사용자:MiNaTak/작업실

백:비자유 저작물의 인용

위키백과는 자유로운 콘텐츠 사용과 지식의 공유를 목표로 합니다. 따라서 위키백과의 콘텐츠는 상업적 이용을 포함한 어떤 목적으로든 저작권을 침해하지 않고 자유롭게 이용되어야 합니다. 이 기준을 만족하지 않기 때문에 자유로운 배포에 제한이 있는 저작물들을 비자유 저작물이라 합니다. 예를 들어, 배타적인 저작권을 가지고 있는 K-pop이나, 비영리적 목적으로만 사용해야 배포가 가능하다는 조건이 붙은 저작물 등은 자유 저작물이 아닙니다.

위키백과는 자유 저작물을 인용하는 것을 지향합니다. 그러나 일부 필요한 경우에는 한국어 위키백과 내에서 비자유 저작물을 인용하는 것이 허용되기도 합니다. 이는 위키미디어의 서버가 있는 미합중국과 다수의 한국어 위키백과 사용자들의 국적인 대한민국의 실정법에서 명시하고 있습니다. 위키미디어 재단 역시 라이선스 정책의 예외 원칙(EDP)을 허용함으로써 공정 이용을 인정하고 있습니다.

하지만 공정 이용은 자유로운 저작물의 배포를 지향하는 위키백과의 취지에 반하는 부분이 있기 때문에, 필요하고 특정적인 상황에서만 사용되어야 합니다. 필요 이상의 비자유 저작물을 이용하는 것은 문서를 재배포하는 사람에게 불이익이 있을 여지가 있으며, 대한민국과 미국의 관련 법률이 보장하는 범위에도 벗어날 수도 있습니다. 따라서 가능한 자유 저작물로 문서 작성이 가능하다면 비자유 저작물은 자유 저작물로 대체되어야 합니다. 또한, 문서의 양에 비해 인용의 범위가 너무 방대한 경우에도 문서의 분량을 늘리거나 인용을 줄임으로써 주종(主從) 관계를 견지해야 합니다.

이 문서는 위키백과에서 규정하는 라이선스 예외 원칙을 정의하는 역할을 합니다. 그러나 위키백과 내에서의 비자유 저작물의 공정한 이용 정책은 아래 명시하는 바와 같이 대한민국과 미국의 법률이 명시하는 조건보다 엄격히 적용됩니다.

라이선스 정책의 예외 원칙(EDP)

본 문서는 위키미디어 재단이 2007년 3월 23일에 결의한 저작권 정책에 따른 한국어 위키백과의 정책의 예외 원칙(EDP)입니다.

취지

이 원칙에는 3개의 기본 취지가 있습니다.

• 자유 저작물을 생산하여 모든 사용자나 매체가 제한없이 배포하고, 수정하고 이용할 수 있도록 하려는 위키백과의 궁극적인 목표를 이룰 수 있도록 해야한다.
• 엄격하게 규정된 상황에서만 인용을 허용함으로 비자유 저작물의 양을 제한하여, 의도적으로 대한민국 저작권법에서 규정한 공정한 관행에 합치되는 인용보다 더 제한적이도록 함으로써 법적인 위험을 최소화해야한다.
• 목적에 맞는 꼭 필요한 만큼의 비자유 저작물을 인용하도록 노력을 기울이면서 품질이 높은 백과사전을 만들어 나가야 한다.

원칙

본 원칙에서 비자유 저작물이란 자유 저작권이 없는 모든 저작권이 존재하는 그림 및 다른 미디어 파일들을 의미한다. 이러한 자료들은 위키백과의 다음 11가지 요건을 모두 만족할 때에만 인용이 허용된다.

1. 대치할 수 있는 자유 저작물이 없을 때에만: 이 저작물을 사용하지 않고 문서의 본문을 수정하는 것 만으로는 문서의 완성도를 현저하게 떨어뜨려서 문서 본래의 뜻을 이해하기 어렵다고 판단되는 경우이어야 한다.
2. 상업적 기회를 존중하면서: 비자유 저작물의 인용이 본래 그 저작물이 가지고 있었던 시장에서의 역할을 대신해서는 안된다.
3. 최소한으로:

   (가) 최소한의 인용으로: 각 문서와 전체 위키백과에서 비자유 저작물이 가능한 최소한으로 사용되어야 한다. 하나만으로 충분하다면 여러 개의 저작물은 인용될 수 없으며 그 하나도 꼭 필요한 경우에만 사용되어야 한다.

   (나) 인용범위가 최소화 되도록: 일부분으로 충분하다면 저작물의 전체가 인용되지 않아야 한다. 해상도, 충실도 샘플 길이 면에서 낮은 수준으로 사용되어야 한다. 이 요건은 그림 이름 공간에 있는 복제 저작물에도 역시 적용된다.

4. 이미 공개된 것들만: 위키백과 외부에 이미 적법하게 공개된 것들에 대해서만 인용할 수 있다.
5. 백과사전의 내용다운 것을: 비자유 저작물은 일반적인 위키백과의 내용물로서의 요구사항과 백과사전의 목적에 부합하는 것일 경우에만 인용될 수 있다.
6. 유형별 정책을 따라: 매체별 인용 정책에 따라서 인용되어야한다. 예를 들어, 그림의 경우에는 그림 인용의 지침에 따라야 한다.
7. 적어도 한 문서에서 사용될 때: 적어도 한 문서에는 꼭 사용이 되어야 한다.
8. 꼭 필요한 경우만: 비자유 저작물은 그 존재가 독자의 특정 주제에 대한 이해를 현저하게 증진시키며, 없을 때에는 그 이해가 저해될 때에만 인용될 수 있다.
9. 위치를 제한하여: 비자유 저작물은 백과사전의 문서에만 사용될 수 있다.
10. 저작물에 대한 설명과 함께: 다음의 정보가 함께 제공되어야 한다.

    (가) 출처에 대한 설명 (출처와 저작권자가 다를 경우에는 저작권자 정보도 함께 표시되어야 한다.)

    (나) 저작권 정보에 본 인용을 허용하는 위키백과의 원칙에 대한 명시 (그림의 저작권 정보를 이루는 정보들은 위키백과:그림의 저작권 표시/비자유 저작물을 참조하라)

    (다) 해당 저작물이 인용될 각 문서의 이름과 각 사용별로 공정한 관행에 합치하는 인용이라는 적절한 근거를 분명하게 밝혀야 한다.

11. 변형 불가: 인용 저작물에는 변형을 가할 수 없다. 예를 들어, 이효리의 초상에 그림을 덧그려서 올리면 안된다. 그러나 일부 인용은 가능. 변형을 할 수 없다고 하여 인용해야 하는 저작물 전체를 인용해야만 하는 것은 아니며, 필요한 부분만 부분적으로 잘라서 인용할 수 있다. 저작물의 형태에 따른 인용 지침이 존재한다면 이를 따라야 한다

시행

본 원칙에 부합하지 않는 저작물은 등록자에게 고지 후 48시간 후에 삭제된다. 삭제를 막으려면 저작물 등록자나 다른 위키백과 사용자가 10개의 요건에 맞는다는 신뢰할 만한 변호를 해야한다. 공정한 관행에 따르는 인용 저작물로 올려졌으나 아무 문서에서도 사용되지 않으면 (요건 7) 고지 후 7일 후에 삭제된다.

모든 문서가 아닌 일부 문서에서만 본 원칙의 취지에 위배되는 저작물인 경우에는 삭제되지 않지만, 충분한 근거가 제시되지 않는 문서에서는 사용이 제한된다.

비자유 저작물의 업로드

비자유 저작물을 한국어 위키백과의 저장소에 올리려면 먼저 다음 과정과 작업을 거쳐야 합니다.

먼저, 한국어 위키백과에 업로드 하려는 저작권의 형태를 고려해 분류:위키백과 비자유 파일 저작권 태그에서 알맞은 틀을 업로드 문서에 부착해주세요. 예를 들어, 영화의 포스터를 이용하기 위해서는 {{비자유 포스터}}를 부착해야 합니다.

{{비자유 저작물 사용 근거}}를 참고해 모든 매개변수를 채우세요. 특히, 출처와 사용 목적은 반드시 기재해야 합니다. 만약 두 개 이상의 문서에서 비자유 저작물이 사용된다면 비자유 저작물 사용 근거 틀 역시 인용된 문서의 수 만큼 각각 기재되어야 합니다.

대한민국 내에서는 퍼블릭 도메인이지만 기타 국가에서는 그렇지 않은 경우에는 {{공용에 올리지 마세요}}도 함께 붙여야 합니다. 이는 자유 저작물이지만, 위키미디어 공용에 올릴 수 없기 때문입니다.

