영화는 1940년에 출시된 월트 디즈니의 환타지아였다. 1941년 환타지아 출시에는 판타사운드 사운드 시스템이 사용되었다. 이 시스템은 소리를 위한 별도의 필름을 사용했으며, 그림을 담고 있는 필름과 동기화되었다. 사운드 필름에는 4개의 이중 폭 광학 사운드트랙이 있었는데, 3개는 왼쪽, 중앙, 오른쪽 오디오용이었고, 네 번째는 3개의 녹음된 톤으로 3개의 오디오 채널의 재생 볼륨을 제어하는 제어 트랙이었다. 이 시스템이 요구하는 복잡한 장비 때문에 디즈니는 이 영화를 로드쇼로 상영했으며, 미국에서만 상영했다. 이 영화의 정규 개봉판은 1956년 디즈니가 시네마스코프 4트랙 자기 사운드 시스템을 사용하는 스테레오 사운드트랙으로 이 영화를 출시할 때까지 표준 모노 광학 35mm 필름 재고를 사용했다.

독일 오디오 엔지니어들은 자기 테이프를 사용하여 1941년까지 스테레오 녹음을 개발했다. 제2차 세계대전 중에 만들어진 250개의 스테레오 녹음 중 단 세 개만이 남아 있다. 발터 기제킹과 아서 로터의 베토벤 피아노 협주곡 5번, 브람스 세레나데, 폰 카라얀의 브루크너 교향곡 8번 마지막 악장이다.[d] 다른 초기 독일 스테레오 테이프는 폭격으로 파괴된 것으로 추정된다. 암펙스가 1940년대 후반에 최초의 상업용 2트랙 테이프 레코더를 출시하기 전까지는 스테레오 테이프 녹음이 상업적으로 가능하지 않았다. 멀티트랙 테이프의 가용성에도 불구하고 스테레오는 몇 년 동안 상업 음악 녹음의 표준 시스템이 되지 못했으며, 1950년대에는 전문 시장으로 남아 있었다. EMI(영국)는 상업용 스테레오 테이프를 출시한 최초의 회사였다. 그들은 1954년에 첫 스테레오소닉 테이프를 발행했다. 다른 회사들도 곧 뒤를 따랐고, His Master's Voice 및 컬럼비아 레이블로 출시되었다. 161개의 스테레오소닉 테이프가 출시되었으며, 대부분은 클래식 음악 또는 가곡 녹음이었다. RCA는 이 테이프들을 미국으로 수입했다. 미국에서 출시된 일부 영국 His Master's Voice 수입품은 최대 15달러에 달했지만, 2트랙 스테레오 테이프는 1950년대 후반 미국에서 더 성공적이었다.

1957년 후반 웨스트렉 스테레오 축음기 디스크가 도입된 후 스테레오 녹음의 역사가 바뀌었다. 이는 이전에 블룸라인이 개발한 그루브 포맷을 사용했다. 영국의 데카 레코드는 1940년대에 FFRR (풀 주파수 범위 녹음)을 출시했으며, 이는 비닐 음반의 고품질 녹음을 위한 전 세계 표준으로 국제적으로 인정받았다. 에르네스트 앙세르메가 지휘한 이고르 스트라빈스키의 페트루시카 녹음은 풀 주파수 범위 음반 개발과 1946년 대중에게 하이파이의 중요성을 알리는 데 핵심적인 역할을 했다.[29]

1960년대 중반까지 음반 회사들은 대부분의 인기 음악을 모노포닉 사운드로 믹싱하고 출시했다. 1960년대 중반부터 1970년대 초반까지, 주요 녹음들은 일반적으로 모노와 스테레오 모두로 출시되었다. 원래 모노로만 출시된 녹음들은 리믹싱에서 가짜 스테레오에 이르는 다양한 기술을 사용하여 스테레오로 재구성되어 출시되었다.