인용 지침

위키백과는 지식의 자유로운 공유를 지향하지만, 지적 재산권자의 고유한 권리 역시 존중합니다. 따라서 위키백과에서 공정 이용할 수 있는 권한을 가진 업로더들은 아래의 기본 원칙을 반드시 준수하며, 책임감을 가지고 신중하게 공정 이용을 시행해야 합니다.

가능한 한 출처를 표시하고, 명확하게 한다.

원저작자의 기회와 권리를 침해하지 않으며, 창작자의 이익과 의사를 최대한 존중한다.

불법적인 경로와 방법을 통해 얻은 자료를 일체 사용하지 않는다.

텍스트

논점을 강조하거나 문장을 형성하기 위해 저작권이 보호되는 글을 짤막하게 인용할 수 있습니다.

1. 글은 가능한 있는 그대로 인용해야 하며, 중간 생략 등으로 변경되는 경우에는 식별이 가능하도록 표시하여야 합니다.
2. 인용 부분은 식별이 쉽도록 기호 등으로 반드시 표시해야 하고, 출처가 반드시 명시되어야 합니다. 이유 없이, 또는 길게 인용해선 안 됩니다.

다음에 해당하는 글은 해당 기준 역시 따라야 합니다.

• 노랫말 : 가요와 같은 음악의 노랫말은 일부 꼭 필요한 경우 외에는 인용하지 않습니다. 필요에 의해 노랫말을 수록할 경우에는 다음 기준을 따라야 합니다.

1. 문서 내 비평을 위해서 인용해야 합니다. 비평에 필요한 부분만 짤막하게 수록합니다.
2. 반드시 노랫말과 맞는 문서의 본문에만 써야 하며, 그 노래의 가수 문서나 다른 노래의 문서 등 해당 문서가 아닌 곳에서 인용해서는 안 됩니다.
3. 문서 전체에서 띄어쓰기를 포함하지 않고 300자를 초과하여 인용할 수 없습니다.
4. 인용한 가사에 해당하는 음악의 일부가 함께 인용되었을 경우에는 같은 위치에 놓아야 합니다.

• 언론 : 뉴스, 학술지 등이 언론에 해당합니다. 본문에서 인용될 때는 다음 지침을 고려해야 합니다.

1. 반드시 저자를 함께 명기해야 합니다.
2. 편향적으로 쓰여졌다고 판단되면 반대 입장의 기사 역시 수록하여 위키백과의 중립적 시각 정책을 준수해야 합니다. 중립적인 기술과 인용이 더이상 가능하지 않을 경우에는 인용된 부분을 본문에서 삭제해야 합니다.

• 책 : 소설, 수필, 시집, 만화책 등이 여기에 속합니다. 책의 내용을 인용할 경우, 다음 세부 기준을 만족해야 합니다.

1. 비평이나 보도를 위해서 인용해야 합니다.
2. 인용한 부분이 문서 본문의 대부분을 차지해서는 안 됩니다.
3. 줄거리를 설명할 때는 그대로 인용하지 말고 전체적인 내용을 요약해야 합니다.

이미지

사진이나 그림같은 정적인 시각 자료로, 포스터나 로고, 작품의 표지, 스크린샷 등도 포함합니다. 이미지를 공정하게 이용하기 위해서는 다음 기준을 고려해야 합니다.

1. 불필요하게 변형해서는 안 됩니다.
2. 중립적 시각을 준수하여야 합니다.
3. 자유 저작물로 대체할 수는 없는지 살펴보아야 합니다.
4. 적당한 크기로 인용해야 합니다.

다음 형태의 이미지인 경우에는 거기에 해당하는 기준 역시 따라야 합니다.

• 건축물 : 대한민국에서는 파노라마의 자유를 인정하고 있지 않으므로 거의 모든 건축물의 저작권은 보호됩니다. 건축물을 찍은 사진은 다음 세부 사항에 따라 인용해야 합니다.

1. 본문에 표시된 건축물 사진의 크기는 가로가 200 픽셀, 세로가 600픽셀을 초과할 수 없으며, 가로 세로의 곱이 100,000 픽셀을 초과할 수 없습니다. 또한, 저장된 건축물의 사진 역시 지나치게 커서는 안 됩니다.
2. 되도록이면 인공 조명이 없는 아침이나 낮 시간대의 건물 사진을 이용해야 합니다.

• 로고 : 로고가 정당하게 인용되었는지는 로고의 크기와 본문의 내용이 중요한 기준이 됩니다. 본문의 양이 지나치게 적은데도 불구하고 로고의 크기가 크다면, 로고가 정당한 범위 안에서 공정한 관행에 맞도록 인용되었다고 보기 힘들 수 있습니다. 따라서 로고 인용 시에는 가능한 한 다음의 세부 지침을 준수하여야 합니다.

1. 본문에 표시된 로고의 크기는 가로 세로의 곱이 10,000 픽셀을 초과할 수 없으며, 저장된 로고의 크기도 지나치게 크지 않아야 합니다. 또한 로고를 인용한 표제어의 내용이 상대적으로 적어서는 안 되며, 제목이나 문법을 제외하고 500자 이상이 되어야 합니다.
2. 가능한 한 로고의 크기나 모양의 변형이 없이 사용해야 합니다. 로고의 크기의 경우에는 알맞은 크기의 이미지를 직접 찾는 것이 좋으며, 부득이 크기 조절을 했더라도 로고의 사진 품질에 나쁜 영향을 끼치지 않아야 합니다.
3. 현재의 로고만 사용하고, 과거의 로고는 사용하지 않습니다. 만일 이미 없어진 단체에 대한 것이라면 가장 최근의 것만 사용합니다.
4. 로고에 슬로건이 있는 경우, 이것이 제외된 동일한 로고로 대체합니다.
5. 단순한 로고, 특히 단순히 문자만 나열된 로고는 저작권법으로 보호되지 않는 경우가 있으며, 이 경우에는 위키미디어 공용에 업로드해야 합니다.

• 스크린샷 :
• 음반 표지 사진 : 음반 표지 사진이 음악 저작물을 설명하는 데에 꼭 필요하지는 않지만, 시각 자료로 활용될 경우 독자의 이해를 돕는 등 큰 이점이 있습니다. 하지만 음반 표지 사진은 상대적으로 좀 더 엄격한 기준을 거쳐 인용됩니다.

1. 문서의 본 내용에 다음과 같은 정보가 모두 수록되어야 합니다.
   1. 음반의 기본 정보 (이름, 발매일, 음반사, 아티스트 등)
   2. 음반의 트랙 이름과 시간
   3. 음반의 아티스트나 저작권자에 대한 1개 이상의 내부 고리 (즉, 인용을 위해서는 먼저 원작자와 저작권자에 대한 항목이 선행되어야 합니다)
2. 인용된 사진은 출력 시 가로와 세로 중 짧은 것을 기준으로 150 픽셀 이상, 250 픽셀 이하이어야 합니다. 표지 사진은 고품질의 디지털 이미지를 사용하며, 직접 찍은 사진을 업로드하지 않습니다. 또한, 저장된 사진의 크기와 품질은 적당한 수준이어야 합니다.
3. 한정판이나 미발표작 등 대중들에게 일반적으로 공개되지 않은 표지는 저작권자의 허락 없이는 인용할 수 없습니다.
4. 대한민국에서 발표되지 않은 음반의 경우, 저작권법 제3조에 따라서 베른 협약이 적용됩니다. 베른 협약에서는 조약 체결국의 저작물도 자국민의 저작물과 동일한 적용을 하도록 규정하고 있으므로, 이 지침에서의 논의는 유효합니다.
5. 인용된 표지는 원저작물과 차이가 나서는 안 되며, 불필요해진 표지는 즉시 삭제합니다.
6. 표지에 대해서 원저작자가 이의를 제기할 경우, 인용의 필요성을 불문하고 즉시 삭제합니다. 이후, 동일한 이미지는 다시 업로드할 수 없습니다.

• 캡처 사진 : 캡처 사진이란 영화, 텔레비전 프로그램, 광고 영상 등을 포함한 모든 영상 매체 중 한 장면을 촬영한 사진을 말합니다. 캡처 사진을 인용할 때에는 다음 기준을 만족해야 합니다.

1. 비평이나 보도를 위해서만 쓰일 수 있습니다. 비평을 위해 인용할 경우 문서 내에서 비평 부분의 글자 수는 띄어쓰기를 포함하지 않고 400자 이상이어야 합니다. 특필할 가치가 있는 일부 부분을 싣기 위해 인용할 경우에는 뉴스 등 신뢰할 수 있는 2차 출처에서 해당 부분이 언급되어야 하며, 주 기여자는 그에 따른 출처를 밝혀야 합니다.
2. 인용된 이미지의 크기는 가로 세로의 곱이 40,000 픽셀을 초과할 수 없습니다.
3. 원칙적으로 필요 없는 부분을 잘라내는 작업 외에 일체의 변형은 하지 않습니다.

소리

위키백과는 필요에 따라 소리도 인용할 수 있으며, 다음 지침을 반드시 따라야 합니다.

1. 저작권으로 보호되는 음악 중 상업적으로 판매되는 노래는 반드시 일부만 인용해야 합니다.
2. 소리의 중간 부분을 잘라내거나 변조하는 등의 변형은 허용되지 않습니다.

다음 유형에 해당할 경우, 해당 세부 지침을 지켜야 합니다.

• 음성 녹취록 :
• 음악 : 원칙적으로, 아직 공개되지 않은 음악을 포함하여 현재 국내외에서 유통 및 판매되고 있는 모든 음원은 업로드 하지 않습니다. 그러나 다음과 같은 경우에는 인용이 허용될 수 있습니다.

1. 비평이나 보도, 교육을 위한 목적으로 사용되어야 합니다. 예로, 표절논란이 발생한 음원에서 그 부분을 인용하여 독자의 이해를 도울 수 있습니다.
2. 인용된 음원의 길이는 30초보다 짧아야 합니다. 또한, 인용된 부분은 전체 길이의 15%를 초과해서는 안 됩니다.

동영상

이 문서에서 말하는 동영상은 음악, 이미지 등이 복합된 멀티미디어 매체 역시 포함합니다. 동영상 매체는 보통 배타적 저작권의 이해관계가 복잡하게 얽혀있는 경우가 많으므로, 위키백과에서 동영상의 인용에는 특히 신중해야 합니다. 동영상을 인용할 때에는 저작권을 필요이상으로 침해하지는 않는지 면밀히 검토해야 합니다. 동영상을 공정 이용하기 위해서는 다음 지침을 반드시 준수해야 합니다.

1. 불필요하게 변형해서는 안 됩니다.
2. 중립적 시각을 준수하여야 합니다.
3. 자유 저작물로 대체할 수는 없는지 살펴보아야 합니다.
4. 적당한 크기로 인용해야 합니다.
5. 저작물의 용량이나 해상도가 필요이상으로 커서는 안 되며, 영상의 품질에 문제가 없어야 합니다.

다음과 같은 형태의 동영상은 추가적인 조건이 적용됩니다.

• 광고 영상 : 위키백과에서 광고를 개제하는 것은 보통 허용되지 않습니다. 상업적인 광고를 위키백과에 인용하면 이해관계가 충돌할 수 있으며, 중립의 가치 역시 훼손할 수 있습니다. 모든 멀티미디어를 통한 광고를 포함해서, 광고를 인용할 때는 아래 기준을 엄격하게 따져서 신중하게 업로드해야 합니다.

1. 모든 상업적 광고는 인용할 수 없습니다.
2. 공익 광고나 재단 광고 등 비영리 광고를 인용하는 경우, 배포에 대한 창작자의 입장을 구하고 고려해야 합니다.
3. 비평 또는 교육적 목적을 위해 사용되어야 합니다.

• 비상업 영화 : 비상업 영화는 선전, 계몽, 실험, 교육 등의 목적을 위해 제작된 비영리적 목적의 영상 작품을 말하며, 다음 기준을 만족해야 합니다.

1. 비평이나 보도, 교육적 목적을 위해서 사용해야 합니다.
2. 특정 이념이나 사상만을 담는 영상물이 아니어야 합니다.

• 상업 영화 : 극장, 텔레비전, 저장 매체 등을 통해 배포되는 모든 영상 작품(영화, 드라마, TV 애니메이션 등)은 다음 기준에 따라 신중히 인용되어야 합니다.

1. 비평을 목적으로 사용해야 합니다.
2. 해당 제작사가 직접 유통에 관여하고 인정한 합법적인 사본을 인용해야 합니다.
3. 해당 작품의 영리적 목적에 어떠한 영향도 없어야 합니다.

인용이 금지되는 저작물의 예

아래 목록에 해당하는 것은 위키백과 내에서 공정 이용이 불가능한 저작물입니다. 그러나, 이 목록에 포함되지 않았다고 해서 반드시 공정 이용이 허용되는 것은 아닙니다. 또한, 아래 목록에 해당하는 저작물 역시 상황에 따라 인용이 가능한 예외 상황이 생길 수도 있습니다.

비자유 저작물을 올릴 때

자유 저작물의 업로드는 모두 위키미디어 공용에 올려야 합니다. 한국어 위키백과 내에서의 업로드는 비자유 저작물만 허용함으로써 자료를 좀 더 체계적으로 관리할 수 있습니다.

비자유 저작물의 업로드를 위해서는 권한이 필요합니다. 권한은 신뢰할 수 있는 사용자에게만 부여되며, 권한 부여는 까다로운 절차와 심사를 거쳐 주어집니다. 만약 이러한 권한이 없을 경우, 권한이 있는 사용자에게 파일 업로드 요청을 신청할 수 있습니다. 이 때, 올려질 대상 파일의 링크만을 첨부해야 하며, 한국어 위키백과나 위키미디어 공용에 업로드 해서는 안 됩니다. 또한, 파일 올리기 신청은 주어진 양식의 모든 부분을 적절하게 채워야 유효한 신청이 될 수 있습니다. 이 경우, 신청 양식에 명시되어 있는 바에 따라, 파일올 올리는 것에 대한 모든 책임을 신청자 자신이 부담하는 것에 동의하는 것으로 간주됩니다.

비자유 저작물을 포함하는 문서에는 문서의 최상단에 {{비자유 저작물 인용}}을 끼워넣어 그 문서를 편집하는 이용자와 독자에게 주의를 환기하여야 하고, 이 틀이 제거되지 않도록 관리해야 합니다. 만약 이 틀이 문서에서 지속적으로 제거되는 현상이 발생한다면, 해당 사용자가 차단되거나, 해당 문서의 편집이 일정 기간 제한될 수 있습니다.

관리 규정

비자유 저작물을 포함한 모든 파일은 파일 올리기 권한을 얻은 사용자만이 한국어 위키백과에 업로드할 수 있습니다. 이는 무분별한 업로드와 자료 혼란을 막기 위해서입니다. 자유 저작물을 올리고 싶다면 위키미디어 공용에 올릴 수 있습니다. 자신에게 파일을 올릴 권한이 없을 경우, 위키백과:파일 올리기 요청에서 권한이 있는 사용자에게 대신 요청할 수 있습니다. 또는, 위키백과:사용자 권한 신청에서 권한을 요청할 수 있습니다. 권한을 요청할 때는 다수의 비자유 저작물을 지속적으로 올릴 당위성을 입증해야 하며, 요건이 충족하지 못했을 경우 관리자는 이 신청을 거절할 수도 있습니다.

그러나 명백한 저작권법 위반의 경우와 비자유 저작물의 인용 요건을 명백하게 갖추지 못할 때에는 누구든지 이를 즉시 삭제할 수 있습니다. 비자유 저작물의 인용에 해당된다고 추론할 수 있어도 출처와 인용의 이유를 명시하지 않아 출처와 인용의 이유를 요구받은 후 48시간이 지나도 변화가 없으면 그 게시물은 삭제됩니다. 저작권법을 명백히 위반한 경우나 인용 요건을 명백히 갖춘 경우가 아니더라도, 위키백과:삭제 토론에 토론을 올려 다른 사용자로 부터 의견을 구해볼 수도 있습니다.

권한의 오남용이 지속될 때 관리자는 권한을 즉시 회수할 수 있습니다. 또한, 유효하지 않은 요청을 반복적으로 수용한 경우에도 권한이 회수될 수 있습니다. 만약 이러한 행위가 고의적인 것으로 판단될 경우 차단 정책에 따라 차단될 수도 있습니다.

면책 규정

• 해당 파일을 위키미디어의 서버에 복제하거나 그렇게 하도록 요청한 사용자가 모든 민형사상의 책임을 져야 합니다.
• 저작물의 인용에 관한 책임에서 위키미디어 재단과 그 지부 및 직접적인 관련이 없는 한국어 위키백과의 사용자와 관리자는 책임을 지지 않습니다.

법적 근거

미합중국의 공정 이용에 관한 법률

이하는 위키백과와 위키미디어의 서버가 위치하고 있는 미국의 공정 이용(영어: Fair use)에 대한 법적 근거입니다.

17 U.S. Code § 107 - Limitations on exclusive rights: Fair use

Notwithstanding the provisions of sections 17 U.S.C. § 106 and 17 U.S.C. § 106A, the fair use of a copyrighted work, including such use by reproduction in copies or phonorecords or by any other means specified by that section, for purposes such as criticism, comment, news reporting, teaching (including multiple copies for classroom use), scholarship, or research, is not an infringement of copyright. In determining whether the use made of a work in any particular case is a fair use the factors to be considered shall include:

1. the purpose and character of the use, including whether such use is of a commercial nature or is for nonprofit educational purposes;
2. the nature of the copyrighted work;
3. the amount and substantiality of the portion used in relation to the copyrighted work as a whole; and
4. the effect of the use upon the potential market for or value of the copyrighted work.