1950년대부터 1980년대까지

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자기 테이프는 녹음 산업을 혁신시켰다. 1950년대 초까지 대부분의 상업용 녹음은 디스크에 직접 녹음하는 대신 테이프에 마스터링되었다. 테이프는 녹음 과정에서 믹스와 여러 세대의 직접 녹음된 디스크로는 비실용적이었던 조작의 정도를 가능하게 했다. 초기 사례로는 레스 폴이 1951년에 하우 하이 더 문을 녹음하면서 폴이 8개의 오버더빙된 기타 트랙을 연주한 것을 들 수 있다.[30] 1960년대에는 비치 보이스의 브라이언 윌슨, 프랭크 자파, 그리고 비틀즈 (프로듀서 조지 마틴과 함께)가 그들의 랜드마크 앨범인 Pet Sounds,[31] Freak Out!, 그리고 Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band에서 멀티트랙 녹음 기술과 효과의 가능성을 탐구한 최초의 인기 아티스트 중 하나였다.[32]

다음으로 중요한 혁신은 소형 카트리지 기반 테이프 시스템으로, 1964년 필립스 전자 회사에서 상업화한 콤팩트 카세트가 가장 잘 알려져 있다. 처음에는 음성 녹음용 저음질 형식이었고 음악 재생에는 부적합했지만, 일련의 개선을 거쳐 경쟁 소비자 테이프 형식인 더 큰 8트랙 테이프[33] (주로 자동차에 사용됨)를 완전히 대체했다. 콤팩트 카세트는 주요 소비자 오디오 형식이 되었고, 전자 및 기계 소형화의 발전으로 1979년에 출시된 주머니 크기의 카세트 플레이어인 소니 워크맨이 개발되었다. 워크맨은 최초의 개인 음악 플레이어였으며, 사전 녹음된 카세트 판매에 큰 impetus를 주었다.[34]

오디오 충실도에 있어서 핵심적인 발전은 레이 돌비가 발명하여 1966년 전문 녹음 스튜디오에 도입된 돌비 A 노이즈 감소 시스템이었다. 이는 테이프에 마스터링하는 것의 유일하게 쉽게 들리는 단점인 히스(hiss) 배경 소음을 억제했다.[35] 데이비드 블랙머가 발명한 경쟁 시스템인 dbx도[36] 전문 오디오 분야에서 성공을 거두었다.[37] 돌비 노이즈 감소 시스템의 더 간단한 소비자 버전인 돌비 B는 카세트의 소형 테이프 형식과 느린 테이프 속도에서 발생하는 특히 높은 수준의 히스를 줄여 카세트 테이프 녹음의 소리를 크게 개선했다. 콤팩트 카세트 형식은 또한 더 넓은 주파수 응답과 낮은 내재 노이즈를 가진 코팅이 개발되면서 테이프 자체의 개선으로 혜택을 받았는데, 이는 종종 일반적인 산화철 대신 코발트 및 크롬 산화물을 자기 재료로 기반으로 했다.

멀티채널 오디오 카트리지는 1950년대 후반부터 1980년대까지 라디오 산업에서 널리 사용되었지만, 1960년대에는 사전 녹음된 8트랙 테이프가 리어젯 항공기 회사에서 소비자 오디오 형식으로 출시되었다.[e] 특히 자동차 시장을 겨냥한 이 제품은 최초의 실용적이고 저렴한 자동차 하이파이 시스템이었으며, 콤팩트 카세트보다 우수한 음질을 제공할 수 있었다. 더 작은 크기와 더 큰 내구성 – 8트랙 레코더가 드물었기 때문에 가정에서 녹음한 믹스테이프를 만들 수 있는 능력 – 으로 인해 카세트는 1970년대와 1980년대 휴대용 오디오 장치의 지배적인 소비자 형식이 되었다.[38]

수년 동안 멀티채널 사운드에 대한 실험이 있었지만 – 주로 특별한 음악 또는 문화 행사를 위한 것이었다 – 이 개념의 첫 상업적 적용은 1970년대 초 쿼드러포닉 사운드의 도입과 함께 시작되었다. 멀티트랙 녹음에서 파생된 이 개발은 4개의 트랙(스테레오에서 사용되는 2개 대신)과 4개의 스피커를 사용하여 청취자 주변에 360도 오디오 필드를 만들었다.[39] 최초의 소비자용 4채널 하이파이 시스템이 출시된 후, 여러 인기 앨범이 경쟁하는 4채널 형식 중 하나로 출시되었다. 가장 잘 알려진 것 중에는 마이크 올드필드의 Tubular Bells와 핑크 플로이드의 The Dark Side of the Moon이 있다. 쿼드러포닉 사운드는 상업적으로 성공하지 못했는데, 부분적으로는 경쟁적이고 다소 호환되지 않는 4채널 사운드 시스템(예: CBS, JVC, Dynaco 등 모두 시스템을 가짐)과 일반적으로 낮은 품질, 심지어 올바른 장비에서 의도한 대로 재생될 때도 출시된 음악의 품질이 좋지 않았기 때문이었다. 결국 1970년대 후반에 사라졌지만, 이 초기 시도는 DVD 도입 이후 인기를 얻은 가정용 서라운드 사운드 시스템의 궁극적인 도입을 위한 길을 열었다.[40]

오디오 구성 요소

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비교적 깨지기 쉬운 진공관이 더 작고 튼튼하며 효율적인 트랜지스터로 대체되면서 1960년대 이후 소비자 하이파이 사운드 시스템 판매도 가속화되었다. 1950년대에는 대부분의 축음기가 모노였고 음질이 비교적 낮았다. 고품질 스테레오 사운드 시스템을 감당할 수 있는 소비자는 거의 없었다. 1960년대에는 미국 제조업체들이 새로운 세대의 모듈식 하이파이 구성 요소들을 선보였다. 개별 턴테이블, 프리앰프, 앰프, 통합 앰프로 결합된 장치, 테이프 레코더 및 그래픽 이퀄라이저와 같은 기타 보조 장비들을 연결하여 완전한 홈 사운드 시스템을 만들 수 있었다. 이러한 발전은 주요 일본 전자 회사들에 의해 빠르게 채택되었으며, 이들은 곧 비교적 저렴하고 고품질의 트랜지스터 오디오 구성 요소들을 전 세계 시장에 쏟아부었다. 1980년대까지 소니와 같은 기업들은 음악 녹음 및 재생 산업의 세계적인 선두 주자가 되었다.

디지털

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아날로그 (빨간색) 및 4비트 디지털 (파란색) 음파의 그래픽 표현

디지털 음반 녹음과 1982년 콤팩트 디스크 (CD)의 등장은 녹음의 품질과 내구성에 상당한 개선을 가져왔다. CD는 소비자 음악 산업에 또 다른 거대한 변화의 물결을 일으켰고, 바이닐 레코드는 1990년대 중반까지 사실상 작은 틈새 시장으로 전락했다. 음반 산업은 원본 녹음의 완벽한 사본을 만들 수 있는 매체에서의 대량 불법 복제를 두려워하며 디지털 시스템 도입에 강력히 저항했다.

소니의 디지털 음반 녹음기

가장 최근의 혁명적인 발전은 디지털 녹음 분야에서 이루어졌으며, 다양한 압축 및 비압축 디지털 오디오 파일 포맷과, 프로세서가 디지털 데이터를 실시간으로 사운드로 변환할 수 있을 만큼 충분히 빠르고 강력해지고, 저렴한 대용량 스토리지가 개발되었다.[41] 이로 인해 새로운 유형의 디지털 오디오 플레이어가 탄생했다. 소형, 재기록 가능 디스크에 ATRAC 압축을 사용하는 미니디스크 플레이어는 1990년대에 출시되었지만, 솔리드 스테이트 비휘발성 플래시 메모리 가격이 하락하면서 구식이 되었다. 슈퍼 오디오 CD, DVD 오디오, 블루레이 디스크, HD DVD와 같이 단일 매체에 저장할 수 있는 데이터 양을 늘리는 기술이 사용 가능해지면서 더 길고 고품질의 프로그램이 단일 디스크에 담기게 되었다. 사운드 파일은 인터넷 및 기타 소스에서 쉽게 다운로드하여 컴퓨터 및 디지털 오디오 플레이어에 복사할 수 있다. 디지털 오디오 기술은 이제 적당한 품질의 음악 파일의 캐주얼한 사용부터 가장 까다로운 전문가용 애플리케이션에 이르기까지 오디오의 모든 영역에서 사용된다. 인터넷 라디오 및 팟캐스트와 같은 새로운 애플리케이션도 등장했다.

녹음, 편집, 소비 기술의 발전은 최근 수십 년 동안 음반 산업, 영화 산업, 텔레비전 산업을 변화시켰다. 오디오 편집은 자기 테이프 녹음의 발명으로 실용화되었지만, MIDI, 사운드 합성 및 디지털 오디오 워크스테이션과 같은 기술은 작곡가와 예술가에게 더 큰 제어력과 효율성을 제공한다. 디지털 오디오 기술과 대용량 스토리지는 녹음 비용을 절감하여 소규모 스튜디오에서도 고품질 녹음을 제작할 수 있게 했다.[42]

오늘날 녹음 제작 과정은 트랙킹, 믹싱, 마스터링으로 나뉜다. 멀티트랙 녹음은 여러 마이크로폰에서 또는 다른 테이크에서 테이프, 디스크 또는 대용량 스토리지로 신호를 캡처할 수 있게 하여 믹싱 및 마스터링 단계에서 이전에 불가능했던 유연성을 제공한다.