The fact that a work is unpublished shall not itself bar a finding of fair use if such finding is made upon consideration of all the above factors.

— US CODE: Title 17,107. Limitations on exclusive rights: Fair use

제107조 배타적 권리에 대한 제한: 공정사용

제106조와 제106조의 A의 규정에도 불구하고, 비평, 논평, 시사보도, 교수(학습용으로 다수 복제하는 경우를 포함), 학문, 또는 연구 등의 목적을 위하여 보호되는 저작물을 복제물이나 음반으로 복제하거나 또는 제106조와 제106조의 A에서 규정한 그 밖의 방법으로 이용하는 경우를 포함하여 공정사용하는 것은 저작권 침해가 되지 아니한다. 구체적인 경우에 어떤 저작물의 사용이 공정사용이냐의 여부를 결정함에 있어서 참작하여야 할 요소에는 다음 사항이 포함되어야 한다.

1. 그 사용이 상업적 성질의 것인지 또는 비영리적 교육목적을 위한 것인지 등, 그 사용의 목적과 성격;
2. 보호되는 저작물의 성격;
3. 사용된 부분이 보호되는 저작물 전체에서 차지하는 양과 상당성; 그리고
4. 그 사용이 보호되는 저작물의 잠재적 시장이나 가치에 미치는 영향.

위의 모든 요소를 참작하여 내려지는 결정인 경우에, 저작물이 미발행되었다는 사실 자체는 공정사용이라는 결정을 방해하지 못한다.

— 한국저작권위원회의 번역

대한민국의 저작물의 공정한 이용에 관한 법률

이하는 한국어 위키백과의 대다수 사용자의 국적인 대한민국에서의 저작물의 공정한 이용에 대한 법적 근거이며, 이는 2011년 12월 2일에 신설되었습니다.

제35조의3(저작물의 공정한 이용)

① 제23조부터 제35조의2까지, 제101조의3부터 제101조의5까지의 경우 외에 저작물의 통상적인 이용 방법과 충돌하지 아니하고 저작자의 정당한 이익을 부당하게 해치지 아니하는 경우에는 보도·비평·교육·연구 등을 위하여 저작물을 이용할 수 있다.

② 저작물 이용 행위가 제1항에 해당하는지를 판단할 때에는 다음 각 호의 사항등을 고려하여야 한다.

1. 영리성 또는 비영리성 등 이용의 목적 및 성격
2. 저작물의 종류 및 용도
3. 이용된 부분이 저작물 전체에서 차지하는 비중과 그 중요성
4. 저작물의 이용이 그 저작물의 현재 시장 또는 가치나 잠재적인 시장 또는 가치에 미치는 영향
   — 저작권법 [법률 제12137호]

다른 위키미디어 프로젝트

이 정책은 한국어 위키백과에만 특화된 정책으로 위키낱말사전, 위키책, 영어 위키백과 등 다른 위키미디어 프로젝트에서의 비자유 저작물의 인용에 대한 정책은 위키미디어 메타 위키에서 확인하실 수 있습니다.

관련 항목

• 위키백과:저작권
• 위키백과:인용
• 위키백과:업로더
• 위키프로젝트:위키백과 비자유 저작물의 인용

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클라리넷

B♭ 클라리넷 (뵘 시스템)

클라리넷

목관 악기
분류	관악기 목관 악기 싱글 리드 악기
호른보스텔 작스 분류	422.211.2-71 (키로 소리 내는 싱글 리드 기명악기)
음역
쓰인 범위:
관련 악기
색소폰 타로가토 (현대) 오보에 샬뤼모
음악가
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The clarinet is a family of woodwind instruments that have a single-reed mouthpiece, a straight cylindrical tube with an approximately cylindrical bore, and a flaring bell. A person who plays any type of clarinet is called a clarinetist or clarinettist.

The word clarinet may have entered the English language via the French clarinette (the feminine diminutive of Old French clarin or clarion), or from Provençal clarin, "oboe". It "is plainly a diminutive of clarino, the Italian for trumpet", and the Italian clarinetto is the source of the name in many other languages. According to Johann Gottfried Walther, writing in 1732, the reason for the name is that "it sounded from far off not unlike a trumpet". The English form clarinet is found as early as 1733, and the now-archaic clarionet appears from 1784 until the early years of the 20th century.

There are some different types of clarinets of differing sizes and pitches. The unmodified word clarinet usually refers to the B♭ soprano clarinet, by far the most common type, which has a large range of nearly four octaves. The clarinet family is the largest woodwind family, with more than a dozen types, ranging from the (extremely rare) BBB♭ octo-contrabass to the A♭ piccolo clarinet. Of these, many are rare or obsolete (there is only one BBB♭ octo-contrabass clarinet in existence, for example), and music written for them is usually played on more common versions of the instrument.

Johann Christoph Denner invented the clarinet in Germany around the turn of the 18th century by adding a register key to the earlier chalumeau. Over time, additional keywork and airtight pads were added to improve tone and playability.

Today, the clarinet is commonly used in classical music (such as concert bands, orchestras, chamber music, and solo repertoire), military bands, marching bands, klezmer, and jazz, as well as in folk music, Arabic pop, choro, samba, and Bulgarian wedding music.

Characteristics

Sound

The cylindrical bore is primarily responsible for the clarinet's distinctive timbre, which varies between its three main registers, known as the chalumeau, clarion, and altissimo. The tone quality can vary greatly with the musician, the music, the instrument, the mouthpiece, and the reed. The differences in instruments and geographical isolation of players in different countries led to the development, from the last part of the 18th century onwards, of several different schools of clarinet playing. The most prominent were the German/Viennese traditions and the French school. The latter was centered on the clarinetists of the Conservatoire de Paris. The proliferation of recorded music has made examples of different styles of clarinet playing available. The modern clarinetist has a diverse palette of "acceptable" tone qualities to choose from.

Bass clarinet

The A clarinet and B♭ clarinet have nearly the same bore, and use the same mouthpiece. Orchestral players using the A and B♭ instruments in the same concert could use the same mouthpiece (and often the same barrel) for both (see 'usage' below). The A and the B♭ instruments have nearly identical tonal quality, although the A typically has a slightly warmer sound. The tone of the E♭ clarinet is brighter than that of the lower clarinets and can be heard even through loud orchestral or concert band textures.틀:Failed verification The bass clarinet has a characteristically deep, mellow sound, while the alto clarinet is similar in tone to the bass and the basset horn has a tone quality comparable to the A clarinet.

Range

 이 부분의 본문은 clarinet family, E-flat clarinet, soprano clarinet, alto clarinet, bass clarinet, basset-horn, contra-alto clarinet 및 contrabass clarinet입니다.

Clarinets have the largest pitch range of common woodwinds. The intricate key organization that makes this range possible can make the playability of some passages awkward. The bottom of the clarinet’s written range is defined by the keywork on each instrument, standard keywork schemes allowing a low E on the common B♭ clarinet. The lowest concert pitch depends on the transposition of the instrument in question.

Nearly all soprano and piccolo clarinets have keywork enabling them to play the E below middle C as their lowest written note (in scientific pitch notation that sounds D₃ on a soprano clarinet or C₄, i.e. concert middle C, on a piccolo clarinet), though some B♭ clarinets go down to E♭₃ to enable them to match the range of the A clarinet. On the B♭ soprano clarinet, the concert pitch of the lowest note is D₃, a whole tone lower than the written pitch. Most alto and bass clarinets have an extra key to allow a (written) E♭₃. Modern professional-quality bass clarinets generally have additional keywork to written C₃. Among the less commonly encountered members of the clarinet family, contra-alto and contrabass clarinets may have keywork to written E♭₃, D₃, or C₃; the basset clarinet and basset horn generally go to low C₃.

Defining the top end of a clarinet’s range is difficult, since many advanced players can produce notes well above the highest notes commonly found in method books. G₆ is usually the highest note clarinetists encounter in classical repertoire. The C above that (C₇ i.e. resting on the fifth ledger line above the treble staff) is attainable by advanced players and is shown on many fingering charts, and fingerings as high as G₇ exist.

The range of a clarinet can be divided into three distinct registers. The lowest register, consisting of the notes up to the written B♭ above middle C (B♭₄), is known as the chalumeau register (named after the instrument that was the clarinet's immediate predecessor). The middle register is termed the clarino (sometimes clarion) register and spans just over an octave (from written B above middle C (B₄) to the C two octaves above middle C (C₆)); it is the dominant range for most members of the clarinet family. The top or altissimo register consists of the notes above the written C two octaves above middle C (C₆). Unlike other woodwinds, all three registers have characteristically different sounds. The chalumeau register is rich and dark. The clarino register is brighter and sweet, like a trumpet (clarino) heard from afar. The altissimo register can be piercing and sometimes shrill.