소프트웨어

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다양한 운영체제에서 실행되는 다양한 디지털 오디오 녹음 및 처리 프로그램이 있으며, 작은 프로젝트를 작업하는 일반 사용자 및 진지한 아마추어부터 앨범 녹음, 영화 음악 작곡 및 비디오 게임 사운드 디자인을 하는 전문 음향 엔지니어에 이르기까지 모든 목적에 사용된다.

음성 녹음 및 전사를 위한 디지털 받아쓰기 소프트웨어는 다른 요구 사항을 가지고 있다. 명확성과 유연한 재생 기능이 우선 순위이며, 넓은 주파수 범위와 고음질은 그렇지 않다.

문화적 영향

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많은 언론인들이 발언을 녹음하기 위해 녹음기를 사용한다.

19세기 아날로그 음반 녹음의 발전과 20세기 전반에 걸친 광범위한 사용은 음악 발전에 엄청난 영향을 미쳤다. 아날로그 음반 녹음이 발명되기 전에는 대부분의 음악이 라이브 공연이었다. 중세, 르네상스, 바로크, 고전, 그리고 낭만주의 음악 시대의 대부분 동안, 노래와 기악곡이 녹음되는 주된 방법은 악보를 통해서였다. 악보는 멜로디의 음높이와 리듬을 나타내지만, 연주의 많은 측면은 문서화되지 않았다. 실제로 중세 시대에는 그레고리오 성가에 성가의 리듬이 표시되지 않았다. 바로크 시대에는 기악곡에 종종 템포 지시가 없었으며[43] 일반적으로 꾸밈음 중 어느 것도 기록되지 않았다. 그 결과, 노래나 작품의 각 연주는 약간씩 달랐을 것이다.

그러나 아날로그 음반 녹음의 발전과 함께 연주는 음높이, 리듬, 음색, 장식음, 표현 등 모든 요소에서 영구적으로 고정될 수 있었다. 이는 연주의 훨씬 더 많은 요소가 포착되어 다른 청취자들에게 전파될 수 있음을 의미했다. 음반 녹음의 발전은 또한 훨씬 더 많은 사람들이 유명한 오케스트라, 오페라, 가수, 밴드의 음악을 들을 수 있게 했는데, 라이브 음악회를 볼 여유가 없는 사람도 녹음을 들을 수 있었기 때문이다.[44] 따라서 음반 녹음의 가용성은 음악 스타일을 새로운 지역, 국가 및 대륙으로 확산시키는 데 도움이 되었다. 문화적 영향은 여러 방향으로 퍼져나갔다. 음반 녹음은 서양 음악 애호가들이 아시아, 중동 및 아프리카 그룹과 연주자들의 실제 녹음을 들을 수 있게 하여 비서양 음악 스타일에 대한 인식을 높였다. 동시에 음반 녹음은 서양 밖의 음악 애호가들이 가장 유명한 북미 및 유럽 그룹과 가수들을 들을 수 있게 했다.[45]

디지털 녹음이 발전하면서 아날로그 대 디지털 논쟁으로 흔히 알려진 논란도 발전했다. 오디오 전문가, 오디오 애호가, 소비자, 음악가 모두 미디어와의 상호 작용과 아날로그 또는 디지털 프로세스에 대한 선호도에 따라 논쟁에 기여했다.[46] 이 논쟁에 대한 학술적 담론은 움직이는 이미지와 소리에 대한 인식에 초점을 맞추게 되었다.[47] 각 방법에 대한 개인적, 문화적 선호도는 다양하다. 접근 방식과 의견은 다르지만, 일부는 소리를 가장 중요하게 여기는 반면, 다른 일부는 기술 선호도를 결정적인 요인으로 본다. 아날로그 팬들은 작곡, 편집, 믹싱 및 청취 단계에서 매체의 본질적인 한계를 강점으로 받아들일 수 있다.[48] 디지털 지지자들은 유사한 과정에서 유연성을 자랑한다. 이 논쟁은 음악 산업에서 비닐의 부활을 촉진하고,[49] 녹음 및 믹싱 소프트웨어용 아날로그 전자 장치 및 아날로그 유형 플러그인의 부활도 촉진한다.

법적 지위

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저작권법에서 포노그램 또는 음반 녹음은 매체에 소리가 고정되어 생성된 저작물을 의미한다. 포노그램의 저작권 표시는 제네바 음반 조약이 ℗ (원 안에 P 문자)로 정의한 음원 녹음 저작권 기호를 사용한다. 이는 일반적으로 일반적인 © 기호를 사용하는 기초 음악 작품의 저작권 표시와 함께 사용된다.