Acoustics

Sound wave propagation in the soprano clarinet

Sound is a wave that propagates through the air as a result of a local variation in air pressure. The production of sound by a clarinet follows these steps:

1. The mouthpiece and reed are surrounded by the player’s lips, which put light, even pressure on the reed and form an airtight seal. Air is blown past the reed and down the instrument. In the same way that a flag flaps in the breeze, the air rushing past the reed causes it to vibrate. As air pressure from the mouth increases, the amount the reed vibrates increases until the reed hits the mouthpiece. At this point the reed stays pressed against the mouthpiece until either the springiness of the reed forces it to open, or a returning pressure wave ‘bumps’ into the reed and opens it. Each time the reed opens, a puff of air goes through the gap, after which the reed swings shut again. When played loudly, the reed can spend up to 50% of the time shut. The ‘puff of air’ or compression wave (around 3% greater pressure than the surrounding air) travels down the cylindrical tube and escapes at the point where the tube opens out. This is either at the closest open hole or at the end of the tube (see diagram: image 1).
2. More than a ‘neutral’ amount of air escapes from the instrument, which creates a slight vacuum or rarefaction in the clarinet tube. This rarefaction wave travels back up the tube.
3. The rarefaction is reflected off the sloping end wall of the clarinet mouthpiece. The opening between the reed and the mouthpiece makes very little difference to the reflection of the rarefaction wave. This is because the opening is very small compared to the size of the tube, so almost the entire wave is reflected back down the tube even if the reed is completely open at the time the wave hits.
4. When the rarefication wave reaches the other (open) end of the tube, air rushes in to fill the slight vacuum. A little more than a ‘neutral’ amount of air enters the tube and causes a compression wave to travel back up the tube. Once the compression wave reaches the mouthpiece end of the clarinet ‘tube’, it is reflected again back down the pipe. However at this time, either because the compression wave ‘bumped’ the reed or because of the natural vibration cycle of the reed, the gap opens and another ‘puff’ of air is sent down the pipe.
5. The original compression wave, now greatly reinforced by the second ‘puff’ of air, sets off on another two trips down the pipe (travelling 4 pipe lengths in total) before the cycle is repeated again.

The cycle repeats at a frequency relative to how long it takes a wave to travel to the first open hole and back twice (i.e. four times the length of the pipe). For example: when all the holes bar the very top one are open (i.e. the trill 'B' key is pressed), the note A4 (440 Hz) is produced. This represents a repeat of the cycle 440 times per second.

In addition to this primary compression wave, other waves, known as harmonics, are created. Harmonics are caused by factors including: the imperfect wobbling and shaking of the clarinet reed, the reed sealing the mouthpiece opening for part of the wave cycle (which creates a flattened section of the sound wave) and imperfections (bumps and holes) in the clarinet bore. A wide variety of compression waves are created, but only some (primarily the odd harmonics) are reinforced. These extra waves are what gives the clarinet its characteristic tone.

The bore of the soprano clarinet is cylindrical for most of the tube with an inner bore diameter between 14 and 15.5 밀리미터 (0.55 and 0.61 in), but there is a subtle hourglass shape, with the thinnest part below the junction between the upper and lower joint. The reduction is 1 to 3 밀리미터 (0.039 to 0.118 in) depending on the maker. This hourglass shape, although not visible to the naked eye, helps to correct the pitch/scale discrepancy between the chalumeau and clarino registers (perfect 12th). The diameter of the bore affects characteristics such as available harmonics, timbre, and pitch stability (how far the player can bend a note in the manner required in jazz and other music). The bell at the bottom of the instrument flares out to improve the tone of the lowest notes.

Most modern clarinets have "undercut" tone holes that improve intonation and sound. Undercutting means chamfering the bottom edge of tone holes inside the bore. Acoustically, this makes the tone hole function as if it were larger, but its main function is to allow the air column to follow the curve up through the tone hole (surface tension) instead of "blowing past" it under the increasingly directional frequencies of the upper registers.

The fixed reed and fairly uniform diameter of the clarinet give the instrument an acoustical behavior approximating that of a cylindrical stopped pipe. Recorders use a tapered internal bore to overblow at the 8th (octave) when its thumb/register hole is pinched open while the clarinet, with its cylindrical bore, overblows on the 12th. Adjusting the angle of the bore taper controls the frequencies of the overblown notes (harmonics). Changing the mouthpiece's tip opening and the length of the reed changes aspects of the harmonic timbre or voice of the instrument because this changes the speed of reed vibrations. Generally, the goal of the clarinetist when producing a sound is to make as much of the reed vibrate as possible, making the sound fuller, warmer, and potentially louder.

The lip position and pressure, the shaping of the vocal tract, the choice of reed and mouthpiece, the amount of air pressure created and the evenness of the air flow, accounts for most of the player’s ability to control the tone of a clarinet. A highly skilled musician will provide the ideal lip pressure and air pressure for each frequency (note) being produced. They will have an embouchure which places an even pressure across the reed by carefully controlling their lip muscles. The air flow will also be carefully controlled by using the strong stomach muscles (as opposed to the weaker and erratic chest muscles) and they will use the diaphragm to oppose the stomach muscles to achieve a tone softer than a forte, rather than weakening the stomach muscle tension to lower air pressure. Their vocal tract will be shaped to resonate at frequencies associated with the tone being produced.

Covering or uncovering the tone holes varies the length of the pipe, changing the resonant frequencies of the enclosed air column and hence the pitch of the sound. A clarinetist moves between the chalumeau and clarino registers through use of the register key, or speaker key: clarinetists call the change from chalumeau register to clarino register "the break". The open register key stops the fundamental frequency from being reinforced and the reed is forced to vibrate at three times the speed it was originally vibrating at. This produces a note a twelfth above the original note. Most instruments overblow at two times the speed of the fundamental frequency (the octave) but as the clarinet acts as a closed pipe system, the reed cannot vibrate at twice the original speed because it would be creating a ‘puff’ of air at the time the previous ‘puff’ is returning as a rarefaction. This means that it cannot be reinforced and so would die away.

The lower or 'chalumeau' register plays fundamentals, whereas the upper or 'clarino' register, aided by the register key, plays third harmonics, a perfect twelfth higher than the fundamentals. The first several notes of the altissimo range, aided by the register key and venting with the first left-hand hole, play fifth harmonics, a major seventeenth (that is a perfect twelfth plus a major sixth) above the fundamental. The clarinet is therefore said to overblow at the twelfth, and when moving to the altissimo register, a seventeenth. By contrast, nearly all other woodwind instruments overblow at the octave, or like the ocarina and tonette, do not overblow at all (the rackett or sausage bassoon is the next most common Western instrument that overblows at the twelfth). A clarinet must have holes and keys for nineteen notes (a chromatic octave and a half, from bottom E to B♭) in its lowest register to play the chromatic scale. This overblowing behavior explains the clarinet's great range and complex fingering system. The fifth and seventh harmonics are also available, sounding a further sixth and fourth (a flat, diminished fifth) higher respectively; these are the notes of the altissimo register. This is also why the inner "waist" measurement is so critical to these harmonic frequencies.

The highest notes on a clarinet can have a shrill piercing quality and can be difficult to tune accurately. Different instruments often play differently in this respect due to the sensitivity of the bore and reed measurements. Using alternate fingerings and adjusting the embouchure helps correct the pitch of these higher notes.

Since approximately 1850, clarinets have been nominally tuned according to twelve-tone equal temperament. Older clarinets were nominally tuned to meantone. A skilled performer can use his or her embouchure to considerably alter the tuning of individual notes or to produce vibrato, a pulsating change of pitch often employed in jazz. Vibrato is rare in classical or concert band literature; however, certain clarinetists, such as Richard Stoltzman, do use vibrato in classical music. Special fingerings may be used to play quarter tones and other microtonal intervals. Around 1900, Dr. Richard H. Stein, a Berlin musicologist, made a quarter-tone clarinet, which was soon abandoned. Years later, another German, Fritz Schüller of Markneukirchen, built a quarter tone clarinet, with two parallel bores of slightly different lengths whose tone holes are operated using the same keywork and a valve to switch from one bore to the other.

Schüller's quarter-tone clarinet

Construction

Materials

Clarinet bodies have been made from a variety of materials including wood, plastic, hard rubber, metal, resin, and ivory. The vast majority of clarinets used by professional musicians are made from African hardwood, mpingo (African Blackwood) or grenadilla, rarely (because of diminishing supplies) Honduran rosewood and sometimes even cocobolo. Historically other woods, notably boxwood, were used.