녹음은 노래와 별개이므로 녹음에 대한 저작권은 일반적으로 음반 회사에 속한다. 예술가나 프로듀서가 이러한 권리를 보유하는 경우는 드물다. 음반 녹음에 대한 저작권은 미국에서 1972년부터 존재했으며, 음악 작품 또는 노래에 대한 저작권은 1831년부터 존재했다. 샘플링 및 비트 논쟁은 계속되고 있다.[42]

미국

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미국 저작권법은 "음반 녹음"을 시청각 작품의 사운드트랙이 아닌 "일련의 음악적, 구어적 또는 기타 소리의 고정으로 인한 저작물"로 정의한다.[50] 1972년 발효된 음반 녹음 수정법(SRA) 이전에는[51] 음반 녹음의 저작권은 주 차원에서 처리되었다. 연방 저작권법은 대부분의 주 저작권법을 선점하지만, SRA 발효 후 한 번의 전체 저작권 기간 동안 주 음반 녹음 저작권을 계속 허용하는데,[52] 이는 2067년까지를 의미한다.

영국

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1934년부터 영국의 저작권법은 음반 녹음(또는 포노그램)을 음악 저작물과 다르게 취급해 왔다.[53] 1988년 저작권, 디자인 및 특허법은 음반 녹음을 (a) 소리가 재생될 수 있는 소리의 녹음, 또는 (b) 녹음이 만들어진 매체나 소리가 재생 또는 생성되는 방법에 관계없이 작품 또는 그 일부를 재생하는 소리가 생성될 수 있는 문학, 연극 또는 음악 작품의 전체 또는 일부 녹음으로 정의한다. 따라서 비닐 레코드, 테이프, 콤팩트 디스크, 디지털 오디오테이프 및 녹음이 포함된 MP3를 포함한다.

같이 보기

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내용주

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  1. ↑ 현존하는 가장 오래된 전기 녹음은 1900년 파리 만국 박람회에서 텔레그라폰 자기 녹음기로 만들어졌다. 여기에는 프란츠 요제프 황제의 짧은 언급이 포함되어 있으며, 이후 발생한 드롭아웃 및 일부 잡음을 무시하면 음질은 당시의 전화와 비슷하다.
  2. ↑ 1925년 이 연구소들은 벨 전화 연구소로 개편되었고 아메리칸 텔레폰 & 텔레그래프 컴퍼니와 웨스턴 일렉트릭의 공동 소유 하에 있었다.
  3. ↑ 아이러니하게도 토키의 도입은 재즈 싱어 (1927)에 의해 주도되었는데, 이 영화는 광학 사운드트랙 대신 비타폰 사운드 온 디스크 시스템을 사용했다.
  4. ↑ 오디오 엔지니어링 협회는 이 모든 녹음을 CD로 발행했다. 바레스 사라반드는 LP로 베토벤 협주곡을 출시했으며, 이후 여러 차례 CD로 재발행되었다.
  5. ↑ 주어진 이름은 리어젯 스테레오 8이었지만, 그렇게 언급되는 경우는 거의 없었다.

각주

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  2. ↑ Koetsier, Teun (2001). 《On the prehistory of programmable machines: musical automata, looms, calculators》. 《Mechanism and Machine Theory》 36 (Elsevier). 589–603쪽. doi:10.1016/S0094-114X(01)00005-2.
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  18. ↑ Copeland, Peter (2008). 《Manual of Analogue Audio Restoration Techniques》 (PDF). London: The British Library. 89–90쪽. 2015년 12월 22일에 원본 문서 (PDF)에서 보존된 문서. 2015년 12월 16일에 확인함.
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더 읽어보기

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  • Read, Oliver, and Walter L. Welch, From Tin Foil to Stereo: Evolution of the Phonograph, Second ed., Indianapolis, Ind.: H.W. Same & Co., 1976. N.B.: This is an historical account of the development of sound recording technology. ISBN 0-672-21205-6 pbk.
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  • Weir, Bob, et al. Century of Sound: 100 Years of Recorded Sound, 1877-1977. Executive writer, Bob Weir; project staff writers, Brian Gorman, Jim Simons, Marty Melhuish. [Toronto?]: Produced by Studio 123, cop. 1977. N.B.: Published on the occasion of an exhibition commemorating the centennial of recorded sound, held at the fairground of the annual Canadian National Exhibition, Toronto, Ont., as one of the C.N.E.'s 1977 events. Without ISBN

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