Most modern, inexpensive instruments are made of plastic resin, such as ABS. These materials are sometimes called resonite, which is Selmer's trademark name for its type of plastic. Metal soprano clarinets were popular in the early 20th century, until plastic instruments supplanted them; metal construction is still used for the bodies of some contra-alto and contrabass clarinets, and for the necks and bells of nearly all alto and larger clarinets. Ivory was used for a few 18th-century clarinets, but it tends to crack and does not keep its shape well.

Buffet Crampon's Greenline clarinets are made from a composite of grenadilla wood powder and carbon fiber. Such instruments are less affected by humidity and temperature changes than wooden instruments but are heavier. Hard rubber, such as ebonite, has been used for clarinets since the 1860s, although few modern clarinets are made of it. Clarinet designers Alastair Hanson and Tom Ridenour are strong advocates of hard rubber. Hanson Clarinets of England manufactures clarinets using a grenadilla compound reinforced with ebonite, known as 'BTR' (bithermal reinforced) grenadilla. This material is also not affected by humidity, and the weight is the same as that of a wood clarinet.

Mouthpieces are generally made of hard rubber, although some inexpensive mouthpieces may be made of plastic. Other materials such as crystal/glass, wood, ivory, and metal have also been used. Ligatures are often made out of metal and plated in nickel, silver or gold. Other ligature materials include wire, wire mesh, plastic, naugahyde, string, or leather.

Reed

The instrument uses a single reed made from the cane of Arundo donax, a type of grass. Reeds may also be manufactured from synthetic materials. The ligature fastens the reed to the mouthpiece. When air is blown through the opening between the reed and the mouthpiece facing, the reed vibrates and produces the instrument's sound.

Basic reed measurements are as follows: tip, 12 밀리미터 (0.47 in) wide; lay, 15 밀리미터 (0.59 in) long (distance from the place where the reed touches the mouthpiece to the tip); gap, 1 밀리미터 (0.039 in) (distance between the underside of the reed tip and the mouthpiece). Adjustment to these measurements is one method of affecting tone color.

Most clarinetists buy manufactured reeds, although many make adjustments to these reeds and some make their own reeds from cane "blanks". Reeds come in varying degrees of hardness, generally indicated on a scale from one (soft) through five (hard). This numbering system is not standardized—reeds with the same hardness number often vary in hardness across manufacturers and models. Reed and mouthpiece characteristics work together to determine ease of playability, pitch stability, and tonal characteristics.

Components

The construction of a clarinet (Boehm system)

Reed, mouthpiece, and ligature

Note: A Boehm system soprano clarinet is shown in the photos illustrating this section. However, all modern clarinets have similar components.

The reed is attached to the mouthpiece by the ligature, and the top half-inch or so of this assembly is held in the player’s mouth. In the past clarinetists used to wrap a string around the mouthpiece and reed instead of using a ligature. The formation of the mouth around the mouthpiece and reed is called the embouchure.

The reed is on the underside of the mouthpiece, pressing against the player's lower lip, while the top teeth normally contact the top of the mouthpiece (some players roll the upper lip under the top teeth to form what is called a ‘double-lip’ embouchure). Adjustments in the strength and shape of the embouchure change the tone and intonation (tuning). It is not uncommon for clarinetists to employ methods to relieve the pressure on the upper teeth and inner lower lip by attaching pads to the top of the mouthpiece or putting (temporary) padding on the front lower teeth, commonly from folded paper.

Next is the short barrel; this part of the instrument may be extended to fine-tune the clarinet. As the pitch of the clarinet is fairly temperature-sensitive, some instruments have interchangeable barrels whose lengths vary slightly. Additional compensation for pitch variation and tuning can be made by pulling out the barrel and thus increasing the instrument's length, particularly common in group playing in which clarinets are tuned to other instruments (such as in an orchestra or concert band). Some performers use a plastic barrel with a thumbwheel that adjusts the barrel length. On basset horns and lower clarinets, the barrel is normally replaced by a curved metal neck.

The main body of most clarinets is divided into the upper joint, the holes and most keys of which are operated by the left hand, and the lower joint with holes and most keys operated by the right hand. Some clarinets have a single joint: on some basset horns and larger clarinets the two joints are held together with a screw clamp and are usually not disassembled for storage. The left thumb operates both a tone hole and the register key. On some models of clarinet, such as many Albert system clarinets and increasingly some higher-end Boehm system clarinets, the register key is a 'wraparound' key, with the key on the back of the clarinet and the pad on the front. Advocates of the wraparound register key say it improves sound, and it is harder for moisture to accumulate in the tube beneath the pad. Nevertheless, there is a consensus among repair techs that this type of register key is harder to keep in adjustment, i.e., it is hard to have enough spring pressure to close the hole securely.

The body of a modern soprano clarinet is equipped with numerous tone holes of which seven (six front, one back) are covered with the fingertips, and the rest are opened or closed using a set of keys. These tone holes let the player produce every note of the chromatic scale. On alto and larger clarinets, and a few soprano clarinets, key-covered holes replace some or all finger holes. The most common system of keys was named the Boehm system by its designer Hyacinthe Klosé in honour of flute designer Theobald Boehm, but it is not the same as the Boehm System used on flutes. The other main system of keys is called the Oehler system and is used mostly in Germany and Austria (see History). The related Albert system is used by some jazz, klezmer, and eastern European folk musicians. The Albert and Oehler systems are both based on the early Mueller system.

The cluster of keys at the bottom of the upper joint (protruding slightly beyond the cork of the joint) are known as the trill keys and are operated by the right hand. These give the player alternative fingerings that make it easy to play ornaments and trills. The entire weight of the smaller clarinets is supported by the right thumb behind the lower joint on what is called the thumb-rest. Basset horns and larger clarinets are supported with a neck strap or a floor peg.

Finally, the flared end is known as the bell. Contrary to popular belief, the bell does not amplify the sound; rather, it improves the uniformity of the instrument's tone for the lowest notes in each register. For the other notes the sound is produced almost entirely at the tone holes and the bell is irrelevant. On basset horns and larger clarinets, the bell curves up and forward and is usually made of metal.

Keywork

Theobald Boehm did not directly invent the key system of the clarinet. Boehm was a flautist who created the key system that is now used for the transverse flute. Klosé and Buffet applied Boehm's system to the clarinet. Although the credit goes to those people, Boehm's name was given to that key system.

The current Boehm key system consists of generally 6 rings, on the thumb, 1st, 2nd, 4th, 5th and 6th holes, a register key just above the thumb hole, easily accessible with the thumb. Above the 1st hole, there is a key that lifts two covers creating the note A in the throat register (high part of low register) of the clarinet. A key at the side of the instrument at the same height as the A key lifts only one of the two covers, producing G♯ a semitone lower. The A key can be used in conjunction solely with the register key to produce A♯/B♭.

History

4-key boxwood clarinet, ca. 1760.

Lineage

The clarinet has its roots in the early single-reed instruments or hornpipes used in Ancient Greece, old Egypt, Middle East and Europe since the Middle Ages, such as the albogue, alboka, and double clarinet.

The modern clarinet developed from a Baroque instrument called the chalumeau. This instrument was similar to a recorder, but with a single-reed mouthpiece and a cylindrical bore. Lacking a register key, it was played mainly in its fundamental register, with a limited range of about one and a half octaves. It had eight finger holes, like a recorder, and two keys for its two highest notes. At this time, contrary to modern practice, the reed was placed in contact with the upper lip.

Around the turn of the 18th century, the chalumeau was modified by converting one of its keys into a register key to produce the first clarinet. This development is usually attributed to German instrument maker Johann Christoph Denner, though some have suggested his son Jacob Denner was the inventor. This instrument played well in the middle register with a loud, shrill sound, so it was given the name clarinetto meaning "little trumpet" (from clarino + -etto). Early clarinets did not play well in the lower register, so players continued to play the chalumeaux for low notes. As clarinets improved, the chalumeau fell into disuse, and these notes became known as the chalumeau register. Original Denner clarinets had two keys, and could play a chromatic scale, but various makers added more keys to get improved tuning, easier fingerings, and a slightly larger range. The classical clarinet of Mozart's day typically had eight finger holes and five keys.

Clarinets were soon accepted into orchestras. Later models had a mellower tone than the originals. Mozart (d. 1791) liked the sound of the clarinet (he considered its tone the closest in quality to the human voice) and wrote numerous pieces for the instrument., and by the time of Beethoven (c. 1800–1820), the clarinet was a standard fixture in the orchestra.

Pads

The next major development in the history of clarinet was the invention of the modern pad. Because early clarinets used felt pads to cover the tone holes, they leaked air. This required pad-covered holes to be kept to a minimum, restricting the number of notes the clarinet could play with good tone. In 1812, Iwan Müller, a Russian-born clarinetist and inventor, developed a new type of pad that was covered in leather or fish bladder. It was airtight and let makers increase the number of pad-covered holes. Müller designed a new type of clarinet with seven finger holes and thirteen keys. This allowed the instrument to play in any key with near-equal ease. Over the course of the 19th-century makers made many enhancements to Mueller's clarinet, such as the Albert system and the Baermann system, all keeping the same basic design. Modern instruments may also have cork or synthetic pads.

Arrangement of keys and holes

 이 부분의 본문은 Albert system, Boehm system (clarinet) 및 Oehler system입니다.

Oehler system clarinets use additional tone holes to correct intonation (patent C♯, low E-F correction, fork-F/B♭ correction and fork B♭ correction)

The final development in the modern design of the clarinet used in most of the world today was introduced by Hyacinthe Klosé in 1839. He devised a different arrangement of keys and finger holes, which allow simpler fingering. It was inspired by the Boehm System developed for flutes by Theobald Boehm. Klosé was so impressed by Boehm's invention that he named his own system for clarinets the Boehm system, although it is different from the one used on flutes. This new system was slow to gain popularity because it meant the player had to relearn how to play the instrument. To ease this transition, Klosé wrote a series of exercises for the clarinet, designed to teach his fingering system. Gradually it became the standard, and today the Boehm system is used everywhere in the world except Germany and Austria. These countries still use a direct descendant of the Mueller clarinet known as the Oehler system clarinet.틀:Failed verification Also, some contemporary Dixieland and Klezmer players continue to use Albert system clarinets, as the simpler fingering system can allow for easier slurring of notes.틀:Failed verification

Usage and repertoire

Use of multiple clarinets

The modern orchestral standard of using soprano clarinets in both B♭ and A has to do partly with the history of the instrument, and partly with acoustics, aesthetics and economics. Before about 1800, due to the lack of airtight pads (see History), practical woodwinds could have only a few keys to control accidentals (notes outside their diatonic home scales). The low (chalumeau) register of the clarinet spans a twelfth (an octave plus a perfect fifth), so the clarinet needs keys/holes to produce all nineteen notes in that range. This involves more keywork than is necessary on instruments that "overblow" at the octave—oboes, flutes, bassoons, and saxophones, for example, which need only twelve notes before overblowing.

Clarinets with few keys cannot therefore easily play chromatically, limiting any such instrument to a few closely related key signatures. For example, an eighteenth-century clarinet in C could be played in F, C, and G (and their relative minors) with good intonation, but with progressive difficulty and poorer intonation as the key moved away from this range. In contrast, for octave-overblowing instruments, an instrument in C with few keys could much more readily be played in any key.

This problem was overcome by using three clarinets—in A, B♭ and C—so that early 19th-century music, which rarely strayed into the remote keys (five or six sharps or flats), could be played as follows: music in 5 to 2 sharps (B major to D major concert pitch) on A clarinet (D major to F major for the player), music in 1 sharp to 1 flat (G to F) on C clarinet, and music in 2 flats to 4 flats (B♭ to A♭) on the B♭ clarinet (C to B♭ for the player). Difficult key signatures and numerous accidentals were thus largely avoided.

With the invention of the airtight pad, and as key technology improved and more keys were added to woodwinds, the need for clarinets in multiple musical keys was reduced. However, the use of multiple instruments in different keys persisted, with the three instruments in C, B♭ and A all used as specified by the composer.

The lower-pitched clarinets sound more "mellow" (less bright), and the C clarinet—being the highest and therefore brightest of the three—fell out of favour as the other two clarinets could cover its range and their sound was considered better. While the clarinet in C began to fall out of general use around 1850, some composers continued to write C parts after this date, e.g., Bizet's Symphony in C (1855), Tchaikovsky's Symphony No. 2 (1872), Smetana's Má Vlast (1874), Brahms' Symphony No. 4 (1885), and Richard Strauss deliberately reintroduced it to take advantage of its brighter tone, as in Der Rosenkavalier (1911).

While technical improvements and an equal-tempered scale reduced the need for two clarinets, the technical difficulty of playing in remote keys persisted and the A has thus remained a standard orchestral instrument. In addition, by the late 19th century the orchestral clarinet repertoire contained so much music for clarinet in A that the disuse of this instrument was not practical. Attempts were made to standardise to the B♭ instrument between 1930 and 1950 (e.g., tutors recommended learning the routine transposition of orchestral A parts on the B♭ clarinet, including solos written for A clarinet, and some manufacturers provided a low E♭ on the B♭ to match the range of the A), but this failed in the orchestral sphere.

Similarly there have been E♭ and D instruments in the upper soprano range, B♭, A, and C instruments in the bass range, and so forth; but over time the E♭ and B♭ instruments have become predominant.

The B♭ instrument remains dominant in concert bands and in jazz. Both B♭ and C instruments are used in some ethnic traditions, such as klezmer music.

Classical music

A pair of Boehm system soprano clarinets—one in B♭ and one in A., French System

In classical music, clarinets are part of standard orchestral and concert band instrumentation.

The orchestra frequently includes two clarinetists playing individual parts—each player is usually equipped with a pair of standard clarinets in B♭ and A, and clarinet parts commonly alternate between B♭ and A instruments several times over the course of a piece or even, less commonly, of a movement (e.g., 1st movement Brahms 3rd symphony). Clarinet sections grew larger during the last few decades of the 19th century, often employing a third clarinetist, an E♭ or a bass clarinet. In the 20th century, composers such as Igor Stravinsky, Richard Strauss, Gustav Mahler and Olivier Messiaen enlarged the clarinet section on occasion to up to nine players, employing many different clarinets including the E♭ or D soprano clarinets, basset horn, alto clarinet, bass clarinet and/or contrabass clarinet.

In concert bands, clarinets are an important part of the instrumentation. The E♭ clarinet, B♭ clarinet, alto clarinet, bass clarinet, and contra-alto/contrabass clarinet are commonly used in concert bands. Concert bands generally have multiple B♭ clarinets; there are commonly 3 B♭ clarinet parts with 2-3 players per part. There is generally only one player per part on the other clarinets. There are not always E♭ clarinet, alto clarinet, and contra-alto clarinets/contrabass clarinet parts in concert band music, but all three are quite common.

This practice of using a variety of clarinets to achieve coloristic variety was common in 20th-century classical music and continues today. However, many clarinetists and conductors prefer to play parts originally written for obscure instruments on B♭ or E♭ clarinets, which are often of better quality and more prevalent and accessible.

The clarinet is widely used as a solo instrument. The relatively late evolution of the clarinet (when compared to other orchestral woodwinds) has left solo repertoire from the Classical period and later, but few works from the Baroque era. Many clarinet concertos have been written to showcase the instrument, with the concerti by Mozart, Copland and Weber being well known.

Many works of chamber music have also been written for the clarinet. Common combinations are:

• Clarinet and piano (including clarinet sonatas)
• Clarinet, piano and another instrument (for example, string instrument or voice)
• Clarinet quartet: various combinations including four B♭ clarinets, three B♭ clarinets and bass clarinet, two B♭ clarinets, alto clarinet and bass, and other possibilities such as the use of a basset horn, especially in European classical works.
• Clarinet quintet, generally made up of a clarinet plus a string quartet.
• Reed quintet, consists of oboe (doubling English horn), clarinet, alto saxophone (doubling soprano saxophone), bass clarinet, and bassoon.
• Wind quintet, consists of flute, oboe, clarinet, bassoon, and horn.
• Trio d'anches, or trio of reeds consists of oboe, clarinet, and bassoon.
• Wind octet, consists of pairs of oboes, clarinets, bassoons, and horns.

Jazz

Jazz clarinetist Pete Fountain

The clarinet was originally a central instrument in jazz, beginning with the New Orleans players in the 1910s. It remained a signature instrument of jazz music through much of the big band era into the 1940s. American players Larry Shields, Ted Lewis, Jimmie Noone and Sidney Bechet were all pioneers of the instrument in jazz. The B♭ soprano was the most common instrument, but a few early jazz musicians such as Louis Nelson Delisle and Alcide Nunez preferred the C soprano, and many New Orleans jazz brass bands have used E♭ soprano.

Swing clarinetists such as Benny Goodman, Artie Shaw, and Woody Herman led successful big bands and smaller groups from the 1930s onward. Duke Ellington, active from the 1920s to the 1970s, used the clarinet as lead instrument in his works, with several players of the instrument (Barney Bigard, Jimmy Hamilton and Russell Procope) spending a significant portion of their careers in his orchestra. Harry Carney, primarily Ellington's baritone saxophonist, occasionally doubled on bass clarinet. Meanwhile, Pee Wee Russell had a long and successful career in small groups.

With the decline of the big bands' popularity in the late 1940s, the clarinet faded from its prominent position in jazz. By that time, an interest in Dixieland or traditional New Orleans jazz had revived; Pete Fountain was one of the best known performers in this genre. Bob Wilber, active since the 1950s, is a more eclectic jazz clarinetist, playing in several classic jazz styles. During the 1950s and 1960s, Britain underwent a surge in the popularity of what was termed 'Trad jazz'. In 1956 the British clarinetist Acker Bilk founded his own ensemble. Several singles recorded by Bilk reached the British pop charts, including the ballad "Stranger on the Shore".

The clarinet's place in the jazz ensemble was usurped by the saxophone, which projects a more powerful sound and uses a less complicated fingering system. The requirement for an increased speed of execution in modern jazz also did not favour the clarinet, but the clarinet did not entirely disappear. A few players such as Buddy DeFranco, Tony Scott, Jimmy Giuffre emerged during the 1950s playing bebop or other styles. A little later, Eric Dolphy (on bass clarinet), Perry Robinson, John Carter, Theo Jörgensmann and others used the clarinet in free jazz. The French composer and clarinetist Jean-Christian Michel initiated a jazz-classical cross-over on the clarinet with the drummer Kenny Clarke.

In the U.S., the prominent players on the instrument since the 1980s have included Eddie Daniels, Don Byron, and Marty Ehrlich and others playing the clarinet in more contemporary contexts.

Other genres

The clarinet is uncommon, but not unheard of in rock music. Jerry Martini played clarinet on Sly and the Family Stone's 1968 hit, "Dance to the Music"; Don Byron, a founder of the Black Rock Coalition who was a member of hard rock guitarist Vernon Reid's band, plays clarinet on the Mistaken Identity album (1996). The Beatles, Pink Floyd, Radiohead, Aerosmith, Billy Joel, and Tom Waits have also all used clarinet on occasion.

Clarinets feature prominently in klezmer music, which entails a distinctive style of playing. The use of quarter-tones requires a different embouchure. Some klezmer musicians prefer Albert system clarinets.

The popular Brazilian music styles of choro and samba use the clarinet. Prominent contemporary players include Paulo Moura, Naylor 'Proveta' Azevedo, Paulo Sérgio dos Santos and Paquito D'Rivera.

The clarinet is prominent in Bulgarian wedding music, an offshoot of Roma/Romani traditional music. Ivo Papazov is a well-known clarinetist in this genre. In Moravian dulcimer bands, the clarinet is usually the only wind instrument among string instruments.

In the Republic of Macedonia, old-town folk music -called chalgija ("чалгија"), the clarinet has the most important role in wedding music; clarinet solos mark the high point of dancing euphoria. One of the most renowned Macedonian clarinet players is Tale Ognenovski, who gained worldwide fame for his virtuosity.

In Greece the clarinet (usually referred to as "κλαρίνο" - "clarino") is prominent in traditional music, especially in central, northwest and northern Greece (Thessaly, Epirus and Macedonia). The double-reed zurna was the dominant woodwind instrument before the clarinet arrived in the country, although many Greeks regard the clarinet as a native instrument. Traditional dance music, wedding music and laments include a clarinet soloist and quite often improvisations. Petroloukas Chalkias is a famous clarinetist in this genre.

The instrument is equally famous in Turkey, especially the soprano clarinet in G. The soprano clarinet crossed via Turkey to Arabic music, where it is widely used in Arabic pop, especially if the intention of the arranger is to imitate the Turkish style.

Turkish clarinet

Also in Turkish folk music, a clarinet-like woodwind instrument, the sipsi, is used. However, it's far more rare than the soprano clarinet and is mainly limited to folk music of the Aegean Region.

Groups of clarinets

Groups of clarinets playing together have become increasingly popular among clarinet enthusiasts in recent years. Common forms are:

• Clarinet choir, which features a large number of clarinets playing together, usually involves a range of different members of the clarinet family (see Extended family of clarinets). The homogeneity of tone across the different members of the clarinet family produces an effect with some similarities to a human choir.
• Clarinet quartet, usually three B♭ sopranos and one B♭ bass, or two B♭, an E♭ alto clarinet, and a B♭ bass clarinet, or sometimes four B♭ sopranos.

Clarinet choirs and quartets often play arrangements of both classical and popular music, in addition to a body of literature specially written for a combination of clarinets by composers such as Arnold Cooke, Alfred Uhl, Lucien Caillet and Václav Nelhýbel.

Extended family of clarinets

 이 부분의 본문은 Clarinet family입니다.

There is a family of many differently pitched clarinet types, some of which are very rare. The following are the most important sizes, from highest to lowest:

Bass clarinet, Basset horn, clarinets in D, B♭, A, high G and E♭, basset clarinet in A

Contra-alto and contrabass clarinets

Name	Key	Commentary	Range (concert)
Piccolo clarinet	A♭	Now rare, used for Italian military music and some contemporary pieces for its sonority;
E-flat clarinet (soprano clarinet)	E♭	Characteristic timbre, used in concert band repertoire because its tonality is considered "compatible" with other instruments, especially those in B♭.
Soprano clarinet in D	D	Obscure because of its limited repertoire in Western music.
Soprano clarinet in C	C	Rare because its timbre is considered too bright.
B♭ soprano clarinet	B♭	The most common type: used in most styles of music.
A clarinet	A	Has a richer sound than B♭, frequently used in orchestral and chamber music.
Basset clarinet	A	Clarinet in A extended to a low C; used primarily to play Classical-era music. Mozart's Clarinet Concerto was written for this instrument, though it is frequently played in a version for the ordinary A clarinet. Basset clarinets in B♭ also exist; this instrument is required to play the obbligato to the aria "Parto, parto" in Mozart's La Clemenza di Tito.
Basset-horn	F	Similar in appearance to the alto, but differs in that it is pitched in F, has an extended range to low C, and has a narrower bore on most models. Mozart's Clarinet Concerto was originally sketched out as a concerto for basset horn in G. Rarely used today.
Alto clarinet	E♭	Used in chamber music and concert bands.
Bass clarinet	B♭	Used in concert bands, contemporary music, and jazz; sometimes used in orchestras.
Contra-alto clarinet (also called E♭ contrabass clarinet)	EE♭	Used in clarinet choirs and is common in concert bands.
Contrabass clarinet (also called B♭ subcontrabass or double-bass clarinet)	BB♭	Used in clarinet choirs and is common in concert bands. It is sometimes used in orchestras.

Experimental EEE♭ and BBB♭ octocontra-alto and octocontrabass clarinets have also been built. There have also been soprano clarinets in C, A, and B♭ with curved barrels and bells marketed under the names saxonette, claribel, and clariphon.

See also

• List of clarinet concerti
• List of clarinetists
• Clarinet makers Lists of makers of clarinets, clarinet mouthpieces, and clarinet reeds.
• Double clarinet A Middle Eastern instrument, not a true clarinet in the Western sense of the term
• Quarter tone clarinet
• International Clarinet Association

References

• Nicholas Bessaraboff, Ancient European Musical Instruments. Boston: Harvard University Press, 1941.
• "Woodwind Instruments and Their History" by Anthony Baines, Dover Publishing.
• Jack Brymer, Clarinet. (Yehudi Menuhin Music Guides) Hardback and paperback, 296 pages, Kahn & Averill. ISBN 1-871082-12-9.
• David Pino, The Clarinet and Clarinet Playing. Providence: Dover Pubns, 1998, 320 p.; ISBN 0-486-40270-3.
• F. Geoffrey Rendall, The Clarinet. Second Revised Edition. London: Ernest Benn Limited, 1957.
• F. Geoffrey Rendall, The Clarinet: Some Notes upon Its History and Construction. Third Edition, revised and with some additional material by Philip Bate. London: Ernest Benn Limited; New York: W. W. Norton & Company Inc., 1971.
• Cyrille Rose, Artistic Studies, Book 1. ed. David Hite. San Antonio: Southern Music, 1986.
• Nicholas Shackleton, "Clarinet", Grove Music Online, ed. L. Macy (accessed 21 February 2006), grovemusic.com (subscription access).
• Buffet Crampon Greenline website
• Jennifer Ross, "Clarinet", "Ohio: Hardcover Printing Press, 1988.
• Fabrizio Meloni, Il Clarinetto, ill., 299 pages, Zecchini Editore, zecchini.com Italy, 2002, ISBN 88-87203-03-2.
• Bărbuceanu Valeriu, "Dictionary of musical instruments", Second Revised Edition, Teora Press, Bucharest, 1999.
• "Fundamentals of Musical Acoustics" by Arthur H. Benade, Dover Publishing.
• SELMER Paris : the clarinet family

External links

• The International Clarinet Association

• (영어) Clarinet - Curlie

Category:Clarinets Category:Woodwind instruments Category:German inventions

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